Urso de Lata

J. Edgar, de Clint Eastwood – Parte 1

2012-01-27T11:52:00.000-02:00

O blog Urso de Lata inicia neste post uma sequência de comentários sobre J. Edgar. Os textos partem de uma sensação de limitação em dar conta de todos os aspectos do novo filme de Clint Eastwood - sejam os méritos e os deméritos - em um único texto. Indicado a dois Globos de Ouro e sumariamente ignorado no Oscar, o filme estreia nesta sexta-feira (27/1).

John Edgar Hoover, um homossexual

A homossexualidade do todo-poderoso do Federal Bureau of Investigation segue o script dos gays até os anos 1950: discrição e vida dupla. Silêncio. Não há um parceiro da intimidade, mas um amante dublê de amigo e braço direito.

Existem algumas lindas cenas que dão conta do conflito de um homem que não pode estar inteiro nos principais momentos de sua vida. A mais bonita é a que em Leonardo DiCaprio se confronta com seu reflexo no espelho. Ele ameaça colocar um colocar da mãe no pescoço e envergar seu vestido. “Resista, Edgar. Resista”, diz em voz alta, citando uma conversa com a mãe já morta.

Sim, um momento forte. É quando um homem talhado para ser forte, impenetrável, teso e jamais trôpego, desnuda-se para o espelho (e para a câmera). É quando um mito vira homem. E o homem torna-se menino. O menino precisa de colo, mas não tem.

Mesmo emocionante, esta cena é de irritante didatismo. É quase uma apropriação primária de Lacan e de como o sujeito se constrói a partir da imagem que lhe é devolvida pelo espelho. O roteiro de Dustin Lance Black lançou mão de um chavão, de um espaço naturalmente dramático (o quarto pouco iluminado, um homem e um espelho) para criar um efeito de descoberta.

Profundamente eficiente. Profundamente tocante. E profundamente repetitiva.

Milk e J. Edgar: Sean Penn e DiCaprio

Por outro lado, é evidente a importância de um roteirista assumidamente homossexual como Lance Black. Assim, o filme não foge de um aspecto fundamental do caráter do personagem. Mas é curioso pensar também em J. Edgar como a antítese de Milk – A Voz da Igualdade, o longa anterior de Lance Black como roteirista.

Harvey Milk é o homem para fora, John Edgar Hoover volta-se para dentro. Um é expansão, outro repressão. Se é explícita a oposição dos filmes, há quesitos que os une por razoes diversas. O principal deles é o amor.

Milk prega o amor, mas não o vive por se dedicar fortemente à militância contra a repressão aos homossexuais nos Estados Unidos nos anos 1970. Hoover também ama, mas não vive a plenitude do sentimento. Em parte, pela prisão do cargo de fundador e diretor do FBI por 48 anos; em parte, porque para ele é a imagem do horror amar outro homem.

É no amor que não pode ser vivido por conta de circunstâncias externas que Milk – A Voz da Igualdade e J. Edgar conversam.

Mesmo didático, o roteiro de Lance Black capta com sensibilidade outra característica de Hoover e um arquétipo da homossexualidade em determinados períodos históricos. A relação dele com seu companheiro/braço direito/testa de ferro/amor Clyde Tolson é a de um companheirismo velado, de breque e freio quando se chega muito perto, muito dentro.

J. Edgar compartilha alguns sentimentos conosco – especialmente o de melancolia. Hoover é um personagem muito contraditório. Um escroto de primeira marca por muitas vezes. E no filme há um aspecto em que a homossexualidade de Hoover e sua postura como diretor do FBI andam juntas:

John Edgar Hoover é um homem que bate pra não ser arranhado.

Millenium - Os Homens que Não Amavam as Mulheres - Crítica

2012-01-27T10:07:00.002-02:00

Rooney Mara, indicada ao Oscar de Melhor Atriz

Antes de perder tempo comparando quem é melhor – o original sueco ou a refilmagem hollywoodiana –, é mais interessante enveredar por outro aspecto de Millenium – Os Homens que Não Amavam as Mulheres: o ruído entre o mundo de ontem e o mundo de hoje.

Nesse filme de ação e mistério (ora agudo, ora assustador), há duas maneiras de desvendar um mistério: o da dedução lógica e contato tete-a-tete e o ultratecnológico. Por trás dos efeitos constantes de Millenium – Os Homens que Não Amavam as Mulheres e do jogo de xadrez cadavérico que o jornalista Mikael (Daniel Craig, fraco como de costume) e Lisbeth (Rooney Mara, muito interessante) tentam compreender, existe o confronto entre métodos de investigação.

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Protesto contra violência da polícia em Pinheirinho chega a Tiradentes

2012-01-26T15:15:00.000-02:00

Marat Descartes, um dos atores de Corpo Presente, protestou contra violência em comunidade do Pinheirinho

A noite de quarta-feira (25/1) na Mostra de Tiradentes foi de celebração pela pré-estreia de Corpo Presente, mas também de protestos. Assim como acontecera há dois dias quando os cineastas Juliana Rojas e Marco Dutra, de Trabalhar Cansa, criticaram a ação da Polícia Militar, endossada pela prefeitura de São José dos Campos e pelo governo do Estado de São Paulo, de desocupação da comunidade do Pinheirinho, o ator Marat Descartes leu, no palco do Cine Tenda, uma moção de repúdio.

“Estamos em um momento de alegria e celebração, mas não podemos fechar os olhos para algo de muito grave que está acontecendo em nosso país e, em especial, São Paulo”, disse Descartes, antes de iniciar a leitura da “Moção de repúdio à política do coturno em Pinheirinho”, mesmo manifesto que havia sido lido por Rojas e Dutra na terça-feira. O público do Cine Tenda aplaudiu a atitude.

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As Horas Vulgares: jazz e desencanto na Mostra de Tiradentes

2012-01-25T17:45:00.003-02:00

As Horas Vulgares, raro exemplo de longa-metragem produzido no Espírito Santo

Após um começo desinteressante com o documentário Balança mas Não Cai, a seleção Aurora da Mostra de Tiradentes, dedicada a diretores no primeiro ou no segundo longa-metragem, ganhou novo ânimo na noite de terça-feira (23/1) com a exibição de As Horas Vulgares.

Dirigida por Rodrigo de Oliveira e Vitor Graize, o filme se passa em Vitória, Espírito Santo, e tem como centro de ação o encontro de dois amigos, Théo e Lauro, na noite das ruas da cidade e na casa de amigos. Numa bela fotografia em preto e branco, eles lembram do passado, de uma mulher que une a história os dois (ela se chama Clara), das noites de jazz e do desconforto com a falta de ação.

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Morre Theo Angelopolos, de A Poeira do Tempo

2012-01-25T12:15:00.001-02:00

Angelopoulos em Cannes com a Palma de Ouro por Uma Enternidade em um Dia

Atropelado, vejam só, enquanto buscava uma locação para O Outro Mar, filme que lidaria com a crise na Grécia. O mestre grego Theo Angelopolous se vai, dois anos e meio depois de ter na Mostra de SP uma grande retrospectiva de seus longas.

O cinema de Angelopolous é peça-chave para entender a formação da Grécia. Alguns links para se entender o diretor de A Poeira do Vento:

Entrevista a Luiz Joaquim, do Cinema Escrito (clique na aba entrevistas e busque na página pela matéria)

Perfil do The Guardian (UK) com a estética do cineasta e seu projeto inconcluso.

Pequeno perfil com fatos e prêmios da carreira de Angelopoulos

Oscar 2012: veja lista dos indicados ao prêmio da Academia

2012-01-24T12:00:00.003-02:00

Algumas surpresas na lista do Oscar

A Academia de Artes e Ciências Cinematográficas anunciou na manhã desta terça-feira (24/1) os indicados ao Oscar de 2012. A lista completa segue abaixo. A análise com as surpresas, injustiças e escolhas precisas pode ser conferida neste link no Cineclick. Alguns breves comentários:

- Na categoria Melhor Filme, a Academia indicou nove filmes, sendo sete já incluídos na premiação do Sindicato dos Produtores (PGA). Entraram A Árvore da Vida e Tão Forte, Tão Perto -- saiu Missão Madrinha de Casamento.

- Já em Melhor Ator, duas surpresas: Nick Nolte e Max von Sydow.

- No roteiro, ótima surpresa: Asghar Farhadi, de A Separação [leia a crítica] foi um dos cinco indicados. Por outro lado, Missão Madrinha de Casamento também foi indicado. Que coisa...

- Na direção, David Fincher foi ignorado, assim como em Melhor Filme, já que Millenium - Os Homens que Não Amavam as Mulheres ficou fora.

- Na categoria Melhor Atriz, que parecia ser a mais fechada e com menos surpresas, teve uma troca significativa: saiu Tilda Swinton, de Precisamos Falar sobre Kevin, e entrou Rooney Mara, de Millenium.

- Fato raro: um ano sem nenhum filme da Pixar indicado a Melhor Animação. Rio, de Carlos Saldanha, não entrou.

- Na Trilha Sonora, John Williams abocanhou duas indicações por Cavalo de Guerra e As Aventuras de Timtim. Se ele espirrar, a Academia vai indicá-lo. Mas o genial Alexandre Desplat, candidato por A Árvore da Vida, Carnage e Harry Potter e as Relíquias da Morte - Parte II, passou longe. É...

- Em filme estrangeiro, o belga Bullhead foi indicado. Piada, né? Filme fraquíssimo.

- Apenas duas canções originais foram indicadas. Regras da Academia de elegibilidade, coeficiente etc (entenda aqui no artigo IV, Voting)

Melhor Filme

Cavalo de Guerra (War Horse)
O Artista (The Artist)
O Homem que Mudou o Jogo (Moneyball)
Os Descendentes (The Descendants)
A Árvore da Vida (The Tree of Life)
Meia-noite em Paris (Midnight in Paris)
Histórias Cruzadas (The Help)
A Invenção de Hugo Cabret (Hugo)
Tão Forte, Tão Perto (Extremely Loud & Incredibly Close)

Atriz Coadjuvante

Bérénice Bejo (O Artista)
Jessica Chastain (Histórias Cruzadas)
Melissa McCarthy (Missão Madrinha de Casamento)
Janet McTeer (Albert Nobbs)
Octavia Spencer (Histórias Cruzadas)

Ator Coadjuvante

Kenneth Branagh (Sete Dias com Marylin)
Jonah Hill (O Homem que Mudou o Jogo)
Nick Nolte (Warrior)
Christopher Plummer (Toda Forma de Amor)
Max von Sydow (Tão Forte, Tão Perto)

Melhor Atriz

Glenn Close (Albert Nobbs)
Rooney Mara (Millenium - O Homem que Não Amava as Mulheres)
Viola Davis (Histórias Cruzadas)
Meryl Streep (Dama de Ferro)
Michelle Williams (Sete Dias com Marylin)

Melhor Ator

Demian Bichir (A Better Life)
George Clooney (Os Descendentes)
Jean Dujardin (O Artista)
Gary Oldman (O Espião que Sabia Demais)
Brad Pitt (O Homem que Mudou o Jogo)

Melhor Direção

Michel Hazanivicus (O Artista)
Alexander Payne (Os Descendentes)
Martin Scorsese (A Invenção de Hugo Cabret)
Woody Allen (Meia-noite em Paris)
Terrence Malick (A Árvore da Vida)

Melhor Roteiro Original

The Artist
Bridesmaids
Midnight in Paris
Margin Call
A Separation

Melhor Roteiro Adaptado

The Descendants
Hugo
The Ides of March
The Girl With the Dragon Tattoo
Tinker Tailor Soldier Spy

Melhor Filme em Língua Estrangeira

Bullhead
Footnote
In Darkness
Monsier Lazhar
In Separation

Melhor Animação

A Cat in Paris
Chico & Rita
Kung Fu Panda 2
Puss in Boots
Rango

Melhor Curta-metragem em Animação

Dimanche/Sunday, de Patrick Doyon
The Fantastic Flying Books of Mr. Morris Lessmore, de William Joyce and Brandon Oldenburg
La Luna, de Enrico Casarosa
A Morning Stroll, de Grant Orchard and Sue Goffe
Wild Life, de Amanda Forbis e Wendy Tilby

Melhor Curta-metragem

Pentecost, de Peter McDonald and Eimear O'Kane
Raju, de Max Zähle and Stefan Gieren
The Shore, de Terry George and Oorlagh George
Time Freak, de Andrew Bowler and Gigi Causey
Tuba Atlantic, de Hallvar Witzø

Melhor Trilha Sonora

As Aventuras de Timtim (John Williams)
O Artista (Ludovic Bource)
A Invenção de Hugo Cabret (Howard Shore)
O Espião que Sabia Demais (Alberto Iglesias)
Cavalo de Guerras (John Williams)

Melhor Canção Original

Man or Muppet, de Os Muppets (Música e letra de Bret McKenzie)
Real in Rio, de Rio (Música de Sergio Mendes e Carlinhos Brown, letra Siedah Garrett)

Edição de Som

Drive (Lon Bender e Victor Ray Ennis)
Millenium – Os Homens Homens que Não Amavam as Mulheres (Ren Klyce)
Hugo (Philip Stockton e Eugene Gearty)
Transformers: O Lado Oculto da Lua (Ethan Van der Ryn e Erik Aadahl)
Cavalo de Guerra (Richard Hymns and Gary Rydstrom)

Mixagem

Millenium – Os Homens que Amavam as Mulheres (David Parker, Michael Semanick, Ren Klyce e Bo Persson)
Hugo (Tom Fleischman and John Midgley)
O Homem que Mudou o Jogo (Deb Adair, Ron Bochar, Dave Giammarco e Ed Novick)
Transformers: O Lado Oculto da Lua (Greg P. Russell, Gary Summers, Jeffrey J. Haboush e Peter J. Devlin)
Cavalo de Guerra (Gary Rydstrom, Andy Nelson, Tom Johnson e Stuart Wilson)

Efeitos Visuais

Harry Potter e as Relíquias da Morte – Parte II (Tim Burke, David Vickery, Greg Butler and John Richardson)
A Invenção de Hugo Cabret (Rob Legato, Joss Williams, Ben Grossman e Alex Henning)
Gigantes de Aço (Erik Nash, John Rosengrant, Dan Taylor e Swen Gillberg)
Planeta dos Macacos: A Origem (Joe Letteri, Dan Lemmon, R. Christopher White e Daniel Barrett)
Transformers: O Lado Oculto da Lua (Scott Farrar, Scott Benza, Matthew Butler e John Frazier)

Melhor Maquiagem

Albert Nobbs (Martial Corneville, Lynn Johnston e Matthew W. Mungle)
Harry Potter e as Relíquias da Morte – Parte II (Edouard F. Henriques, Gregory Funk e Yolanda Toussieng)
A Dama de Ferro (Mark Coulier e J. Roy Helland)

Melhor Documentário

Hell and Back Again
If a Tree Falls: A Story of the Earth Liberation Front
Paradise Lost 3: Purgatory
Pina
Undefeated

Melhor Documentário em Curta-metragem

The Barber of Birmingham: Foot Soldier of the Civil Rights Movement
God Is the Bigger Elvis
Incident in New Baghdad
Saving Face
The Tsunami and the Cherry Blossom

Melhor Montagem

O Artista (Anne-Sophie Bion e Michel Hazanavicius)
The Descendants (Kevin Tent)
Millenium – Os Homens que Não Amavam as Mulheres (Kirk Baxter e Angus Wall)
A Invenção de Hugo Cabret (Thelma Schoonmaker)
O Homem que Mudou o Jogo (Christopher Tellefsen)

Direção de Arte

O Artista (Production Design: Laurence Bennett; Set Decoration: Robert Gould)
Harry Potter e as Relíquias da Morte – Parte II (Production Design: Stuart Craig; Set Decoration: Stephenie McMillan)
A Invenção de Hugo Cabret (Production Design: Dante Ferretti; Set Decoration: Francesca Lo Schiavo)
Meia-noite em Paris (Production Design: Anne Seibel; Set Decoration: Hélène Dubreuil)
Cavalo de Guerra (Production Design: Rick Carter; Set Decoration: Lee Sandales)

Melhor Fotografia

O Artista (Guillaume Schiffman)
Millenium – Os Homens que não Amavam as Mulheres (Jeff Cronenweth)
A Invenção de Hugo Cabret (Robert Richardson)
A Árvore da Vida (Emmanuel Lubezki)
Cavalo de Guerra (Janusz Kaminski)

Melhor Figurino

Anônimo (Lisy Christl)
O Artista (Mark Bridges)
A Invenção de Hugo Cabret (Sandy Powell)
Jane Eyre (Michael O'Connor)
W.E. - O Romance do Século (Arianne Phillips)

As Hiper Mulheres: índias do Xingu vão cantar na Holanda

2012-01-23T15:46:00.001-02:00

As Hiper Mulheres, documentário que mostra o ritual cântico de uma tribo indígena do Xingu, exibido na noite de domingo (22/1) na Mostra de Tiradentes, é um dos filmes a integrar a legião de brasileiros que vai invadir o Festival de Roterdã.

A partir da próxima quarta-feira (24), o festival holandês estará abarrotado de longas e curtas-metragens produzidos no Brasil – alguns deles inclusive passaram por Tiradentes. Ao todo, serão sete longas e cinco curtas, além de uma extensa retrospectiva da produção da Boca do Lixo e da presença de Helena Ignez, musa de Rogério Sganzerla, no júri do Tiger Awards.

Roterdã também vai marcar um fato raríssimo: dois longas brasileiros – Sudoeste e O Som ao Redor – estarão na mostra competitiva principal, acontecimento quase nunca visto num festival europeu de grande porte. O máximo de penetração que o cinema brasileiro tem conseguido em eventos do Velho Continente tem sido em Cannes – média de quatro filmes por ano, mas espalhados em mostras paralelas.

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Em Tiradentes, a questão de como representar no cinema

2012-01-23T12:19:00.000-02:00

Denise Fraga, protagonista de Hoje, foi premiada no Festival de Brasília

Pode parecer loucura, mas há um diálogo entre dois filmes de feitura diferente, ambos exibidos no sábado (21/1) aqui na Mostra de Tiradentes. De um lado Djalioh, inspirado num conto que Flaubert, o autor de Madame Bovary, escreveu em 1837. Do outro está Hoje, longa da premiada Tata Amaral (Antônia, Um Céu de Estrelas) que se aproxima das feridas da ditadura.

O questionamento da representação de uma história é o principal ponto de contato para o diálogo de filmes tão distintos. É esse questionamento que faz com que Djalioh enverede por uma contação de histórias, com narradores que se revezam como personagens, ou que Hoje, grande vencedor do Festival de Brasília, adote métodos menos tradicionais para a encenação do que não há como ser dito.

No filme de Tata temos a história de uma mulher de meia-idade (Denise Fraga) que acaba de se mudar para um outro apartamento. De sopetão, enquanto os móveis são carregados pelos ajudantes, um homem (Cesar Troncoso) aparece e questiona o passado de Vera – que descobriremos ter adotado o nome de Ana Luiza no passado.

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Billi Pig conversa com a chanchada e com caos brasileiro

2012-01-22T14:53:00.002-02:00

Grazi Massafera interpreta Marivalda, que sonha em se tornar atriz.

“Esse filme surgiu de um desejo nosso de dar uma elevada no cinema comercial brasileiro”. As palavras da produtora Vânia Catani explicam as intenções de Billi Pig, o longa de abertura da Mostra de Tiradentes. É a tentativa de José Eduardo Belmonte, o diretor de Se Nada Mais Der Certo e A Concepção, ampliar o diálogo de seu cinema com o público e, indiretamente, criar uma outra via: filmes que não precisam descer ao nível de Cilada.com para ter público.

“É um filme absurdo”, declarou o diretor na abertura, ao lado dos atores Selton Mello, Grazi Massafera, Milton Gonçalves e Murilo Grossi. A exibição aqui em Tiradentes é um teste interessante para um filme que abertamente busca comunicação larga com o público e é dirigido por um cineasta marcado como autoral.

Há em Billi Pig um escracho, e também um certo cinismo, com coisas tipicamente brasileiras: a bandidagem aloprada, o sincretismo religioso, a diva de subúrbio, as instituições frouxas e o jogo de cintura para sobreviver. Mais do que cinema de massa, o filme trava um diálogo com um período em que o cinema brasileiro foi profundamente popular: no auge das chanchadas nas décadas de 40 e 50, quando Oscarito, nosso maior comediante, reinou ao lado de beldades que cantavam no cinema as músicas que viriam a fazer sucesso no carnaval, com enredos que comentavam situações tipicamente brasileiras e especialmente cariocas.

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Mostra de Tiradentes homenageia Selton Mello e discute ator no cinema

2012-01-20T18:52:00.000-02:00

Diretor e protagonista de O Palhaço receberá homenagem nesta sexta (21/1)

Pelo segundo ano consecutivo, a Mostra de Cinema de Tiradentes, o mais inquieto dos eventos do calendário de festivais brasileiros, vai homenagear um ator. Se 2011 foi o ano de Irandhir Santos, que caiu na boca do povo após o sucesso de Tropa de Elite 2, neste edição os holofotes se voltam a Selton Mello, um ator que também é autor.

A 15ª Mostra de Tiradentes começa nesta sexta-feira (20/1) com a exibição do inédito Billi Pig, de José Eduardo Belmonte. Selton é um dos exemplos de ator que transita por muitas frequências dentro do cinema brasileiro. Pode ser lembrado por um projeto muito autoral como Lavoura Arcaica ou pelo carisma de O Auto da Compadecida, um playboy maconheiro em Árido Movie ou um romântico em A Mulher Invisível. Selton conseguiu tanto ser dirigido por um esteta como Julio Bressane quanto por um diretor com influências do videoclipe como Mauro Lima.

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Clint Eastwood e Dustin Lance Black tiram J. Edgar do armário

2012-01-19T16:06:00.001-02:00

Leonardo DiCaprio deve ser indicado ao Oscar

Há muito o que dizer sobre J. Edgar, o filme que Clint Eastwood fez sobre John Edgar Hoover, o inventor do FBI em 1935, personagem mítico da cultura norte-americana. Profundamente conservador, entre 1924 e 1972 dividiu o mundo entre o Bem (nós) e o Mal (eles, os comunistas), espionou um mundaréu de desafetos, aplicou um amplo leque de métodos ilegais.

Antes de assistir ao filme, que será lançado pela Warner Bros. no Brasil na outra sexta-feira (27/1), temia por uma abordagem coxa de suas contradições – Hoover merece tanto ser admirado quanto esculachado. Receio de que o patriotismo se sobrepusesse à complexidade de seu caráter ou que J. Edgar fosse apenas um filme de época que não permitisse diálogo algum com questões contemporâneas.

Os medos não se justificam, já que o filme decide ir a fundo e colocar em xeque o personagem, inclusive num tema polêmico: a homossexualidade de Hoover. Enquanto vivo, ameaçou quem tornasse pública sua relação com Clyde Tolson. Hoje, quase 40 anos após sua morte, sua homossexualidade é notória – mesmo que tenha ficado por debaixo do pano por tantos anos durante o reinado no FBI.

Numa das cenas mais lindas do filme, Hoover, interpretado por Leonardo DiCaprio, briga consigo mesmo de frente ao espelho. Lindo jogo de sombras. Ou em outras duas sequências de um amor desesperado e dolorido. Muito feliz a escolha de Dustin Lance Black, homossexual assumido e roteirista de Milk – A Voz da Igualdade, personagem ícone dos gays, para escrever o filme de Clint: há um desenho muito interessante da personalidade e do conflito.

Mas não dá para limitar J. Edgar à sexualidade do protagonista. O filme estabelece um diálogo aberto com o momento mais recente dos Estados Unidos, em que os fins justificaram os meios na Era Bush.

Há mais o que dizer sobre o filme de Clint. Por enquanto, fiquemos com esse breve comentário do conflito entre o sentir e o agir, o desejo e as expectativas, a dureza e a ternura, a necessidade de ordem e o fascínio por se perder.

Clint Eastwood, cuja regularidade é impressionante, fez mais um filme bom.

Em tempo: o site da Amazon.com lista ao menos 12 livros sobre J. Edgar ou escritos por ele. Com destaque para J. Edgar Hoover: The Man and the Secrets.

Vencedor de três Globos de Ouro, The Artist ganha distribuição no Brasil

2012-01-16T16:45:00.000-02:00

No Brasil, O Artista vai estrear em 10 de fevereiro

Cerca de dois meses antes da cerimônia do Globo de Ouro, já era esperado que The Artist, o saudosista filme que homenageia a Hollywood dos anos 1920, seria um forte candidato a ganhar na categoria Melhor Filme – Musical ou Comédia.

A premiação de domingo (15/1) confirmou as expectativas. O filme de Michel Hazanavicius levou o prêmio principal, Ator e Trilha Sonora. Com as indicações na premiação do Sindicato dos Produtores (PGA) e dos Atores (SAG), The Artist chega forte ao Oscar.

O que surpreendia nos bastidores aqui no Brasil é que, apesar do zum-zum-zum em torno do longa, ele ainda não havia sido adquirido por uma distribuidora brasileira. Nesta segunda-feira (16/1) pela manhã, a Paris Filmes anunciou que vai lançar o filme por aqui. A estreia está prevista para 10 de fevereiro, 19 dias após o anúncio dos indicados ao Oscar e 16 dias antes da premiação da Academia.

Nos bastidores, comentava-se que o preço dos direitos de distribuição foi o responsável por causar a demora na aquisição do filme, a ser lançado no Brasil como O Artista. Com o sucesso da Saga Crepúsculo, a Paris Filmes tem incrementado a qualidade dos títulos de seu catálogo e avançado inclusive sobre os títulos considerados “filmes de arte” – casos dos dois últimos filmes de Woody Allen além do mais recente de Pedro Almodóvar.

Assista ao trailer de O Artista:

GLOBO DE OURO: Em premiação dividida, The Artist confirma favoritismo e Os Descendentes abocanha prêmio

2012-01-16T01:59:00.000-02:00

Jean Dujardin, premiado como Melhor Ator, em cena de The Artist

Ricky Gervais prometeu, mas não cumpriu. Mestre de cerimônias do 69º Globo de Ouro, que consagrou Os Descendentes e The Artist [veja lista completa abaixo], o comediante britânico foi tão ácido quanto em 2011, mas não tão engraçado.

Mas por que começar falando do apresentador num evento sobre cinema? Simples: porque como em qualquer entrega de prêmios, as surpresas são poucas e os discursos ora políticos, ora quero-agradecer-todo-mundo-que-é-importante-na-minha-vida-e-elogiar-meus-concorrentes. Um apresentador capaz de manter a audiência acordada durante as três horas de cerimônia é algo fundamental. Torna a brincadeira menos enfadonha, os aplausos menos falsos e a hipocrisia menos efetiva.

A melhor de suas piadas foi a que justamente falou de cinema. “Missão Madrinha de Casamento provou que as mulheres podem ser tão grosseiras quanto os homens”. De resto, uma cutucada no amigo Johnny Depp (“o homem capaz de vestir qualquer coisa que Tim Burton mandar”) e outra em Madonna (“ela é quase virgem”, em referência à canção Like A Virgin), que rebateu: “Se eu sou uma quase-virgem, por que você não vem aqui e faz algo com isso? Faz tempo que não beijo uma mulher. Na televisão”.

Os Descendentes: o filme independente do ano nos EUA

Premiação

A Hollywood Foreign Press Association (HFPA), que elege os vencedores do Globo de Ouro, decidiu espalhar os prêmios das categorias de cinema neste ano.

As três principais categorias – Filme (Drama), Direção e Roteiro – foram para três filmes diferentes. Respectivamente: Os Descendentes, que deve ser mesmo o filme independente do ano nos Estados Unidos; Martin Scorsese, o único prêmio de A Invenção de Hugo Cabret da noite; e Woody Allen (que se deu ao luxo de não ir à cerimônia), que volta a ter seu principal atributo (o roteiro) reconhecido.

Entre os musicais ou comédias, não teve nem graça. Os três prêmios a The Artist (Filme, Ator e Trilha Sonora) mostram que voltou-se a cultivar o saudosismo num cenário de produção cada vez mais hostil à realização arriscada – situação que precisa ser mais estudada, seja com o filme de Michel Hazanivicius, Super 8 ou Cavalo de Guerra.

Esperava-se que os membros da HFPA tivessem mais carinho com Histórias Cruzadas e O Homem que Mudou o Jogo. O primeiro perdeu onde era favorito (Melhor Atriz, já que Meryl Streep abocanhou um prêmio que poderia tranquilamente ir para Viola Davis) e ganhou no inesperado (Octavia Spencer como Atriz Coadjuvante, enfrentando candidatas fortes).

Já o filme sobre a grande revolução no beisebol saiu de mãos abanando. Na categoria onde mais tinha chance, o Roteiro, perdeu para Meia-noite em Paris. No meio do caminho tinha uma (bem-vinda) pedra. Como disse Aaron Sorkin, corroteirista de O Homem que Mudou o Jogo no Twitter, “é uma honra perder para Woody Allen”.

Me parece que Melhor Atriz – Drama foi a categoria que mais concentrou talentos dos indicados ao Globo de Ouro. Mesmo em filmes médios como Albert Nobbs, Glenn Close, Viola Davis, Rooney Mara, Meryl Streep e Tilda Swinton capricham.

Já Melhor Filme em Língua Estrangeira é a que menos teve bons filmes. E deve ser recebido com felicidade o prêmio ao iraniano A Separação, de longe o melhor de todos. Se exagerou nas indicações ao tenebroso Missão Madrinha de Casamento, a HFPA teve coragem de não premiar autores como Almodóvar ou os Irmãos Dardenne, indicados por filmes inferiores a outros trabalhos.

Momentos marcantes

No geral, a cerimônia do 69º Globo de Ouro – importante, mas não uma prévia tão efetiva do Oscar quanto os prêmios dos sindicatos de categorias – foi morna. Um erro no teleprompter testou a versatilidade dos apresentadores.

O trecho mais emocionante foi a troca de afagos entre o lendário ator Sidney Poitier e Helen Mirren, apresentadores do prêmio Cecil B. DeMille, ao agraciado Morgan Freeman. Quanto Poitier subiu ao palco, o silêncio se estabeleceu. O Beverly Hilton Hotel parou para ouvir aquele tom grave de voz. “Você é um príncipe da profissão que escolheu”, diz Poitier. A cerimônia podia ter acabado ali.

Sobraram algumas piadas com o sotaque latino do espanhol Antonio Banderas e da mexicana Salma Hayek e do acento francês da equipe de The Artist. Gervais também ironizou Eddie Murphy, que desistiu de apresentar o Oscar em fevereiro após a saída de Brett Ratner da produção da cerimônia. “Se uma pessoa diz 'não' para o Oscar e 'sim' para Norbit... bem...”.

Esclarecimento

Este blogueiro não acompanha um número suficiente de séries televisivas e decidiu se abster de qualquer comentário da premiação de TV da cerimônia.

Veja a lista completa dos vencedores do 69º Globo de Ouro:

Cinema

Melhor Filme (Drama)
Os Descendentes, de Alexander Payne

Melhor Filme (Musical ou Comédia)
The Artist, de Michel Hazanvicius

Melhor Diretor
Martin Scorsese, de Hugo

Melhor Ator (Drama)
George Clooney, de Os Descendentes

Melhor Atriz (Drama)
Meryl Streep, de A Dama de Ferro

Melhor Ator Coadjuvante (Drama)
Christopher Plummer, de Toda Forma de Amor

Melhor Ator (Musical ou Comédia)
Jean Dujardin, de O Artista

Melhor Atriz Coadjuvante
Octavia Spencer, de Histórias Cruzadas

Melhor Atriz (Musical ou Comédia)
Michelle Williams, de Sete Dias com Marilyn

Melhor Roteiro
Woody Allen, de Meia-noite em Paris

Melhor Animação
As Aventuras de Timtim: O Segredo de Licorne, de Steven Spielberg

Melhor Trilha Sonora
Ludovic Bource, de The Artist

Melhor Filme em Língua Estrangeira
A Separação, de Asghar Farhadi

Melhor Canção Original
Masterpiece, de Madonna, Julie Frost, Jimmy Harry

Televisão

Melhor Minissérie ou Filme Feito para a TV
Downton Abbey Masterpiece Classic

Melhor Série de TV (Drama)
Homeland

Melhor Série de TV - Musical ou Comédia
Modern Family

Melhor Ator de TV (Drama)
Kelsey Grammer, de Boss

Melhor Atriz de TV (Drama)
Claire Danes, de Homeland

Melhor Ator de TV (Musical ou Comédia)
Matt LeBlanc, de Episodes

Melhor Ator de Minissérie ou Filme Feito para a TV
Idris Elba, de Luther

Melhor Ator Coadjuvante (Série, Minissérie ou Filme Feito para a TV)
Peter Dinklage, de Game of Throns

Melhor Atriz Coadjuvante (Série, Minissérie ou Filme Feito para a TV)
Jessica Lange, de American Horror Story

Melhor Atriz de Minissérie ou Filme Feito para a TV
Kate Winslet, de Mildred Pierce

Melhor Atriz de TV (Comédia ou Musical)
Laura Dern, de Enlightened

Sherlock Holmes: O Jogo de Sombras - Crítica

2012-01-14T10:57:00.000-02:00

Robert Downey Jr. volta como o inspetor Holmes na adaptação de Guy Ritchie

Assim como no primeiro filme de Guy Ritchie que se apropriou do personagem de Sir Arthur Conan Doyle, é perda de tempo procurar o que resta da literatura do escocês no cinema de Ritchie. Sherlock Holmes: O Jogo de Sombras, como sintomaticamente definiu um amigo crítico de cinema após a exibição do filme à imprensa, poderia se chamar A Identidade Holmes ou James Holmes, em referência à franquia com Matt Damon ou a do agente 007.

Quem for a O Jogo de Sombras procurando um resquício da elegância da escrita de Doyle no desenrolar do mistério na trama vai encontrar um filme de Guy Ritchie. Ou seja, aventura de estética cartunizada, com pitadas de humor e alguma porradaria.

E não há novidade alguma nisso, pois O Jogo de Sombras é igualzinho ao primeiro filme. Como não há a surpresa causada em 2009 pelo olhar pop de Ritchie ao inspetor de Coyle, a sequência tenta compensar inserindo novos personagens – sim, isso se tornou uma condição sine qua non de qualquer franquia.

Continue lendo a crítica de Sherlock Holmes: O Jogo de Sombras na Revista Interlúdio.

Assista ao trailer do filme de Guy Ritchie com Robert Downey Jr.

Veja salas e horários em que o filme está em cartaz

O Vendedor - Crítica

2012-01-13T10:07:00.000-02:00

O veterano Gilberte Sicotte protagoniza o drama canadense O Vendedor

OVendedor* não é apenas um filme sobre o fim daestrada para um senhor, mas também um comentário sobre a finitudede um modelo financeiro. São essas duas narrativas que se justapõemno drama de estreia do canadense Sébastien Pilote, indicado aoGrande Prêmio do Júri do Festival de Sundance em 2011.

Pois em ambos relatos(o micro e o macro) o que está em jogo é a vontade (e a habilidade)de uma pessoa (ou de uma sociedade) em sobreviver quando o roteirodas próprias vidas, que até então se acreditava imutável, tomaoutros rumos bruscos. Quando a turbulência vier (e ela semprechega), Marcel (Gilbert Sicotte) será arrastado ou fugirá dacorrenteza?

Continue lendo a crítica de O Vendedor no Cineclick.

Assista ao trailer de O Vendedor:

*O Vendedor, distribuído pela Lume Filmes, estreia nesta sexta-feira (13/1) nas cidades de Porto Alegre (RS) e Salvador (BA).

Com quatro longas e dois curtas, Brasil terá presença maciça no Festival de Roterdã

2012-01-12T12:06:00.001-02:00

Sudoeste, de Eduardo Nunes, vencedor de Melhor Fotografia no Festival do Rio 2011

Praça Walt Disney

Fato raro em qualquer festival europeu de grande porte: dois longas-metragens brasileiros – Sudoeste e o O Som ao Redor – estarão na competição principal. Trata-se de Roterdã, na Holanda, um dos mais interessantes eventos entre os comprometidos com produções de maior fôlego, que começa em 25 de janeiro.

Não para por aí: os longas Febre do Rato, multipremiado no Festival de Paulínia, e o inédito Rua Aperana, 52 foram selecionados para a mostra paralela Spectrum, que também contará com outro curta-metragem brasileiro, Praça Walt Disney, eleito pela Abraccine (Associação Brasileira de Críticos de Cinema) como o Melhor Curta de 2011.

Na competição internacional de curtas-metragens, outro brasileiro, o paranaense Ovos de Dinossauro na Sala de Estar, que este blogueiro colocou na lista de Melhores do Ano.

Com isso, o 41º Festival de Roterdã abre espaço, na competição pelo Tiger Awards, para brasileiros nos seus primeiros (Eduardo Nunes, de Sudoeste) ou segundos longas (Kleber Mendonça Filho, de O Som ao Redor, inédito). Nas mostras paralelas, diretores mais experientes como Júlio Bressane (Rua Aperana, 52, que o site do festival define como “um musical sobre uma rua do Rio de Janeiro”) e Cláudio Assis (Febre do Rato).

Ovos de Dinossauro

Nos curtas, Rafael Urban entra na competição e Renata Pinheiro/Sergio Oliveira na mostra paralela.

Além da produção contemporânea, o Festival de Roterdã abre espaço para um período muito particular do cinema brasileiro: os filmes da Boca do Lixo. A retrospectiva The Mouth of Garbage vai jogar luzes na produção da Boca, cujo de ponto era o centro de São Paulo. Produções baratas e rodadas rapidamente, onde se misturavam as pornochanchadas de apelo sexual ao público com outros realizadores já de estilos consolidados.

A The Mouth of Garbage, cuja curadoria é de Gabe Klinger, brasileiro, mas que saiu daqui muito cedo para morar nos Estados Unidos, vai colocar Sganzerla ao lado de Claudio Cunha, Candeias com Ody Fraga, Jairo Ferreira com Jean Garret. Uma ótima revisão, programada por um festival holandês (!) de um período que poucos aqui no Brasil decidiram olhar com atenção para separar o joio do trigo – os dossiês da Revista Zingu! são um raro esforço.

O último longa de Claudio Cunha estará em Roterdã

O fato é que o Festival de Roterdã programou, para a edição 2012, alguns filmes muito especiais. Ovos de Dinossauro na Sala de Estar e Praça Walt Disney são dois filmes inteligentíssimos que documentam sem caretice. Sudoeste (que não me encantou na primeira exibição no Festival do Rio em outubro) é um filme com rigor formal absurdo. Febre do Rato é pura fruição, pulsão sexual e criativa.

A participação brasileira com seis filmes contemporâneos, além da retrospectiva da Boca do Lixo (não foram anunciados todos os títulos ainda), supera os números da presença tupiniquim em outros festivais internacionais, especialmente o de Cannes que, na última década, teve uma média de quatro filmes brasileiros por edição. Porém, concentrados nas mostras paralelas.

Termômetro para o Oscar

2012-01-09T16:19:00.006-02:00

A premiação do Sindicato dos Produtores, real termômetro do Oscar apesar de muitos darem um valor exagerado ao Globo de Ouro, divulgou os indicados a Melhor Filme [veja os filmes aqui]. Da lista é possível pegar algumas pistas para as possíveis indicações da Academia e começar o jogo de “chutologia” que é prever o Oscar.

As estatísticas dos últimos dez anos indicam que cerca de 80% dos indicados à premiação do Producers Guild of America (PGA), o Sindicato dos Produtores, também são lembrados no Oscar. Quando os membros da Academia indicavam cinco longas à Melhor Filme, três deles geralmente já haviam sido lembrados no PGA. No formato de dez filmes indicados, estilo adotado nas duas últimas premiações, oito filmes tinham passado pela lista do PGA.

A “chutologia” para o Oscar deste ano, porém, está mais complicada. Dada as novas regras, a categoria Melhor Filme pode ter entre cinco e dez indicados, dependendo da quantidade de produções que atingiram o coeficiente mínimo de 5% como primeira escolha, na lista de dez das células de votação, dos votantes[leia esta matéria da CBS News e as regras no site da Academia para entender o quiprocó].

Sabemos também que quase nunca a lista da Academia traz ficções científicas, filmes de aventura ou escrachadas. Isso já me leva a prever que Missão Madrinha de Casamento (Bridesmaids), um dos dez do Sindicato dos Produtores, não será indicado ao Oscar. Tenho dúvidas se Meia-noite em Paris (Midnight in Paris), um Woody Allen que voltou a me alegrar, vai permanecer na lista da Academia.

Pela força que Spielberg tem, pelo menos um de seus filmes irá à categoria principal. Presumo que será adotada a escolha mais segura: Cavalo de Guerra (War Horse) em Melhor Filme, As Aventuras de Tim Tim (The Adventures of Tintin) em Melhor Animação.

Jean Dujardiin e Bérénice Bejo em cena de The Artist.

Dos dez indicados do PGA, e assumindo que o Oscar repetirá a quantidade de indicados, os candidatos fortíssimos são The Artist, Histórias Cruzadas (The Help), Hugo, O Homem que Mudou o Jogo (Moneyball) e Cavalo de Guerra. Não tenho certeza quanto a Tudo Pelo Poder (The Ides of March), Os Descendentes (The Descendants) e Millenium – O Homem que Não Amavam as Mulheres (The Girl with the Dragon Tatoo).

Outros correm por fora, casos de Young Adult, de Jason Reitman (Amor sem Escalas) e o bom O Espião que Sabia Demais (Tinker Taylor Soldier Spy), de Thomas Alfredson (Deixa Ela Entrar). Já Sete Dias com Marilyn (My Week with Marilyn), Albert Nobbs e Precisamos Falar sobre Kevin (We Need to Talk About Kevin) devem ficar apenas com indicações nas categorias de atuação.

A falsa ciência da "chutologia" do Oscar terá os resultados confirmados ou confrontados em 24 de janeiro, quando serão anunciados os indicados a todas as categorias.

Missão Impossível, um espetáculo

2012-01-05T23:05:00.000-02:00

Muita água passa por debaixo da ponte quando se trata de um filme como Missão Impossível: Protocolo Fantasma. Resumir uma análise a “gosto”, “não gosto”, “a cena de Dubai é deslumbrante” ou “a montagem se parece com videoclipe” não passa de bobagem, é ignorar a simbologia de poder e dominação da cultura – consequentemente, do cinema – norte-americana sobre o resto do mundo.

A começar que é um sinal óbvio dos tempos que um filme de ação se passe em vários lugares do mundo e que tenha uma parte fundamental de seus eventos aconteçam em um não-lugar que atende pelo nome de Dubai, do qual conhecemos muitíssimo pouco, uma cidade cuja presença no cenário geopolítico internacional (inclusive no futebol) foi recentemente reinventada pelo dinheiro.

Um bem acabado produto – porque o filme é, de fato, seguro na sua realização e nas convenções do gênero – com cara de moderno: está lá a ideia de mundo conectado e diminuição das fronteiras. Ou seja, facilmente vendável para qualquer parte do globo. Por outro lado, o herói continua sendo o americano, enquanto o vilão (advinha?) são os... russos!

A proporção que o filme toma numa projeção em Imax é a definição perfeita do espetáculo: é algo que simplesmente arrebata e aliena, com muitíssima eficiência, quem está à sua frente. Arrisco: a magnitude das cenas, dos planos abertos e das hipérboles que precisamos utilizar ao falar do filme me parecem uma demonstração de força do próprio cinema americano como indústria e máquina que domina o imaginário.

Leia o restante do texto na Revista Interlúdio.

Triângulo Amoroso - Crítica

2011-12-30T17:57:00.008-02:00

Finalmente Tom Tykwer, o realizador alemão que se mostrou para o mundo em 1998 com Corra, Lola, Corra, volta a fazer um filme interessante. Antes de comentar o que é bom ou ruim no filme, Triângulo Amoroso (3/Drei), lançado nesta sexta-feira (30/12) em São Paulo exclusivamente no CineSesc, pede que tenha sua atenção chamada por ser instigante.

Não há muito o que esconder do enredo já que o próprio título não faz questão de ser discreto quanto à trama. Um típico exemplo da quadrilha drummoniana ou da versão de Chico Buarque em Flor da Idade. Porém, em vez de Carlos, temos Simon; Dora é Hanna; Paulo é Adam.

No mínimo corajoso, num cenário careta do cinema, inverter o mito de Tristão e Isolda para um triângulo amoroso fechado nele mesmo. O elemento externo que entra na vida do casal torna-se corpo orgânico deles, tão orgânico que dá um nó nos próprios personagens. Não são mais os dois homens divididos pelo amor de uma mulher como em Cidade Baixa, mas três pessoas que amam umas às outras.

Corajoso, sim, mas também conciliador. Para justificar o mergulho amoral de seus personagens num amor inédito para eles, Tykwer cria uma trama de aprendizado. Aos 40 e tantos anos, Simon, Hanna e Adam aprendem algo a mais na vida. O primeiro descobre o desejo também por um homem; ela redescobre o prazer do sexo; o terceiro se lembra como é bom amar verdadeiramente.

Tykwer oferece explicações quase que didáticas para seus personagens. Desnecessárias por vezes, penso eu, mas quiçá foi o jeito encontrado para fazer o filme chegar ao seu público e sobreviver com a força do boca a boca.

Assim como busca a conciliação – prefiro a radicalização, mas entendo e respeito a opção de Tykwer –, Triângulo Amoroso também faz algumas escolhas certas. Em geral, perceptíveis no tom do filme e no destino do trio. Em vez de adotar a postura do julgamento e condenação moral, ele decide andar junto e pisar a mesma areia de seus personagens, respeitando suas motivações e verdades.

Há outro detalhe do filme que me sinto obrigado a ressaltar: o ritmo. Em Triângulo Amoroso, talvez nem fosse preciso ler os créditos para descobrir quem dirigiu o filme. Há nele uma composição de ritmo dinâmica, mas não frenética, de divisão múltipla da tela para dar conta de vários acontecimentos ao mesmo tempo. Tykwer voltou a trabalhar com Mathilde Bonnefoy, montadora de todos os seus filmes, exceto Perfume – A História de um Assassino. Que bom!

Fico feliz também que, às vésperas do ano novo, a sala de 300 lugares do CineSesc estivesse ocupada e com fila já para a próxima sessão. Triângulo Amoroso não é um exemplo de ruptura rumo a outra ordem comportamental, mas não deixa de fazer dois ou três bem-vindos questionamentos sobre o estado das coisas.

Ficha técnica

Triângulo Amoroso (3/Drei), 2010
Avaliação: 3,5 de 5
Direção: Tom Tykwer
Distribuição: Lume Filmes
Estúdio: X-Filme Creative Pool
Veja aqui os horários da exibição no cinema

Melhores Filmes do Ano

2011-12-26T10:34:00.005-02:00

Chega o fim de ano e pipocam as listas com os melhores filmes de 2011. O editor deste Urso de Lata oferece uma contribuição com três relações diferentes - Longas Nacionais, Longas Estrangeiros e Curtas-metragens.

Aí vão os Top 10 com breves justificativas. Nunca é demais lembrar que, no caso de longas, entram na lista apenas os filmes que estrearam no circuito – produções exibidas apenas em festivais ficam de fora.

No caso dos curtas-metragens, o critério é diferente, já que não existe um circuito comercial exibidor sólido para o formato. Assim sendo, entram os filmes projetados em festivais e se tornam elegíveis os que assisti no ano corrente.

O Urso de Lata gostaria de ressaltar também a importância do projeto Sessão Vitrine para a criação de uma janela de exibição para filmes independentes brasileiros. Graças a ela, foi possível que o público assistisse a alguns dos longas que constituem a lista deste blog de melhores do ano.

Fim do blá blá blá. Às listas:

Filme do Ano
A Árvore da Vida, de Terrence Malick

Top 10 – Melhores Nacionais

Os Monstros
Dos mesmos diretores de Estrada Para Ythaca. A diferença é que eles reduziram a gana por citações explícitas e acreditaram mais no próprio filme. O resultado está nas cenas eletrizantes e poéticas.
Leia a crítica

Trabalhar Cansa
Filme de gênero muito particular na cinematografia brasileira e uma estreia corajosa de uma dupla bem sucedida no curta-metragem, Juliana Rojas e Marco Dutra.
Leia a crítica

Estrada para Ythaca
Grande exemplar do cinema etílico, essa história de amigos faz do possível um belo filme sobre luto, amizade e cinema.
Leia a crítica

Riscado
Filme de aparente superficialidade mas cheio de camadas aguardando o espectador penetrá-las.
Leia a crítica

Assim é, Se lhe Parece
A diretor Carla Gallo mostra que apenas com as ferramentas do cinema – uso criativo do som e da montagem – é possível construir um retrato documental que foge do óbvio.
Leia a crítica

Diário de Uma Busca
Íntimo, mas não egoico, acha as saídas certas entre o pai idealizado e o homem que está na História.
Leia a crítica

O Palhaço
Com uma encenação interessante, Selton Mello encontra uma possível via do cinema que se pretende inteligível, mas não subestima o espectador.
Leia a crítica

Transeunte
Mesmo se alongando um pouco na parte final, o filme é puro cinema.
Leia a crítica

Pacific
Um documentário que, com muito pouco – imagens amadoras de um cruzeiro –, consegue questionar a realização cinematográfica.
Leia a crítica

Bróder
Obrigatório de ser assistido, o filme de Jeferson De toca com bem-vinda agressividade na questão racial – pena que o longa tem problemas de ritmo.
Leia a crítica

Top 10 – Melhores Internacionais

A Árvore da Vida
A experiência mais marcante que tive no cinema neste ano
Leia a crítica

Cópia Fiel
Por trás da aparente simplicidade – história do casal de meia idade – está um filme complexo em que não se sabe onde começa, onde está o meio e onde termina.
Leia a crítica

Tio Boonmee, que Pode Recordar suas Vidas Passadas
Apichatpong nos proporciona um filme-colírio, inesperado, imprevisível, de química muito distante dos componentes aos quais estamos acostumados.
Leia a crítica

Singularidades de uma Rapariga Loura
Filme menor de Manoel de Oliveira, é verdade, mas nosso grande velhinho tem uma noção absurda de encenação.
Leia a crítica

Isto Não é Um Filme
Impedido de filmar, Jafar Panahí faz... um filme!
Leia a crítica

O Mágico
Música e gags para um personagem inspirado no Monsieur Hulot de Jacques Tati. A melancolia da passagem dos anos.
Leia a crítica

O Vencedor
Muito subestimado, esse filme de David O Russell é porrada!
Leia a crítica

Potiche – Esposa Troféu
François Ozon obviamente não é um Jacques Demy, mas sua brincadeira cinematográfica me fez lembrar do mestre: Deneuve cantando na cozinha me jogou para Pele de Asno.
Leia a crítica

Gainsbourg – O Homem que Amava as Mulheres
Animação e licença poética, ótima combinação para reverenciar e entrar no universo de Serge e seu alter-ego, Gainsbarre.
Leia a crítica

Meia-noite em Paris
Woody Allen se recupera do apático filme anterior e nos dá um filme-homenagem em que até Owen Wilson está bem!
Leia a crítica

Top 10 – Melhores Curtas-metragens

Praça Walt Disney, de Renata Pinheiro e Sérgio Oliveira
Comentário político-poético-musical sobre a cidade que se torna cada vez mais burguesa.
Leia a crítica

Mens Sana in Corpore Sano, de Juliano Dorneles
Um filme de mutação genética que é político em sua crítica! Grande salada de gêneros!
Leia a crítica

Tela, de Carlos Nader
O cinema que questiona a si próprio e ao espectador.

Oma, de Michael Wahrmann
Transporta toda a melancolia do assunto para o tratamento estético.

Ovos de Dinossauro na Sala de Estar, de Rafael Urban
O documentário parece ilimitado nas suas abordagens e este curta mostra isso.

Calma Monga, Calma!, de Petrônio de Lorena
Cinema cômico-popular-policial com muito vigor e humor.

Céu, Inferno e Outras Partes do Corpo, de Rodrigo John
Animação fofinha que nada!

Zeit to the Geist, de Diogo Faggiano
Uma colocação diferente do que costumamos entender por cinema político.
Leia a crítica

Uma Primavera, de Gabriela Amaral de Almeida
Cinema bem feito e bem dirigido para um tema comum: tornar-se adulto.

Pra eu Dormir Tranquilo, de Juliana Rojas
Nova ida ao cinema de horror para falar do cotidiano.

Indicados ao Globo de Ouro (e férias)

2011-12-16T10:44:00.004-02:00

O editor do Urso de Lata justifica a falta de atualização durante a semana: férias! (apesar de a parafernália digital não nos permitir alienação total).

Com isso, as atualizações deverão acontecer só no finalzinho do ano com a lista dos Melhores de 2011 (longas e curtas). Antes do descanso, porém, alguns brevíssimos comentários , restritos às categorias de cinema, sobre os indicados ao Globo de Ouro, anunciados na quinta-feira (15):

-- Interessante a entrada de Hugo como postulante a Melhor Filme - Drama. É a primeira incursão de Scorsese no 3D, o que tem gerado muitas expectativas.

-- Ficaram de fora J. Edgar e Drive. Uma pena, especialmente pelo segundo, mas não me surpreendeu. O que não esperava era Millenium - O Homem que Não Amava as Mulheres, adaptação de David Fincher para os livros do sueco Stieg Larsson, ficasse de fora da categoria principal.

-- Filme muito bom, mas pequeno, é sempre a mesma coisa: indicações isoladas. Desta vez foram Precisamos Falar Sobre Kevin, lembrado apenas pela atuação de Tilda Swinton, e Toda Forma de Amor (Beginners), que deu indicação a Christopher Plummer.

-- The Artist, o filme que celebra um passado que não volta -- os anos 20 no cinema --, recebeu cinco indicações. Ainda não assisti ao longa, mas tenho dúvidas quanto ao tom de homenagem a um cinema mais artesanal. Me parece que, além de jogar louros nele, é preciso denfendê-lo no presente, caso realmente se acredite nele. Mas ainda não vi o filme, então melhor ficar quieto.

-- A categoria Melhor Filme em Língua Estrangeira me parece a mais cheia de buracos neste ano. Dos cinco indicados, assisti a três: A Pele que Habito (Almodóvar), A Separação (Jodái-e Náder az Simin, que foi Urso de Ouro no Festival de Berlim, e O Garoto da Bicicleta (Irmãos Dardenne). Acho o Almodóvar muito fraco, o representante iraniano bom e o filme dos fratelli belgas médio.

Falta assistir aos outros dois indicados: In the Land of Blood and Honey, longa que Angelina Jolie dirigiu na Bósnia, e As Flores da Guerra, de Zang Yimou (cujo recente A Árvore do Amor é mediano). Deixar de fora o filmaço Era uma Vez na Anatólia, de Nuri Bilge Ceilan, que a crítica premiou na Mostra SP, é um baita equívoco. Attenberg (Grécia) e Respirar (Atmen, Áustria) também são ótimos filmes que, para mim, poderiam substituir facilmente um Almodóvar ou um Dardenne -- que já fizeram filmes bem melhores que os indicados.

-- Muito bem vinda a lembrança da Associação de Correspondentes Estrangeiros de Hollywood de indicar Viggo Mortensen como Ator Coadjuvante em Um Método Perigoso, de Cronenberg. O filme não é um dos melhores do diretor, mas o trabalho de atuação de Mortensen, Fassbender e Keira Knightley é muito bom.

Precisamos do cinema de Marina Goldovskaya

2011-12-10T13:08:00.007-02:00

Para compreender os protestos deste fim de semana na Rússia contra Vladimir Putin e as fraudes nas eleições do Parlamento, é preciso voltar uma vez mais ao cinema de Marina Goldovskaya, cuja obra foi homenageada em abril de 2011 no É Tudo Verdade – Festival Internacional de Documentários.

A câmera de Marina – hoje uma senhora de 70 anos – registrou a transição da União Soviética ao formato atual da Rússia e os países independentes. Enquanto a História era feita, seu cinema estava lá para acompanhar.

Ouvindo sobre as 15 mil pessoas que foram às ruas, após anos de paralisia, para dizer que estavam cansadas – uma “bandeira” da apática classe média russa –, lembro de Um Gosto da Liberdade, filme que Marina fez em 1991 registrando as esperanças e a tensão de quem saiu para protestar ou apoiar logo após o fim do bloco Soviético.

Hoje, o cenário mudou. Não se sabe se os protestos – 5 mil pessoas na segunda-feira (5/12), 15 mil neste sábado (10) – manterão o fôlego como naquele momento acompanhado pelo cinema de Marina. Também não há uma centralização em torno de um partido político ou com bases em movimentos sociais.

A esmagadora maioria da classe média inoperante que desta vez saiu às ruas segue um blogueiro/twitteiro, Alexei Navalny. Mas nem o que o ativista pensa está muito claro: posiciona-se a favor da democracia, contra as repressões de Putin, mas é ultranacionalista – como lembra esta matéria publicada no The New York Times.

É preciso que Marina Goldovskaya faça mais um, e outro, e outro filme para que tenhamos a compreensão se esse momento da Rússia representa mesmo algo especial: que lugar é esse que 15 mil pessoas vão às ruas reclamarem de Putin, figura que goza de mais de 60% de popularidade na Rússia?

Há mesmo o anseio de mudança? O que as mídias sociais podem representar em termos de aglutinação e militância? Qual é a outra via sem Putin? Se os protestos se tornarem maiores, como os defensores dele e a máquina estatal vão reagir?

São questões que precisam muito do cinema de Marina Goldovskaya para serem respondidas.

Em tempo: neste link do blog The Ledge, do The New York Times, é possível acompanhar atualizações constantes dos protestos na Rússia.

Em tempo2: neste link em streaming, veja vídeos dos protestos e das ruas ocupadas.

Táxi Driver, clássico de Scorsese com De Niro, reestreia no Cine Olido

2011-12-09T10:44:00.006-02:00

Táxi Driver (1976), clássico de Martin Scorsese que deu a Robert De Niro um dos mais interessantes papeis de sua carreira, reestreia nesta sexta-feira (9/11) exclusivamente no Cine Olido, em São Paulo. A cópia restaurada, previamente exibida no Festival de Berlim e na Mostra de São Paulo, integra o projeto Em Cartaz no Cine Olido – ingressos a R$ 1.

O filme é um dos grandes documentos do mal estar na sociedade norte-americana pós-Guerra do Vietnã (1959-75). Travis Bickle, o protagonista cuja paranoia fica mais intensa nas cores da cópia restaurada a ser exibida no Olido, é um pequeno comentário de um período de incertezas. Reflete também o breve momento em que o modelo de produção de Hollywood, então em crise, deu espaço a uma outra geração que fez filmes radicais dentro do sistema – e por ele foi engolido no fim da década.

Travis não dorme, não tem amigos, família ou companheira. Nas vésperas das eleições presidenciais, desconhece o que significa Republicanos ou Democratas. Veterano de guerra, volta para a vida civil sem a menor compreensão do termo “vida civil”. Desequilibrado, Travis quer “limpar toda a sujeira e o fedor de Nova York”. No seu táxi, encontra toda a sorte de gente: maníacos, maridos traídos, ricaços com prostitutas, políticos...

Taxi Driver é um documento porque registra precisamente o mal estar de uma sociedade. Um momento de incertezas nos Estados Unidos, de seu Exército foi derrotado em Saigon, e do inoperante presidente boa-praça do momento, Jimmy Carter. No filme, vive-se a apreensão das prévias eleitorais – Charles Palantine, o candidato, não deixa de ser uma citação ao bom-mocismo de Carter, que se tornaria presidente em 1977.

Talvez o melhor exemplo do desequilíbrio de Travis esteja na trilha de Bernard Herrmann, o compositor favorito de Hitchcock. A trilha vai do romântico/idílico ao sombrio/soturno num instante. Uma mudança tão brusca como a ajeitada de Travis no retrovisor na sequência final, indicando que depois da calmaria haverá outra tormenta.

Documento de época, sim, mas também atualíssimo, por conseguir ser a representação do desconforto. São nos momentos de insegurança e indefinições que tipos escondidos na gaiola como Travis vêm à superfície. O discurso do maluco de Realengo, que matou doze pessoas em abril dentro de uma escola, é tão confuso quanto a “limpeza” que Travis propõe como a salvação de Nova York.

Taxi Driver é uma obra-prima atemporal, que vai continuar fazendo sentido por muitas outras gerações. Só é difícil alimentar esperanças de que, dentro de Hollywood, surja um filme como esse, que se transforma, no final, numa grande sinfonia da morte e da falta de sentido humano. Os tempos de Nova Hollywood, da geração que arrebentou portas, mas depois foi engolida, se foram.

Serviço

Projeto Em Cartaz no Cine Olido
Reestreia de Táxi Driver
De 09 a 15/12
Sexta, sábado, terça, quarta e quinta-feira às 19h30
Domingo às 17h30
Segunda-feira, dia 12/12, não haverá sessão
Valor do Ingresso: Inteira: R$1 / MEIA-ENTRADA: R$0,50
Compra do ingresso somente na Galeria Olido, de Terça a Domingo das 14h às 21h na semana do filme
Galeria Olido: Avenida São João, 473

Em tempo: leia a íntegra do roteiro escrito por Paul Schrader neste link.

Clint Eastwood e Dirty Harry: um personagem cool?

2011-12-07T11:22:00.009-02:00

Existe um movimento comum de fuga do presente e um saudosismo com um passado inocentemente associado à infância ou a uma ilusão de que “quando tudo era bom”. Desse sentimento surgem filmes-homenagens de um tempo que não volta – do qual Super 8, o melhor blockbuster americano do ano, é o principal exemplo. Se fosse só isso, estaríamos bem. Existe mais um desdobramento que considero daninho: uma negação de se posicionar como sujeito na produção contemporânea, em qualquer das artes, e como ela reflete nossos valores.

Porém, contrapor algo bom do passado que, devido ao estado das coisas do presente, será difícil acontecer é um movimento válido justamente para se olhar com perspectiva crítica o hoje. Falo disso para chegar à mostra Clint Eastwood – Clássico e Implacável, que o Centro Cultural Banco do Brasil abriga em São Paulo até 30 de dezembro [programação completa aqui].

No extenso escopo da mostra, cuja curadoria é de Gisella Cardoso, puxo um exemplo de Clint como ator, mas que também seria reverberado no Clint diretor. Falo do investigador Harry Callahan, o Dirty Harry, típico exemplo de justiceiro, na primeira produção da franquia, de 1971, no Brasil lançada como Perseguidor Implacável.

A cultura pop tem o poder de esvaziar o que há de crítica em personagens do cinema. As novas gerações que acompanharam Diry Harry com uma certa distância ou se acostumando a encontrar o policial com sua Magnum 44, cara de malvado, em fotos do Google Image ou estampa de camiseta pode não ter percebido que existe ali um herói dividido, com problemas e consciente de como tudo vai mal.

Perseguidor Implacável não é um filme cool como por vezes é vendido, mas sim pessimista. Duro. Melancólico. Sim, tudo “dá certo” no final, mas o preço que Harry, o justiceiro solitário em sua meio às avessas por justiça, é altíssimo: ele mergulha numa lama que não mais conseguirá sair. É isso o que diz o gesto dele de, após fazer o que devia ser feito, jogar o distintivo de investigador da Polícia de San Francisco no rio.

Num momento do filme, ele conversa com a esposa de seu parceiro de polícia ferido, Chico. Ela o questiona por que não larga a corporação, ao que Harry rseponde “não sei”. Ele pode não saber, mas nós sabemos: Harry já está mais pra lá do que pra cá, o dano já foi feito.

Porém, tenho a sensação de que existe um costume de colocar Dirty Harry e Stallone Cobra no mesmo balaio. Erro fatal. É preciso continuar pontuando que eles não são a mesma coisa, ao menos o Harry Callahan do primeiro filme. Mas a cultura pop esvazia e vende apenas os bordões, sejam um “pede pra sair!” do Capitão Nascimento ou um “Go ahead, make my day” de Harry Callahan.

Esse final de perseguidor implacável é um exemplo do quão especial foi o começo dos anos 1970 em Hollywood. Num momento em que um modelo de negócios (os grandes estúdios que controlavam a cadeia da produção à exibição até os anos 1950) enfraquece, uma nova geração, aquela conhecida como Nova Hollywood (Scorsese, Coppola, Ashby, Polanski etc) entra por um buraco que é aproveitado por outros filmes.

Claro que não coloco Perseguidor Implacável no mesmo nível de um Táxi Driver, não é isso, mas sim apontar, sem saudosismo, mas com observação crítica, que aquele momento do cinema norte-americano permitiu o surgimento de filmes que talvez não existiriam antes.

Hoje, certamente não existem. Qual é a chance de, com os orçamentos monstruosos, verbas absurdas de publicidade e estúdios controlados por business men, surgirem filmes como Perseguidor Implacável dentro da produção de uma indústria? Qual é a chance de num filme policial com várias sequências de aventura e perseguição de ter a quantidade de planos maravilhosos do longa de Don Siegel – especialmente os com zoom ou a cena do Kezar Stadium – ou até mesmo o pessimismo da sequência final?

As chances são poucas.

Gato de Botas - Crítica

2011-12-06T10:00:00.001-02:00

É tolice procurar por qualquer traço de autoria em Gato de Botas, um filme cuja perfeição técnica e esterilidade narrativa o colocam como um típico produto de fábrica. O spin-off da franquia Shrek, que estreia nesta sexta-feira (9/12) e é inspirado numa fábula francesa do Século 17, tem intenções muito claras.

Sabemos que produzir hoje em Hollywood significa colocar milhões em propaganda, aproveitar o potencial que mercados emergentes (como o Brasil) representam especialmente para o consumo de 3D e recuperar dinheiro com licenciamento da marca.

Numa engenhoca financeira dessas, o filme de indústria, aquele que está comprometido em cobrir o orçamento e dar lucro, toma cada vez menos riscos. Tudo é dado mastigadinho para o espectador não perder nada da trama entre uma saída ao banheiro ou para comprar pipoca, uma twittada no celular...

Gato de Botas começa tratando o espectador como alguém com minúscula idade mental. Já de cara duas cenas repletas de diálogos para contar o porquê de o galanteador herói felino ter se tornado um forasteiro que busca recuperar sua honra. Fala-se, e muito. Depois de tanto parlar, ação, aventura, movimento, rapidez.

Quando o filme engata – o que acontece dado o carisma de um gato de sotaque paraguaio, destemido e honrado –, puxa-se novamente o freio de mão. Um flashback irritantemente óbvio vem novamente (re) explicar o que se passou. Por que não diluir a revelação do passado do Gato? Por que não deixar o espectador descobrir aos poucos a desconfiança dele com Humpty, seu amigo duas caras?

Parque de diversões

Num filme visualmente deslumbrante como Gato de Botas, é uma pena que não haja espaço para descobertas, dúvidas, incertezas. É como uma ida ao parque de diversões, em que o consumidor senta-se na cadeira e a parafernália remexe, vira, rebola, chacoalha, mas devolve o consumidor são e salvo no final, no chão.

No meio do caminho, o máximo que ele tem de fazer é berrar: esse é o entretenimento. E é assim que um filme como Gato de Botas espera que seu público se comporte: como uma ida ao parque de diversões, em que se senta e a bugiganga à sua frente faz todo o trabalho.

Nisso, o filme novo da DreamWorks Annimation SKG é igualzinho à produção anterior, Kung Fu Panda 2. Basta reparar nas situações comuns aos dois roteiros: uma uma sequência de dança, duas ou mais longas sequências de perseguição, tiradas cômicas, heroína que abandona o filme para deixar o herói reinar, mas volta num momento crucial e salva sua pele, uma jornada moralista etc.

A semelhança não é por falta de criatividade dos roteiristas e produtores de Gato de Botas, mas sim da escolha deliberada em oferecer um produto igual aos outros. Oferecer uma paralisante segurança ao espectador: ele vai ao cinema e já sabe o que irá encontrar, sem risco algum de ser desafiado durante o filme.

Reflexo desse momento conservador da indústria: investe-se apenas no que já tem potencial de dar certo financeiramente (já que Gato de Botas herda de bandeja os fãs da franquia Shrek). E na feitura do filme, não se toma risco algum.

Mas onde fica o prazer em descobrir aos poucos o filme que se vê? Uma animação como Gato de Botas não deixa o menor espaço para ser descoberta, pois tudo é dado de bandeja.

Por isso que, da safra recente, destacam-se tanto Como Treinar Seu Dragão e Toy Story 3: são animações que não tratam seu público como incapacitado em se aventurar. O curioso é que Dragão também é produção da DreamWorks e não deixa de trabalhar em cima de arquétipos há muito estabelecidos (o peixe fora d'água).

Talvez a grande diferença entre ambas as produções é que naquela há uma encenação que prioriza o humanismo dos personagens – seja ele um garoto ou um dragão. Em Gato de Botas, porém, dá-se vazão a um moralismo raso.

Ficha técnica

Gato de Botas (Puss in Boots), 2011
Avaliação: 2,5 de 5
Direção: Chris Miller
Estúdio: DreamWorks Annimation SKG

Sócrates (1954-2011)

2011-12-04T12:28:00.003-02:00

Sem Sócrates, que morreu na madrugada deste domingo (4/12), o mundo fica mais boçal.

Como ex-jogador, uma rara voz que valia realmente a pena ouvir.

Como jogador, uma sintonia perfeita com o que há de lúdico no futebol.

Ver Sócrates falando ou jogando era ter a esperança de que acreditar na beleza, não na burocracia, valeria a pena.

Qualquer artesão do cinema, se tivesse sua narrativa transformada em futebol, seria assim:

Ou assim, como no primeiro gol contra a Itália na Copa de 82:

Alexandre Desplat: o compositor mais quente de cinema nos EUA

2011-11-30T11:44:00.000-02:00

Por quatro vezes o compositor francês Alexandre Desplat passou perto de abocanhar uma estatueta do Oscar como compositor. Em 2008, seu trabalho em A Rainha perdeu para Gustavo Santaloalla em Babel. Em 2009, foi um dos 13 indicados de O Curioso Caso de Benjamin Button a sair de mãos abanando – perdeu para A.R. Rahman, de Quem Quer Ser um Milionário?.

Em 2010, suas músicas para O Fantástico Sr. Raposo perderam para o carisma de Up – Altas Aventuras. Em 2011, nem a vitória de O Discurso do Rei nas quatro principais categorias ajudou a Desplat levar a sua também.

Para a edição de 2012 do Oscar, os trabalhos em A Árvore da Vida, de Terrence Malick, e Harry Potter e as Relíquias da Morte colocam o músico de 50 anos como provável indicado à premiação da Academia. “Nunca se sabe, pois o Oscar pode ser um ser um senhor cheio de humores”, brincou em entrevista ao Cineclick. Desplat está no Brasil para apresentar alguns de seus trabalhos para o cinema como regente da Jazz Sinfônica. O evento acontece no Sesc Pinheiros, em São Paulo, às 21h.

Desplat começou compondo para curtas-metragens há 26 anos, passou a ser comentado fora do meio musical a partir da primeira parceria com Jacques Audiard em Regarde les hommes tomber (1994), mas é apenas quando George Clooney o convida para Syriana – A Indústria do Petróleo que Desplat deixa de ser um homem das sombras para o público de cinema.

A matéria completa pode ser lida neste link no Cineclick – Tudo Sobre Cinema.

Ouça a um trecho da trilha de Desplat para A Árvore da Vida

Ouça L'abandon, uma das peças mais bonitas de Desplat

Ouça The Household, composição de Desplat para O Discurso do Rei

Blaxploitation: o gênero que obrigou o mundo a notar os negros

2011-11-20T13:52:00.000-02:00

Mais do que inverter a ordem e encher a tela de atores e atrizes negras, o Blaxploitation, gênero cinematográfico que surgiu no início dos anos 1970 sintonizado com a breve abertura de Hollywood e às transformações políticas, ainda encanta pelo atrevimento de seus heróis. Ser protagonista e conduzir o enredo não é suficiente: é preciso tirar um sarro, ser agressivo, colocar-se no ataque, espezinhar, sentar na cara dos adversários.

Ser um bad ass como dizem os americanos. A mostra Tela Negra – O Cinema do Blaxploitation, que ocupou o CCBB de São Paulo e do Rio de Janeiro há duas semanas e domina o CineSesc paulistano até quinta-feira (24/11), joga luzes numa pequena parte da volumosa produção do gênero que desapareceu tão meteoricamente quanto surgiu.

O Blaxploitation é um cinema que responde ao seu tempo, um gênero composto de filmes que tiram os negros dos papeis coadjuvantes serviçais e idealizam a figura do herói. Homens (Richard Roundtree, Melvin Van Peebles) e mulheres (Tamara Dobson, Pam Grier) gostosos, desejados, atrevidos, que flertam, mergulham ou trabalham com a lei e a marginalidade. Personagens reflexo de uma romantização da inversão do status quo: os policiais, ponta final do iceberg de opressão, são os mais espezinhados no Blaxploitation.

Nos filmes que integram a mostra Tela Negra, mas também em muitos outros que ficaram de fora, tamanha a prolífica produção entre 1970-79, o pé de um negro na mesa de um cop é uma vitória tão significativa quanto uma condenação na Justiça por racismo. É com esse atrevimento que os personagens do Blaxploitation jogam na cara de quem não quer ver: está na hora de os negros serem notados, queiram ou não. Entre filmes bons e ruins, o gênero vai ao menos ficar na História por cumprir essa função.

É um cinema de vingança, de humor e de raiva. Descaradamente aberto e honesto em suas fraquezas. Cinema imperfeito que pulsa. Cinema que joga com crueldade e ironia a discriminação na cara da sociedade norte-americana. Não é um cinema essencialmente de reflexão (apesar de hoje ser possível fazê-la dada a mínima distância histórica) como talvez ansiava a contraditória e notoriamente combativa NAACP, a primeira associação dos Estados Unidos a brigar formalmente, desde 1909, pelos direitos civis dos negros – em 1915, defendeu a proibição da estreia de O Nascimento de Uma Nação, maravilhoso e racista filme de D.W. Grifith.

Após quatro décadas, seria leviano observar a paixão e a rejeição que o Blaxploitation gerou à época como uma disputa de Fla-Flu. Existem muitas áreas cinzas entre o herói na fronteira da bandidagem, a condenação da falta de moralidade desses personagens e os que imputaram a essas produções a culpa por manter a população negra alienada.

Me parece que, naquele momento de urgência, quem xingou e cunhou a esses filmes o pejorativo termo Exploração dos Negros (Blaxploitation, reapropriado com orgulho por seu público consumidor) não percebeu que, assim como o trabalho de formiga dentro da legalidade feito pela NAACP, um herói de um filme-provocação como Shaft também é ferramenta de combate.

São esses heróis às avessas que tentam corroer o sistema com violência e por meio dela explicitam a exclusão. Não são os negros comportados que levam uma vida honesta ou aspiram à pequena burguesia. O traficante Priest, a vingadora Coffy, o detetive “pegador” Shaft, a policial arrasa-quarteirão Cleópatra Jones ou o lutador Leroy (de Operação Dragão Negro/Blackfist, que infelizmente não está na mostra) são tão necessários quanto o bom mocismo domesticado de Sidney Poitier.

Hoje me parece mais simples perceber isso.

Nos anos 70, porém, a crítica não enxergou valor artístico em um cinema irregular e deliberadamente carregado nos clichês. O movimento negro tradicional não entendeu que avançar vagarosamente não era a única tática e que a agressividade do Blaxploitation também era necessária. Quem abraçou esse cinema foram os jovens espectadores, seja pela pura diversão de um filme como Foxy Brown, pela arrepiante trilha de Curtis Mayfield em Super Fly ou por se deliciar com a aparente inversão da ordem (negro protagonista e astuto, branco coadjuvante, tolo e apombocado).

Assim como os papeis de empregada de Hattie McDaniel foram fundamentais para que Halle Berry e Denzel Washington se tornassem estrelas e ganhassem um Oscar, o Blaxploitation abriu indiretamente portas – mesmo não sendo do jeito que o Movimento Negro tradicional gostaria. Ainda me parece necessário ressaltar isso.

Em tempo: a programação da mostra Tela Negra - O Cinema do Blaxploitation está no site do CineSesc.

A Saga Crepúsculo: Amanhecer - Parte 1

2011-11-18T02:39:00.000-02:00

Mais romance água com açúcar, menos ação. A Saga Crepúsculo: Amanhecer - Parte 1, que já nasce como blockbuster antes de estrear, dominando metade (!) das salas de cinema do Brasil a partir desta sexta-feira (18/11), é enfadonho e tão conservador quanto as outras produções que construíram a franquia, especialmente Lua Nova.

A não ser por razões de mercado, o filme não justifica a divisão em duas partes. O inchaço do enredo transparece na artificialidade das situações dramáticas - diferentemente de Harry Potter e as Relíquias da Morte, cuja extensão do livro tornou aceitável a existência de dois capítulos finais.

A íntegra do texto está no Cineclick - Tudo sobre Cinema.

Rapidinhas do Festival do Rio 3

2011-10-17T19:15:00.000-02:00

Leon Cakoff – Apesar de saber que uma perene cordialidade mantém a relação entre o Festival do Rio e a Mostra Internacional de Cinema de São Paulo, imaginei que, por ocasião da morte de Leon Cakoff, o criador da Mostra, o evento carioca fosse se manifestar oficialmente – seja por nota ou por meio de Andreia Cals, coordenadora da Première Brasil.

Não o fez, a não ser que eu tenha deixado passar batida alguma sessão. No máximo, um membro da equipe de Amanhã Nunca Mais pediu, na apresentação do longa no Cine Odeon, uma salva de palmas a Leon. Além disso, a produtora Vânia Catani, de O Palhaço, rendeu uma homenagem a ele enquanto apresentou o filme de Selton Mello.

Vaias 2 – A Première Brasil teve filmes muito bons, bons, médios e ruins. Uma constante, porém, na competição brasileira foram as vaias quando a vinheta da RioFilme, apresentada por Bruno Mazzeo, subia à tela.

Como disse no post abaixo, ainda não sei se a crítica é direcionada à mudança de perfil da RioFilme, que tem investido financeiramente para trazer produções estrangeiras (caso de Crepúsculo) para filmar no Rio de Janeiro; ao Bruno Mazzeo, que na vinheta se diz um homem de cinema; ou aos dois.

Há uma dica, porém: a intensidade das vaias é diretamente proporcional às pretensões artísticas do longa exibido após a vinheta.. Em filmes assumidamente comerciais (A Novela das 8 ou Amanhã Nunca Mais), poucas ou praticamente nenhuma vaia. Em filmes com mais fôlego, a crítica era uníssona.

O episódio demonstra que há uma fissura envolvendo a entidade, realizadores e cinéfilos.

Sem Abel Ferrara – O grande imprevisto da edição 2011 do Festival do Rio envolve 4:44 Last Day on Earth e seu criador, o diretor Abel Ferrara.

Primeiro, por problemas técnicos (que, na verdade, envolvem medidas seguranças para impedir a reprodução do arquivo), a sessão para a imprensa deixou de ser realizada na última quarta-feira (12/10). Depois, a primeira sessão foi cancelada, sendo substituída por um filme que fez feio em Veneza.

Na sequência, nova sessão cancelada. Não será desta vez que Abel Ferrara vai mostrar ao seu público no Brasil se voltou a filmar bem.

Leon Cakoff, a alma da Mostra: memórias de um cinéfilo

2011-10-15T10:46:00.000-03:00

Tarefa muito difícil escrever sobre Leon Cakoff. A idade não me permitiu estar in loco quando, muito antes do compartilhamento de filmes por torrent e a cinefilia de internet, a Mostra trouxe filmes então raríssimos e de nacionalidades exóticas. Sem legenda. A urgência de ver cinema naquele momento só me é trazida por relatos de amigos.

Também não posso falar sobre Leon numa perspectiva pessoal: só o conheço como “homem de cinema”. Conversar mesmo só uma vez, meio en passant, no jantar da crítica na Mostra de 2010, esforço da Margarida Oliveira, a Margô, em reunir a um grupo que geralmente está disperso na correria da Mostra.

Nos trombamos em corredores, intervalos de sessões e rodas de amigos em comum. Ele não sabia quem eu era. Em um momento, porém, atravessei sua vida de maneira cômica: o acidente no debate com Wim Wenders.

Um dos preferidos de Leon, o alemão, que tenho a sensação de ser uma presença constante na Mostra, deu uma entrevista coletiva sobre sua exposição fotográfica. Na plateia, a senhora Teruyo Nogami, assistente de Akira Kurosawa, em São Paulo para lançar À Espera do Tempo – Filmando com Kurosawa.

Acaba o debate, “obrigado” com sotaque alemão, aplausos etc. Atrás de mim, a senhora Nogami tropeça e, num reflexo espalhafatoso, agarro-a e deixo seu corpo desabar sobre o meu. “Arigatô, arigatô”, diz ela. Sua tradutora agradece. Renata de Almeida, codiretora da Mostra, também agradece. Leon agradece. Salvei a memória viva do cinema japonês, brinco. Rimos e nos vamos, a correria nos chama.

Esta foi a única vez que nos “relacionamos” pessoalmente. De resto, sempre foi uma relação unilateral entre eu e sua cria, a Mostra. É sobre esta que pretendo falar: o compartilhamento do cinema e, agora, a orfandade da cinefilia.

Há cinco edições

Cinéfilo tardio que tateou por cinematografias às escuras, fui entender o que significava a Mostra Internacional de Cinema de São Paulo aos 20 anos, três décadas após o surgimento da Mostra. Foi a edição do pôster vermelho.

Cego a uma cinefilia mais aprumada, perdi, porém, a retrospectiva da obra de Joaquim Pedro e a retrospectiva do cinema político italiano, período que só viria a descobrir três anos depois por meio da paixão de Carlos Reichenbach.

Veio a edição de 2007, a do pôster com Babenco, cujo O Passado me frustrou bastante. Tivemos a linda sessão de Cartola: quando a tela ficou preta por quase um minuto, o público começou a xingar achando se tratar de problema na projeção. Era, porém, um recurso narrativo de Hilton Lacerda e Lírio Ferreira. Desci a rua Augusta atordoado pelo filme – à época cantava e estudava samba. Chorei.

Foi o ano também de Irina Palm, filme médio que adorei à época: meu primeiro debate sério. Logo após a sessão, ainda inebriado pela trama, um colega destruiu o filme. Fiquei atônito. Marcou-me também Vocês, os Vivos, de Roy Anderson, sueco que abriu os olhos para outro tipo de cinema. Foi neste ano também que a Mostra trouxe um dos autores que hoje me define e no qual me projeto, mas que descobri recentemente por meio do amigo e crítico Sergio Alpendre: o francês Jacques Nolot e sua obra-prima Avant que J’oublie.

Já ia me esquecendo: 2007 foi o ano também em que Claude Lelouch escreveu mais um capítulo da sua cruzada contra a Nouvelle Vague, à qual acusa (especialmente aos críticos que a tomam como farol) de ter ofuscado seu cinema de amor. Vê-lo falar de cinema na FAAP foi bem mais interessante que seu filme daquele ano, Crimes de Autor.

Assayas e Jia Zhang-ke

Em 2008, a edição do pôster de Tomie Othake, já escrevia mais assiduamente sobre cinema e tinha um discernimento mínimo. Deu para aproveitar muito mais a Mostra. Foi o ano que descobri Olivier Assayas, com Horas de Verão, e Jia Zhang-ke, com Em Busca da Vida.

Naquela mesma edição, a Mostra teve a coragem de trazer a íntegra de Berlin Alexanderplatz, programou uma linda projeção de O Poderoso Chefão e ousou ao colocar num patamar superestimado a obra de Pablo Trapero. Ano também em que Hugh Hudson mostrou um novo corte de Revolução Revisitada e reclamou do ostracismo.

Assistimos também a um cinema português vivo, representado por Aquele Querido Mês de Agosto. Reclamamos, todavia, da má qualidade das projeções em digital, tema que se tornou presente em todas as mostras desde então.

De Haneke a Kiarostami

Nos últimos dois anos, a Mostra continuou na mesma toada: superlotada, projeções de qualidade duvidosa e filmes apaixonantes. Em 2009, alguns realizadores tradicionais decepcionaram, como Almodóvar (Abraços Partidos) e Ang Lee (Aconteceu em Woodstock). Do outro, os velhinhos deram conta do recado: Resnais (Ervas Daninhas), Wajda (Alma Doce) e Manoel de Oliveira (Singularidades de uma Rapariga Loura).

Foi o ano em que vi bons filmes que imaginei reencontrar nos meses seguintes no circuito comercial, mas nunca chegaram a ser lançados. Casos de Lebanon e Fish Tank. Ano também em que descobri o valor de rever um filme do qual não se gosta à primeira vista, como Vincere, que se tornaria um dos grandes após revê-lo.

Em 2010, quase tive a honra de ver Manoel de Oliveira de perto. Convidado para a abertura da Mostra, ficou doente e mandou apenas uma mensagem em vídeo, bem humorada. Em compensação, vi uma obra-prima que defendo como tal com unhas e dentes: Cópia Fiel, apaixonante filme de Kiarostami. Porém, o evento mais marcante foi a exibição da inédita cópia na íntegra de Metrópolis: milhares de pessoas esparramadas no Gramado do Ibirapuera para ver um filme mudo de 1927! Eu estava lá e foi a Mostra que me proporcionou esta experiência.

Fechando o diário

Os cânones do jornalismo asséptico condenariam este texto de memórias construído em primeira pessoa. Às batatas, que se vão! Como cinéfilo, não há como falar de Leon Cakoff sem passar automaticamente à sua cria, a Mostra. E não dá para conversar sobre ela sem passar por memórias.

Cakoff foi um daqueles tipos que se salvaram por causa do cinema, que se enxergou e projetou em personagens, cenas e cineastas. Assim somos muito de nós, os cinéfilos, que passam a se dedicar à reflexão crítica e à troca de ideias no texto.

Falar dele – em que pese, advertem os amigos ou colaboradores, seu ar tratorista e autoritário nos bastidores – é recuperar as memórias de uma formação: de cinéfilo e de ser humano.

Esta é a memória que vou guardar.

Leon Cakoff: 1948-2011

2011-10-14T14:17:00.000-03:00

Leon Cakoff, o fundador da Mostra Internacional de Cinema de São Paulo, o evento de cinema que peitou a ditadura nos anos 1970 e 80, morreu nesta sexta-feira (14/10) em São Paulo. Leon brigava com um câncer há tempos.

Ainda estou sem palavras. Triste, sim. Estava redigindo a entrevista com Dario Argento que fiz aqui no Festival do Rio quando soube da notícia. É muito triste para um cinéfilo que tem em sua cria, a Mostra, o principal veículo fomentador da cinefilia.

Muitas de minhas memórias com o cinema estão lá, na Mostra. Descobrir cinematografias e autores, ter meu gosto contestado, iniciar a reflexão sobre cinema... várias coisas em que a primeira vez aconteceu na Mostra.

Escrevi um breve texto com memórias minhas que passam pelos filmes da Mostra - publicarei em algumas horas. Lamentamos, sim, sua morte. Porém, a maneira de honrarmos sua cria é ajudando a mantê-la e construí-la, coletivamente, apontando problemas e ressaltando sua força. É não deixar a peteca cair.

Rapidinhas do Festival do Rio 2

2011-10-12T16:46:00.000-03:00

Vaias – Uma das vinhetas deste ano é a da RioFilme propagandeando suas bem-feitorias ao cinema brasileiro. Seu garoto-propaganda por alguns segundos é Bruno Mazzeo.

Todas as noites, a vinheta é exibida antes da sessão dos longas e curtas de ficção. Todas as noites, é vaiada – à exceção de segunda-feira, curiosamente, o dia em que se exibiu A Novela das 8. Resta saber para quem é a vaia: para a RioFilme, cuja mudança de perfil é criticada; ao Bruno Mazzeo, que no vídeo se diz um profissional de cinema; ou para ambos.

Nicolas Provost – O festival trouxe o filme mais intenso e carnal que já assisti sobre a imigração. Chama-se O Invasor e a direção é do belga Nicolas Provost, curta-metragista que fez uma obra-prima neste ano, Stardust (Poeira de Estrelas), exibida no Festival de Curtas de SP.

O Invasor não opera o sequestro emocional de Terraferma. Pelo contrário, propõe apenas uma relação de sensações, que o espectador sinta na pele a agonia de ser um mano negra na Europa.

Camila Pitanga – Eu Receberia as Piores Notícias dos seus Lindos Lábios não é um filme de começo, meio e fim, mas um ritual xamânico que tem em Camila Pitanga sua vida e energia.

O filme é baseado no livro de Marçal Aquino e representa uma digna evolução comparado com o filme anterior de Beto Brant, o chato O Amor Segundo B. Schianberg, ou o último dirigido pela dupla Brant/Ciasta, Cão sem Dono. Um filme muito intenso cujas síncopes contaminam.

Rapidinhas do Festival do Rio 1

2011-10-10T15:47:00.000-03:00

Caçula das Irmãs Olsen – Um filme muito interessante está passando silenciosamente pelo Festival do Rio. Trata-se do americano Martha Marcy May Marlene, Melhor Direção em Sundance e uma das atrações de Cannes na mostra paralela Um Certo Olhar.

Não sei se terei tempo para escrever apropriadamente sobre ele no Cineclick, mas ao menos deixo um breve comentário. Uma menina (Elizabeth Olsen, “de beleza irritante”, como diz uma das personagens) vive em duas situações diferentes: na primeira, num modo coletivo com alguns valores familiares e morais mais que dúbios. No outro, quando reencontra sua irmã mais velha, típica pequena burguesa.

Dois momentos dos quais não sabemos muito e aprendemos aos poucos. Montagem e direção espetacular: assim como a cabeça da protagonista está confusa com esses dois tempos distintos que a deixam à deriva, também ficamos perdidos. Filme de sensações, de experiência dentro e após a sala de cinema.

Fora de sintonia – A Première Brasil, grande janela para filmes brasileiros aqui no Festival do Rio, vive um contrassenso. De um lado, aposta em longas ousados como os dos três primeiros dias de competição – Histórias que Só Existem Quando Lembradas, Girimunho e Mãe e Filha)

Os curta-metragens, porém, tocam em outra nota. Além de fracos, os curtas Cavalo, Gisela e Assim como Ela não estabelecem diálogo formal algum com o longa que introduzem nas sessões noturnas no Cine Odeon. Na sessão de domingo (9/10), um curta de fotografia acética e sem nuances (Assim como ela) veio antes de um longa de fotografia vigorosa e narrativa rigorosa (Mãe e Filha).

Por conta da seleção, nem sempre é possível estabelecer uma conversa entre longa e curta, mas seria de ótimo proveito fomentá-la sempre que factível. Ajuda na potencialização e permite uma compreensão mais ampla de ambos os formatos.

Béla Tarr?! – Após a bela sessão aqui no Festival, Mãe e Filha, que teve uma recepção morna, o que é uma injustiça com o tamanho do filme, as reações foram divididas (assim como o filme de Cronenberg, Um Método Perigoso).

Em brevíssimas conversas após o filme, surgiu uma comparação com o cinema de planos longos do húngaro Béla Tarr, do qual o Indie exibiu a obra-prima Satantango em mais de sete horas no CineSesc. Apesar de a composição dos planos ter obviamente bebido nele, não vejo intenção alguma do filme ou de seu realizador, Petrus Cariry, em fazer citações.

Trata-se de uma influência no inconsciente. Assim como Tarkovski, Pedro Costa, Velázquez... imagens que nos deixamos contaminar enquanto estamos vivos, procedimento comum a qualquer cinéfilo. Apesar de ambos mostrarem rigor com a câmera, a encenação em Cariry me parece mais solta do que em Tarr. Tenho a impressão também de que os filmes do húngaro (como O Cavalo de Turim tem pretensões filosóficas bem maiores.

Mãe e Filha mostra méritos suficientes para escapar de comparações que se detém na superfície.

Vladimir Putin até 2024 e o cinema de Marina Goldovskaya

2011-10-02T13:43:00.000-03:00

Em abril deste ano, o É Tudo Verdade, maior festival internacional de documentários da América Latina, trouxe para o Brasil Marina Goldovskaya, realizadora russa que começou nos anos 1960 como fotógrafa de televisão, mas que desde os anos 80 tornou-se peça-chave na reflexão sobre os caminhos da então União Soviética e, num momento posterior, o surgimento de um novo país, a Rússia, e suas contradições.

Tive o prazer de conversar por 45 minutos com ela, uma senhora genuinamente preocupada em falar sobre os grandes temas, sendo a Liberdade o principal deles. Marina registrou as aspirações de pessoas comuns e com isso colocou-se numa privilegiada posição de observadora: com sua câmera de vídeo, liberdade possibilitada pelo desenvolvimento tecnológico, foi às ruas no início dos anos 90 para sentir o que a população russa esperava dos novos ventos.

Viu e registrou a euforia da liberdade em O Gosto da Liberdade (1991) e as esperanças de O Espelho Estilhaçado (1992). Mas Marina não parou de posicionar sua câmera nos lugares certos, resultando em filmes que passaram a confrontar a complexidade da Rússia pós-União Soviética, como em A Sorte de Nascer na Rússia (1994).

Mais recentemente, o cinema de Marina percebeu, com sensibilidade, o fracasso da Perestroika e a tentativa de estabelecer processos democráticos. No ultrapessimista O Gosto Amargo da Liberdade (2010), contou a trajetória da Anna Politkovskaya, jornalista assassinada em 2006 por cobrir a violência do governo russo contra a população da Chechênia. A única repórter a se posicionar abertamente contra os desmandos Vladimir Putin.

No finalzinho da entrevista, perguntei para Marina o que ela esperava do futuro russo. “Em 1991, eu via manifestações e chorava porque sentia que todos nós estávamos juntos, felizes e finalmente nos tornando uma nação lutando por liberdade. Hoje somos uma nação dividida entre os querem e democracia e os que não”.

Haja perspicácia! Há uma semana, Putin anunciou que voltará à presidência da Rússia, posto do qual havia oficialmente se retirado em 2008, e terá direito a se reeleger por dois mandatos. Ou seja, se nenhuma crise política o abalar, pode permanecer no comando até 2024.

Em artigo para o The New York Times, Ellen Barry, diagnostica o seguinte: “Dada sua aparência numa roupa de mergulhador no último verão, Putin não demonstra estar em declínio físico, além de que os russos não parecem muito interessados em ocupar as ruas com protestos exigindo mudança. As elites esclarecidas, que constituem o grupo mais insatisfeito com Putin, são tão cínicas quanto ao governo que fica difícil imaginá-las fazendo algo mais que reclamar pelos cantos e reservar uma mensa num bom restaurante”.

Pois é, querida Marina, os que você diz quererem democracia não parecem estar inclinados em brigar por ela. Uma vez mais, seu cinema se faz necessário.

Twitter, Facebook e Youtube: uma história de amor moderno

2011-09-29T22:59:00.001-03:00

Chego um pouco tarde, já que o Indie – Mostra de Cinema Mundial acaba, em São Paulo, nesta quinta-feira (29/9). Mesmo assim, não vou deixar de comentar um filme que a mostra trouxe, contando com o tesão dos leitores em buscar online o longa-metragem Flores do Mal (Fleurs du Mal).

É o primeiro filme que me agrada, de fato, na tentativa de incorporar a internet, as redes sociais e o compartilhamento na dramaturgia. Temos a história de uma jovem iraniana de 20 anos que é mandada a Paris pelos pais para fugir do perigo dos protestos. No hall do hotel, conhece Gecko, um rapaz que lá trabalha, e inicia uma amizade que, por ventura, pode se tornar algo mais.

Mas não é um filme sobre o amor, apesar de ele estar presente em sua forma mais bela (o companheirismo) e destrutiva (o ódio). Flores do Mal é um sintoma de pessoas cujo encontro é possível por conta de ferramentas virtuais. Também não decorre daí um discurso positivo e propagandístico de mundo conectado ou outros lugares-comuns que se recusam a reconhecer os estragos que a virtualidade também traz às relações humanas.

Anahita integra a elite intelectual de Teerã que, em 2009, foi às ruas, protestou e pediu o fim da era Ahmadinejad. A onda verde que terminou com a perpetuação dele no poder, muitas prisões, mais censura e repressão. Gecko é um tipo libertário meio perdido na vida que só consegue se expressar pela dança de rua, tentando interagir com a cidade e procurar nela o que há de seu.

Dois personagens muito interessantes, cujas histórias e segredos compartilhamos ao longo do filme. Mas gostaria de voltar à tecnologia. Enquanto está em Paris, Anahita acompanha pela internet o desenrolar dos protestos. Amigos seus estão na linha de frente por mudanças. O sangue das vítimas da polícia truculenta tomam de assalto a tela. Ela não tem certeza de sua coragem para a ação política.

Pelo YouTube, Anahita vê o que se passa. Pelo Twitter, busca notícias de seus amigos e os locais dos próximos protestos. Pelo Facebook, reencontra Rachid depois de um desencontro inicial.

É interessante e inteligente a maneira em que David Dusa consegue integrar as tais mídias sociais e a virtualidade no filme. Flores do Mal não seria tão instigante se não fosse por esse gesto. Enfatizo: não se trata de um filme de tese ou de uma propaganda travestida por um discurso fofinho, mas sim de colocar como esses dois interessantes personagens estão imbuídos desses modos de comunicação e articulação política.

Digamos que entre o discurso “quero ser engraçadinho” de Medianeiras e a constatação de como o Facebook foi uma ferramenta efetiva nos recentes protestos no Egito, Flores do Mal esteja mais perto da verdade do segundo.

É uma pena, porém, que o filme seja irregular e não consiga acompanhar, como cinema, a força de seus personagens. Por vezes, há um descompasso entre o que eles fazem e como se colocam corporalmente e o que a câmera consegue captar. Mas não deixa de ser interessante ver Rachid fazendo sua dança no meio da rua, metrô e museus, brincando de anarquia enquanto a verdadeira anarquia está a milhares de quilômetros dele, no Irã.

A descrição do filme no site do Indie é precisa: “uma moderna história de amor”. Não moderninha.

O trailer de Flores do Mal (Fleurs du Mal) está abaixo (garanto que o filme é mais interessante do que indicam as imagens):

Ata-me! ou A Pele que Habito - Parte 3

2011-09-27T17:16:00.000-03:00

Assim como A Pele que Habito, Ata-me! (1990) é uma história de amor. Mas também como muitos outros filmes de Almodóvar, o amor nem sempre é compartilhado pelas duas partes, ou melhor, passa por outros gestos bem menos nobres. A tortura, a prisão, o jogo de força e poder são alguns deles.

Ata-me! é legitimamente “um filme de Pedro Almodóvar”, uma daquelas histórias que viramos e dizemos: só ele poderia contá-la. Como chamá-lo, senão de inusitado, esse conto de fadas cômico-melodramático que começa com um crime, o sequestro da atriz Marina (Victoria Abril)?

Como os grandes autores no cinema, Almodóvar faz sempre o mesmo filme, com pequenas variações. A essência é a mesma: as ferramentas do cinema de gênero servem a um realizador cioso por dar um tapa na cara da sociedade (com charme, é claro). O tapa, em Ata-me!, é uma moça “respeitável” (a atriz) apaixonar-se por um seqüestrador amoral (Antonio Banderas, quando ainda queria ser ator de verdade, não um burocrata da atuação).

Nesse conto de fadas elegante, está em jogo não só o amor, mas também o cinema. Temos o longa que nos é mostrado e, dentro deste, outro que está sendo rodado, protagonizado por Marina Osorio e dirigido por Máximo Espejo (Francisco Rabal). Um filme de terror comandado por um diretor outrora respeitado, hoje paraplégico e decadente, filmando apenas pela ajuda dos amigos (quase como a Norma Desmond de Crepúsculo dos Deuses).

Todo o conteúdo humanista de Ata-me não está na belíssima e brega sequência final ou nos movimentos de câmera que ganham classe com a música de Ennio Morricone. O esforço humano de sair da perspectiva egoísta e colocar-se no lugar do outro está na cena em que Máximo, na cadeira de rodas, devora sua atriz-fetiche na tela de TV.

Sua mulher o espreita, mas não diz nada. Cala-se e entende. Como julgar um homem que não consegue mais fazer o que deu sentido à sua vida: dar vazão ao desejo e fazer cinema?

Mais do que no amor da atriz pelo sequestrador, Ata-me! representa o caráter humanista do cinema de Almodóvar nessa cena em que Máximo devora a imagem de sua atriz.

Não é coincidência que esse plano vá reverberar num dos planos mais bonitos de A Pele que Habito, na qual Antonio Banderas, cirurgião psicótico e traumatizado, imagina o sexo com sua cobaia, Vera, apenas mirando-a por uma imensa televisão.

Leia mais: A Pele que Habito é a maior frustração de 2011
Leia mais2: Maus Hábitos e o lado traiçoeiro do amor

Festival de Brasília 2011

2011-09-27T15:40:00.000-03:00

Começou ontem, segunda, 26, a 44ª edição do Festival de Brasília, o evento mais tradicional do cinema brasileiro, palco de discussões, lançamentos de filmes e propostas político-estéticas. Neste ano, muitas mudanças até difíceis de colocar só em um parágrafo: alteração da data, queda do ineditismo, fim da mostra digital (que encurtou a participação dos curtas), ampliação dos espaços de exibição...

Neste ano, vou acompanhar à distância: o cansaço bateu, o corpo pediu para continuar em São Paulo e o atendi, apesar da curiosidade em acompanhar a repercussão das mudanças.

Mas, para quem está interessado em acompanhar o debate, quatro indicações diferentes:

- matéria que publiquei ontem no Cineclick entrevistando diversos setores e tentando ampliar as discussões

- artigo do crítico Luiz Zanin Oricchio, de O Estado de S. Paulo, que aponta um apequenamento do festival com as decisões equivocadas de 2011.

- artigo do crítico Cid Nader, do Cinequanon, que pede uma certa prudência da crítica em já qualificar as mudanças como ruins (discordo de alguns pontos, mas acho válida a colocação).

- leitura integral do blog Festival de Brasília em Perigo, que recupera o processo de mudanças antes mesmo de elas serem anunciadas e explica todas as polêmicas dos bastidores.

Enfim, leituras obrigatórias para quem se interessa pelos rumos do mais tradicional festival de cinema brasileiro.

Maus Hábitos ou A Pele que Habito - Parte 2

2011-09-24T12:56:00.000-03:00

Acima do tom cômico, Maus Hábitos (Entre Tinieblas, 1983) é um filme sobre a fascinação do mal.

Esta, porém, é apenas um lado da moeda. Do outro, está o amor como dependência e abuso que dela convém. Esta é a natureza das personagens do quarto longa de Almodóvar: fascinadas pelo mal ou pelo pecado, mas também víboras que usam o amor do outro como chantagem. Freiras dúbias de nomes esquisitos – Irmã Esterco é uma delas.

A fascinação pelo mal e a chantagem da do desejo é uma dualidade que acompanharia o cinema do espanhol por muito tempo. Mais recentemente, reverberou em Má Educação (o padre que abusa de uma criança que, quando adulta, extorque o religioso, sedento de amor) e A Pele que Habito, seu filme mais recente que chega ao Brasil em novembro.

Maus Hábitos é um grande momento da carreira de Almodóvar, ainda em sua fase anarco-punk, que dura mais ou menos até 1984 com Que Fiz Eu Para Merecer Isto?. É o período que mais me seduz de seu cinema, dos tipos underground e viciados, inversão absurda dos valores, amoralidade no tratamento de temas clássicos, ares meio cafajeste.

É um momento em que ele investe muito numa postura iconoclasta. Como definir, senão assim, um filme que coloca a madre de um convento como uma viciada em heroína que mantém retratos de “pecadoras” (Brigitte Bardot entre elas) em seu escritório? Ou uma freira que, de tanto tomar ácido, vê a realidade adulterada em cores? Ou outra freira futriqueira que descobriremos ser autora de romances policialescos baratos?

Mesmo nesse cenário caótico, o desejo e o amor é quem mandam, e Almodóvar não tem perde o juízo. Luc Moullet, crítico francês e cineasta, do qual já falei nesse post aqui, definiu: “A moral é uma questão de travelling”. Godard, na época de crítico, inverteu e fez uma provocação: “O travelling é uma questão de moral”.

Sendo um ou outro, Pedro Almodóvar parece estar 100% consciente das decisões morais e de julgamento num mero movimento de câmera. No belíssimo plano final, quando compartilhamos da imensa dor de uma personagem, a câmera se afasta com profundo respeito.

Maus Hábitos é mais um exemplo de como A Pele que Habito deu errado. Ambos se dedicam a falar dos dois lados de uma moeda. A diferença é que em 1983 estava muito claro para o realizador qual era o tom que pretendia dar a seu filme. Em 2011, não está.

Em tempo: abaixo, uma grande cena do filme:

A Pele que Habito, um filme de Almodóvar?

2011-09-23T16:10:00.001-03:00

A prova cabal de que algo andou muito mal em A Pele que Habito está numa cena envolvendo a grande Marisa Paredes. À beira de um fogaréu ateado para queimar as provas de um crime, a atriz, encarnada da empregada Marília, conta a Vera uma desgraça que ocorrera anos antes naquela casa.

Nesta sequência de delicada execução e emotivo conteúdo, tinha-se uma grande atriz, a diva destrutiva de Tudo Sobre Minha Mãe. A cena começa e a câmera se aproxima vagarosamente fazendo um movimento lateral. A linda labareda ilumina os rostos dessas duas mulheres tão diferentes naquela noite. Quando, enfim, o plano começa a surtir efeito e sua emoção transparece, Almodóvar o interrompe para realizar um flashback completamente desnecessário.

Isso resume o filme: uma série de escolhas desnecessárias que resultam num conjunto equivocado que, apesar de já nos créditos anunciar “Um Filme de Almodóvar”, parece não ser um filme do grande realizador espanhol autor de algumas obras-primas desde os anos 80. Não faltam os códigos que sedimentaram seu estilo como a reviravolta do enredo, tons melodramáticos, personagens obsessivos etc.

Existe um pacto fundamental entre o tipo de adesão pedida por um filme de Almodóvar e o espectador. Dotado de sensibilidade única, ele vai ao mundo e o observa, devolvendo para nós a construção desse olhar. Nessa operação, o ignóbil (a paixão do estuprador Agrado em Fale Com Ela) torna-se lindo; o que merecia ser julgado (o crime e a mãe de Volver) é compreendido; o nobre (o amor de um homem em Carne Trêmula) revela-se podre e escuso; um ato criminoso (o sequestro de Ata-me) é observado numa ótica charmosa.

Por que? Porque o nível de identificação é tremendo, sempre vamos e voltamos, nos aproximamos e tomamos distâncias. Nos colocamos no lugar desses personagens, o que não nos permite adotar uma postura superior e arrogante. Nos enternecemos e solidarizamos. Nos identificamos. Somos eles.

Não dá para acreditar no cirurgião plástico e sua “cobaia” em A Pele que Habito, graças a uma direção excessivamente acadêmica e pomposa, trilha sonora nunca sutil e especialmente pela postura burocrática da direção de Almodóvar e da atuação de Antonio Bandeiras, que aparentam estar mais preocupados em serem profissionais do que artistas.

Infelizmente, Almodóvar quis fazer um filme de tese: a relação do amor e da dor ou de como a tortura leva a um prazer narcísico, passando também por comentários sobre a ética. Em vez do charme de Ata-me, cujo tema tem clara conexão com o novo longa, há as afirmações de A Pele que Habito. Almodóvar, um cineasta que sempre optou por mostrar e nos educou a não julgar, decidiu demonstrar desta vez. Deu errado.

Almodóvar me ensinou a gostar das inversões morais de seus filmes. Acompanhei com encantamento as várias fases de seus cinemas, que divido assim: a anarco-punk (até O Que eu Fiz Para Merecer Isto?, 1984); a cômica-melodramática (até A Flor do Meu Segredo, em 1995); e finalmente o período de amadurecimento como diretor, mais clássico (de Carne Trêmula, 1997, até Volver). Esta é uma tentativa de divisão didática e obviamente filmes não refletem uma postura estanque de um realizador, que só fala disso ou daquilo.

São momentos diferentes de seu cinema, cada um com um charme e sedução diferente, hábeis em cativar não apenas pelo tema, mas pelo estilo. Qual é a sedução de A Pele que Habito? Não há. E isso muito me preocupa.

O que ele ainda quer do cinema ou o que ele pode lhe dar? Qual fase inaugurar-se-á com dois filmes burocráticos como Abraços Partidos (que não é desastroso, apenas médio) e este longa que chegará aos cinemas em 4 de novembro.

A Pele que Habito não é um filme de Almodóvar, mas de Almodóvar querendo fazer um filme de Almodóvar. Um filme-almofadinha.

Antes da estreia voltarei algumas vezes a ele, abordando as questões que estão lá, mas não florescem no conjunto, e a outros momentos mais dignos da carreira de Pedro Almodóvar Caballero. Por ora, é isso: a maior frustração entre as estreias deste ano.

Em tempo: antes de chegar ao circuito comercial, será exibido no Festival do Rio, que terá a ilustre presença de Marisa Paredes, atriz de Almodóvar neste em outros filmes – se não me engano, o primeiro filme da dupla juntos foi Entre Tinielbas, de 1983.

Em tempo2: abaixo o trailer do filme:

Cinema brasileiro 2: os curtas é que salvam

2011-09-21T17:44:00.000-03:00

No texto abaixo sobre os postulantes a uma indicação brasileira ao Oscar, argumentei o baixo nível criativo dos longas-metragens de ficção lançados neste ano. Assim como o documentário tem proporcionado ótimas surpresas (Pacific e Diário de Uma Busca), existe um outro formato cuja média da produção é muito boa: os curtas-metragens.

Na terça-feira, o Canal Brasil anunciou o grande vencedor do prêmio de R$ 50 mil, escolhido pelos apresentadores. Deu uma obra-prima chamada Recife Frio, premiação merecida pelo diretor Kleber Mendonça Filho. O que encanta, porém, não é só o escolhido, mas os outros postulantes.

Cada um dos nove candidatos venceu, em um festival diferente, o Prêmio Aquisição do canal, cujo júri é sempre formado por jornalistas e críticos. Da lista, pelo menos quatro são grandes filmes: A Amiga Americana, de Ivo Lopes Araújo e Ricardo Pretti; Bailão, de Marcelo Caetano; Faço de Mim o que Quero, de Petrônio Lorena e Sergio Oliveira; Haruo Ohara, de Rodrigo Grota; além do próprio Recife Frio.

Outro curta-metragem é bom e tem charme, O Filme Mais Violento do Mundo, de Gilberto Scarpa. Infelizmente, não vi os outros três candidatos: Imagine uma Menina com Cabelos de Brasil..., de Alexandre Bersot; Magnífica Desolação, de Fernando Coimbra; e Mãos de Outubro, de Vitor Souza Lima.

De uma lista de nove filmes, cinco integram o time dos grandes, aquele que permite criar uma série de leituras, discussões. São aqueles que nos despertam paixões – já declarei meu amor aos cinco curtas em momentos diferentes. Mais da metade.

Acompanhando a produção brasileira deste ano, solidifica-se uma sensação de que existem muito mais curtas que permanecem após a sessão do que longas. Pretendo desenvolver essa comparação no fim do ano em textos de balanço, mas, por ora, compartilho essa sensação.

Com um porém: existe, sim, uma produção viva em longa-metragem, só que ela ainda passa à margem. São os filmes feitos por coletivos regionais, geralmente com poucos recursos etc. Muitos deles estrearam por meio da Sessão Vitrine. É esse escopo da produção brasileira que mais me interessa e, acredito, deveria ser mais observada não só pelo público, mas também pela crítica.

Se esse cinema florescer ainda mais e ampliar suas janelas de diálogo, aí sim a média da qualidade da produção em longa brasileiros vai dar orgulho.

Brasil (provavelmente) fora do Oscar. De novo

2011-09-14T19:09:00.000-03:00

O Ministério da Cultura divulgou ontem, terça-feira (13/9), os pré-selecionados que postulam à indicação do MinC para ser o representante brasileiro por uma vaga de Melhor Filme em Língua Estrangeira do Oscar. Apenas 15 longas-metragens se inscreveram, diz o site do Ministério.

Acho improvável que queime a língua: mais um ano sem representante tupiniquim na cerimônia da Academia. A não ser que o escolhido seja Tropa de Elite 2 que, para mim, não é o melhor da lista, mas pode ter lá suas chances por ser minimamente conhecido lá fora e por conta do diretor, José Padilha, premiado em Berlim em 2008 com o primeiro filme e que foi para Hollywood dirigir uma nova versão de Robocop.

Mas não vou investir em futurologia de Oscar, pois não tenho talento para Mãe Diná, e nem buscar tendências, já que meu know how da rotina da Academia não chega nem perto do faro de Ana Maria Bahiana, hoje blogueira do UOL. Vou me concentrar no nível da lista, independente de ser para Oscar ou para um troféu de esquina.

O nível está muito baixo. Muito. Risível. Uma pena, já que sou um crítico comprometido a refletir especialmente com o passado, presente e futuro com o cinema daqui. Dos 15 pré-selecionados, sete não se sustentam após o primeiro argumento. Vou nominá-los, em ordem alfabética: A Antropóloga, As Mães de Chico Xavier, Assalto ao Banco Central, Família Vende Tudo, Federal, Mulatas! Um Tufão nos Quadris e Quebrando o Tabu. Estes são os medonhos.

Dos restantes, cinco são medianos: em alguns momentos interessantes, mas não têm fôlego para competir com o que há (supostamente) de melhor nas cinematografias mundiais. São eles: Bruna Surfistinha, Estamos Juntos, Vips, Histórias Reais de um Mentiroso – Vips e Lope.

Sobram três. Malu de Bicicleta é bom, mas carece de grandes aspirações como cinema. É modesto, mas honesto. Digno.

Sobram Tropa de Elite 2 e Trabalhar Cansa, os quais só assisti uma vez e achei grandes filmes. Dois longas de verve diferente, mas porretas – a diferença é que o longa de Juliana Rojas e Marco Dutra não sofre do maniqueísmo do filme de Padilha.

Até semana passada, comecinho de setembro, estrearam 55 longas brasileiros que poderiam ter se inscrito no MinC. Entre setembro e dezembro de 2010, período que também tornariam elegíveis outras onze ficções, destaco apenas Meu Mundo em Perigo e O Sol do Meio Dia.

Desse bolo de 66 ficções, apenas quinze se inscreveram. Por quê? Por que os produtores de Transeunte, Natimorto, Não se Pode Viver Sem Amor, Riscado, interessantes e com algo a dizer, não entraram? Para evitar a fadiga? Qual é o resultado dessa equação que não percebo?

A coisa não está boa

No começo da redação deste artigo, pensei que a tal lista dos 15 não refletisse os filmes lançados neste ano. O problema seria dos produtores de boas ficções (fazendo esse corte já que raramente a Academia escolhe um documentário na categoria de Filme Estrangeiro) que não inscreveram seus longas.

O triste fato é que a lista dos 15 reflete, sim, o que foi feito até o momento entre as ficções. À exceção das quatro ficções já citadas que mereciam estar na lista, e de Estrada Para Ythaca, lançado pela Sessão Vitrine, não existem filmes que me provoquem alguma paixão, gana por discuti-las e ouvir opiniões contrárias.

Não existem ficções para se colocar na mesa, esta é a verdade. Com documentários, o papo é outro.

Quando olho para o escolhido da Hungria, O Cavalo de Turim, de Béla Tarr (não sou louco pelo filme, mas não dá para negar sua força como cinema e a maravilhosa encenação), fico com muita vergonha da lista. Suponho uma embaraçosa situação: para começar o dia, um membro da Academia assiste ao filme de Tarr. Em seguida, a Assalto ao Banco Central.

É ou não de doer?!

Entre esse suposto cinema de qualidade e do bom gosto como Lope e as limitações técnicas e orçamentais de Os Monstros, fico com este: não tem dinheiro, mas esbanja verdade cinematográfica.

É esta segunda linhagem de cinema brasileiro que precisa tomar dimensões maiores, contaminar o espectador, não a outra.

Por isso discordo do senso comum: o cinema brasileiro não vai de vento em popa.

A falsa inclusão dos gordinhos e gays de Glee 3D – O Filme

2011-09-09T16:02:00.001-03:00

Na próxima sexta-feira (16/9), estreia nos cinemas brasileiros um produto audiovisual que me recuso a chamar de filme, mesmo o título local sendo Glee 3D – O Filme. Trata-se de uma sacada do produtor e roteirista Ryan Murphy para expandir os dividendos da série.

Um musical com números dos principais atores da série que conheço apenas de nome, intercalado com depoimentos de fãs que ilustram o suposto porquê da importância social da série: ela teria ensinado os adolescentes americanos a se aceitar melhor e a respeitar as diferenças.

Daí surgem a gordinha e negra cheia de orgulho próprio (Amber Riley), o estiloso gay assumido (Chris Colfer) e o nerd (Kevin McHale).

A priori, e tomando apenas como base o “filme” e as canções nele interpretadas – que lidam com autoestima, aceitação, diferença e amor, na maioria –, fico muito feliz em ver que a televisão americana botou dinheiro e acolheu um produto que trabalharia fora dos padrões tradicionais.

Mas esse otimismo não se sustenta após uma análise minimamente aprofundada. Pelo seguinte: os protagonistas continuam sendo o mesmo estereótipo de sempre: jovem, branco e popular.

O que me leva à conclusão: não passa de acomodação, em vez de rompimento, uma esperteza de mercado de ir em direção a um público que, por diferir do padrão vendido pela televisão americana (jovem branco, bonito e popular na escola), não mais se identificaria com a lógica de sempre.

Os gordinhos, negros, homossexuais, nerds e outras “minorias” (não em quantidade, mas na possibilidade de exercer plenamente sua cidadania), são apenas instrumentos para dar uma “cor local”, roubando Jorge Amado, diferente. Quem protagoniza e estabelece o padrão mantém a lógica heteroxista de mundo.

Ou seja, não passa de uma concessão da televisão, e não uma mudança radical de postura. Um redirecionamento do timão mercadológico para “minorias” antes ignoradas, para as quais se direciona a desculpa “agora vocês podem se ver refletido na tela”.

Em parte, cara pálida, pois o superficial discurso de autoajuda e orgulho próprio está longe de colocar na mesa uma real discussão sobre os conflitos e acomodações das diferenças. Trata-se apenas de um gesto inclusivo de mercado, não humano.

Riscado, um filme que merecia mais que silêncio

2011-09-08T13:04:00.000-03:00

Estreia nesta sexta-feira (9/9), quase de mansinho, Riscado, grande filme que passou pela primeira vez no Festival do Rio em outubro do ano passado, entrou em Tiradentes em janeiro de 2011 e arrebatou mais cinco prêmios em Gramado há um mês.

Mesmo com uma trajetória bem sucedida em festivais e com a Variety dizendo que “há muito não víamos um filme que tenha captado com inteligência e criatividade o mundo de uma atriz”, o primeiro longa de ficção de Gustavo Pizzi será apenas arremessado no circuito comercial.

O filme merecia mais. Por si só, suas imagens e encenação, o trabalho da atriz Karina Teles e o olhar terno com os nossos sonhos e desejos, são suficientes para se encantar. Saber, após a sessão, que o filme custou bem pouco e se manteve com um baixíssimo orçamento, as peripécias de Riscado ficam ainda mais louváveis.

Tudo é muito colorido neste filme. Belo contraste com a situação de Bianca (Karina Teles), talentosa e promissora atriz que ainda não conseguiu se consolidar. Nas aparências, um lindo rosto que maquiado à Marilyn Monroe, imitação que Bianca faz de personalidades em festas para ganhar o pão. Por trás da maquiagem, uma mulher que compartilha sua intimidade com o espectador por meio de diários em imagem.

Não há como não se enternecer pela personagem. Suas questões primordiais são, sim, sobre o ofício de atriz, mas não se restringem a isso. Brigar por um sonho e se encantar por uma fresta que aparece no caminho são situações pelas quais todos nós passamos.

Mas isso faria de Riscado apenas um bom filme. O que o torna um louvável filme cheio de ternura é certamente a encenação. Conhecemos Bianca por três instâncias diferentes: a personagem que se fantasia de Marilyn Monroe em festas, a atriz que participa de um filme compartilhando experiências pessoas e a mulher que se permite filmar num registro íntimo, “verdadeiro”, sem supostas interpretações.

Isso dá uma gostosa sensação de vida se desenrolando e descortinando continuamente no cinema, efeito que vem do cruzamento dessas três instâncias e prolongamentos da vida de uma mulher.

Enfim, Riscado, que deve entrar na minha lista de melhores filmes brasileiros deste ano, merecia mais do que ser arremessado nas salas de cinema.

Werner Herzog, 69 anos

2011-09-05T15:00:00.000-03:00

Paulo Gadioli, amigo de redação aqui no Cineclick, me lembra que hoje, segunda-feira, 5 de setembro, é o aniversário de Werner Herzog Stipetić, o Herzog, cineasta do novo cinema alemão.

Conheço bem pouco de seus filmes, apenas os básicos: O Enigma de Kaspar Hausen, Fitzcarraldo, Cobra Verde e, mais recentemente, Vício Frenético – metralhado injustamente por amigos da crítica.

Em junho, descobri um Herzog que não conhecia, o documentarista radical. O Festival Internacional Lume de Cinema, coordenado por Frederico Machado, organizou uma mostra com os documentários do alemão. Lá vi Fata Morgana, que ele fez em 1971.

Sai-se de uma sessão desse filme com aquela sensação de não ter entendido muita coisa, mas mesmo assim maravilhado. Pela beleza das imagens e pelo discurso desvairado de desconfiar no próprio discurso da imagem.

Existem diferenças de propostas e especialmente de pretensão, mas relembrando de Fata Morgana (que significa algo como “miragem”) o aproximo de Árvore da Vida. Não esperneie: Malick busca o diálogo do homem com Deus, é verdade, mas as imagens de ambos os filmes pedem muito da contribuição da leitura do espectador. Sem ele, não há filme.

Feliz aniversário, Werner Herzog!

Quem é Ricardo Darín?

2011-09-01T16:30:00.000-03:00

É quase lei na crítica de cinema brasileira reforçar um lugar-comum que, em parte, procede: o cinema argentino sabe contar pequenos dramas humanos geralmente centrados na família. O grande protagonista desse estilo narrativo tem sido Ricardo Darín.

Fui aos números: em dez anos, os 14 filmes nos quais Darín participou levaram 10,2 milhões de espectadores às salas de cinema da Argentina. Por quê? O que o público enxerga nele? Qual é a imagem masculina que seus personagens transpiram? Tê-lo em uma produção é realmente garantia de sucesso?

Pedi auxílio de dois especialistas argentinos para encontrar respostas: Mariano Oliveiros, do blog Taquilla Argentina, que se concentra em bilheterias, e Clara Krieger, pesquisadora que escreveu vários livres sobre cinema latino. Como o tempo está apertado, não consegui traduzir a tempo a íntegra da entrevista com Clara, que dá um interessante panorama não só de Darín, mas da produção contemporânea argentina.

Quem tiver paciência e compreender um pouco o castelhano não terá dificuldades em acompanhar o raciocínio da pesquisadora. A íntegra do papo vai abaixo:

Urso de Lata: O que Darín tem em diferença a outros atores? Tê-lo em um filme é garantia de sucesso comercial?
Clara Krieger: Las preguntas que me hacés son difíciles de responder. Aunque no existe la fórmula del éxito creo que existen tres elementos que deben convivir en toda película que pretenda el éxito de público. En primer lugar, tocar algún tema que de alguna manera esté presente en el discurso social, en segundo lugar en el filme debe prevalecer el lenguaje cinematográfico clásico y finalmente la puesta en escena debe poner el acento en lo emocional. Si a eso le sumamos un actor tan carismático como Darín, el público está garantizado.

Darín es un muy buen actor y podríamos pensar que representa al porteño promedio, es decir que los espectadores lo viven como un par. A eso debemos agregar que muchas de las películas que hizo trajeron a la pantalla algún problema en el que los espectadores pueden verse involucrados. Un ejemplo es Luna de Avellaneda que puso sobre la mesa el problema de las asociaciones intermedias en un marco de crisis.

La Argentina es un país en el que las asociaciones intermedias ya eran muy fuertes y numerosas en la década del 30, y consolidaron una red social que tuvo mucha presencia (clubes deportivos, sociedades de fomento, etc.etc.). En la década del 90 esas asociaciones estuvieron a punto de extinguirse y la película se sitúa en ese terreno. Lo hace con una mirada siempre esperanzadora que al espectador le permite salir con una sonrisa y pensar que todavía existen los tipos buenos como el personaje de Darín.

Qual é o tipo de imagem masculina que ele passa?
Darín es un hombre atractivo sin dudas, pero aquí no es un sex symbol. En mis viajes a San Pablo encontré comentarios sobre la belleza de Darín que aquí no se encuentran tan facilmente.

Darín es un actor con un bajo perfil y la gente lo ve más como un amigo que como una estrella. En los reportajes siempre se presenta como una persona normal que trabaja de actor. No se le conocen escándalos, no hace publícidad de sus bienes materiales, no permite que hagan un culto de su figura. Por ejemplo, no fue a recibir el Oscar porque ese tipo de situaciones no le gustan. No usa posturas artificiales, no da lecciones de moral. Es muy gracioso, parece buena gente y tiene una gran virtud: no se la cree (es una expresión porteña que significa que no cree que el exito y él son sinónimos y además conoce sus limitaciones).

Creo que tiene cosas muy representativas de los porteños: el tipo de humor irónico, la picardía, una forma de ser varonil y tierno al mismo tiempo. Quizá eso pueda parecer como un Humphrey Bogart, en muchos personajes es duro y tierno a la vez.

Qual sua avaliação geral sobre a produção contemporânea na Argentina? Aqui no Brasil é um lugar-comum afirmar que o cinema de vocês está indo de vento em polpa...
Con respecto a nuestro cine actual, yo creo que lo más interesante pasa por el documental. Las producciones de ficción son más desparejas. Hace bastante que no veo películas de ficción argentinas que me llamen la atención. Por suerte tenemos más cantidad de películas de ficción que son buenas y para público masivo, pero no veo nada innovador o realmente interesante.

La trayectoria del documental es más rica desde fibnales de los 90s hasta aquí. Siempre aparecen ejemplos destacables. Solo cito dos de los últimos que vi: Familia tipo, de Cecilia Priego (2009) y la nueva película de Andres Di tella, Hachazos (2011). La primera cuenta una historia familiar y la segunda gira en torno del artista Claudio Caldini, ambas sorprenden por el enfoque, las formas narrativas, la poética general.

Stardust: documentário e ficção

2011-08-29T11:20:00.000-03:00

O tempo aperta, mas não posso deixar de lembrar a exibição nesta segunda-feira (29/8) do curta-metragem Poeira de Estrelas (Stardust) no Festival de Curtas de SP (veja aqui os horários).

Um dos curtas mais marcantes que vi em tempos recentes. Nicolas Provost, o diretor, artista belga que não se dedica apenas ao cinema, aproxima-se de uma investigação dos diálogos entre as convenções do documentário e da ficção. Porém, utilizando recursos diferentes de Coutinho em Jogo de Cena, Rodrigo Siqueira em Terra Deu, Terra Come e outras investidas no assunto.

Stardust é uma ficção feita de imagens documentais. Câmeras escondidas registram a rotina de jogadores e funcionários de um cassino de Las Vegas. Desse registro, Provost usa as convenções do cinema e cria uma trama de suspense de deixar todos os pelos do corpo em pé!

O tempo não permite um comentário mais aprofundado sobre o filme - mesmo porque já o fiz num texto para o Cineclick (leia aqui). Mas, quem puder dar uma passada na Cinemateca às 19h, não deixe de assistir a Stardust.

Claude Lelouch deixa testamento cinematográfico

2011-08-18T15:39:00.000-03:00

O testamento cinematográfico de Claude Lelouch está prestes a ser compartilhado com o público brasileiro. Esses Amores (Ces Amours-là), que estreia dia 26 de agosto, é a síntese da paixão de um realizador pelo cinema. Mais: uma carta de apresentação (ou despedida) do por que Lelouch faz filmes.

Os que não associam o nome à pessoa, Lelouch é o resmungão que se diz subestimado porque a exibição e discussão maciça da Nouvelle Vague soterrou o reconhecimento que o cineasta acha merecido. Sempre que pode, ele, que até Oscar venceu, reclama que tem muito mais talento do que aceitam admitir as más línguas.

O crítico André Setaro, no fim do ano passado, ao publicar um maravilhoso pequeno perfil do cineasta, ainda considerou que há um desrespeito da crítica. “Há, por parte da crítica, uma total indiferença diante dos filmes de Claude Lelouch, um certo preconceito em relação a este brilhante realizador do cinema francês (...). Talvez a explicação para a marginalização do autor de Um homem, uma mulher esteja no fato dele falar mal da nouvelle vague e, apesar do seu público fiel, a chamada intelligentzia o colocou no índex”.

Grosso modo, o cineasta vive às turras com a crítica: ele a acusa de ter apenas a nouvelle vague como farol do grande cinema, enquanto ela acusa Lelouch de fazer cinema “fru-fru”. Tirando o ti-ti-ti, Lelouch é o diretor de Um Homem, Uma Mulher (Oscar de Filme Estrangeiro e Palma de Ouro em Cannes), Viver por Viver (de 1967, muito interessante e no mesmo nível do filme que deu estatueta a ele), A Nós Dois e, mais recentemente, Amantes & Infiéis e Crimes de Autor.

Se depois de cinquenta anos de carreira, ainda não está claro para os fãs do cineasta suas motivações cinematográficas ou o por quê da insistência em filmar histórias de amor, Esses Amores dá a resposta: para Lelouch, só o amor pode salvar a humanidade. Por isso que, desde o começo da década de 1960, seja num curta alucinante como C'était un rendez-vous ou no longa mais famoso dele, tudo é sobre o amor.

Para ele, trata-se do único sentimento capaz de limpar toda a sujeira inerente à humanidade, a ferramenta primordial para superar traumas e construir pontes.

O que um cineasta que escolheu o seu grande tema e já o abordou de diversas maneiras – narrativa poética como Um Homem, Uma Mulher ao suspense de Crimes de Autor – ainda pode querer do cinema após Esses Amores? Após atravessar a história do Século XX, colocar nas entrelinhas suas motivações artísticas e escrever a história de uma personagem cujo amor incondicional a levou do céu ao inferno pode querer do cinema?

Esses Amores não é o melhor filme de Lelouch, mas é seu definitivo. Seu testamento.

Em tempo: leia neste link a íntegra do perfil de Claude Lelouch escrito por André Setaro.

Em tempo2: em 2009, o crítico Sérgio Alpendre acompanhou a passagem de Lelouch pelo Amazonas Film Festival e relatou algumas das alfinetadas do cineasta.

Assista ao trailer do longa-metragem:

Sean Penn e Brad Pitt: a maldição de Terrence Malick

2011-08-15T16:59:00.001-03:00

Ganhar Cannes com dois atores muito populares (Brad Pitt e Sean Penn) é uma faca de dois gumes para o filme de Terrence Malick. O lado bom é a visibilidade excessiva para A Árvore da Vida. O lado ruim é a mesma visibilidade excessiva.

Se não fosse a Palma de Ouro e a dupla de atores, o filme ficaria restrito ao círculo de cinéfilos que já conhece os outros quatro longas de Malick, a um público interessado pela pretensão filosófica e metafísica do filme ou a leitores que acompanharam críticas favoráveis e decidiram dar uma chance ao introvertido cineasta texano. Porém, a visibilidade excessiva tem criado, ao menos em São Paulo, uma onda de “cidadãos indignados” que se sentiram traídos por seus dois atores-fetiche.

Comentários no Twitter, Facebook, blogs ou em críticas deixam transparecer, nas entrelinhas, a sensação de “comprei gato por lebre”. Esperavam um “filme de arte” como O Curioso Caso de Benjamin Button ou Milk – A Voz da Igualdade e levaram uma tijolada na cabeça que obriga ao espectador a articular pensamentos para defender uma opinião de qualidade.

As reações animalescas ao filme e aos críticos que o defendem (me incluo no grupo) são sintoma do que o crítico de cinema Inácio Araújo já apontara: não temos leitores de cinema, mas consumidores. Nada contra á existência de uma fatia de pessoas que vão às críticas para decidir assistir ou não a um filme.

O problema é encarar a análise de cinema apenas como guia de consumo, posição que permite os comentários arrogantes e ofensivos. Opera-se da seguinte maneira: se eu, espectador, gosto do filme, mas o crítico não, o escriba é um burro; se a operação é inversa, o crítico também é um burro.

Como costuma dizer Julio Bressane, é o reino da mediocridade, da falta de entusiasmo do ser humano em sair do lugar naturalmente mediano que todos nós dividimos e caminhar em direção a algo que não compreendemos. Cada vez mais esse movimento tem parecido um esforço penoso para muita gente.

Por isso, a reação animalesca de leitor/consumidor que se sente traído e roubado por quem apontou méritos em A Árvore da Vida: “O pior filme que vi na minha vida”, “uma merda”, “fiquei feliz quando acabou”, “o diretor se perdeu na história”, “idiota”. Idiota, pois, é quem, no anonimato da internet, xinga em vez de articular, ofende em vez de defender posicionamentos com ideias.

A “maldição” de Terrence Malick é ter dois medalhões no elenco e ter ganho uma Palma de Ouro. Com isso, será metralhado por espectadores/consumidores que se sentiram traído por seus atores terem embarcado num projeto “sem pé nem cabeça”, “uma viagem”.

A Árvore da Vida: dia especial para o cinema

2011-08-12T15:47:00.001-03:00

Hoje, sexta-feira, 12 de agosto, é um dia especial para o cinema. Trata-se da data de estreia de A Árvore da Vida, de Terrence Malick. Como já indiquei na crítica para o Cineclick, considero um grande filme, mas que poderia ser uma obra-prima -- digo isso, claro, sem ter feito uma delicada revisão, a qual pode destruir todas as certas do início desta sentença.

Mas não é especial porque eu gostou ou deixo de gostar. A razão é simples: vemos chegar aos cinemas um filme de imensas pretensões tanto na narrativa cinematográfica quando na inquietação do discurso: por que estamos vivos?

Especial por ser muito raro, para quem trabalha no exercício diário da crítica de cinema, ter um filme-tijolo (no bom sentido) como esse. Pois 90% do que assistimos vai embora no xixi logo após a exibição, 9% permanece até o fim do mês e 1% resiste na cabeça com o passar dos anos.

A Árvore da Vida tem todo potencial de permanecer em nós e se revelar maior a cada revisão. Poucos são os filmes do nosso cotidiano que possibilitam receber grandes textos com premissas completamente diferentes como ele tem recebido aqui no Brasil.

Até agora, meados de agosto, coloco a mais recente invenção de Malick ao lado de Cópia Fiel e Tio Boonmee, que Pode Recordar Suas Vidas Passadas como os grandes filmes de 2011.

Olhando para o que deve estrear até o fim do ano, acho bem difícil algum chegar perto da tríade. Vejo potencial em três brasileiros como bons filmes (com "b" maiúsculo), mas um pouco abaixo dos de Malick, Kiarostami e Apichatpong: Febre do Rato, Trabalhar Cansa e O Palhaço.

A ver.

Cinema Pernambucano: a tapioca

2011-08-10T16:10:00.000-03:00

Leio relato de amigos da crítica sobre a passagem de O País do Desejo no Festival de Gramado. Nenhuma opinião empolgada, até o momento, com o terceiro filme de ficção de Paulo Caldas (Baile Perfumado e Deserto Feliz). Uma pena, pois certamente nele são depositadas muitas das esperanças da qualidade cinematográfica da edição deste ano do festival.

Em dois textos diferentes – um do amigo de Cineclick Roberto Guerra, outro do pernambucano e amigo de crítica Luiz Joaquim no Cinema Escrito –, o realizador reclama de uma suposta pré-indisposição contra o cinema produzido em Pernambuco que não lide abertamente com tema social.

Diz ele: “Todos nós cineastas pernambucanos estamos fugindo desse clichê que é o 'cinema pernambucano'. Você se sente às vezes uma tapioca, e nós não somos tapioca. Parece que nós não podemos tratar de outro assunto que não o social. É como se cineasta pernambucano não pudesse falar de gente rica porque Pernambuco é pobre”.

Talvez Caldas esteja falando, nas entrelinhas, mais sobre uma cobrança para que seu cinema permaneça na mesma freqüência (drama social) do que em relação ao “cinema pernambucano”.

Ouvi o mesmo termo durante o processo de pesquisa para Cinema Pernambucano: Visão Panorâmica de Uma Geração, no qual este que vos escreve imprimiu um olhar en passant sobre cinco realizadores envolvidos com o ressurgimento da produção daquele estado: Claudio Assis, Hilton Lacerda, Lírio Ferreira, Marcelo Gomes e Paulo Caldas. Foi justamente Gomes que usou a tapioca como metáfora para encaixar esses e outros cineastas no mesmo balaio.

Discordo de ambos. A pressão para uma “repetição” ou a cobrança por uma suposta coerência temática pode existir entre os próprios realizadores, mas não enxergo isso na crítica. Desde Baile Perfumado, que interrompeu um hiato de 20 anos de Pernambuco sem um longa-metragem, a produção se diversificou. Os realizadores que hoje estão na casa dos 40 anos assistiram a chegada de outro geração, hoje trintona, fazendo um dos cinemas mais vibrantes do país.

Não vi a crítica cobrando deles uma postura social de cinema. Alguns exemplos: Mens Sana in Corpore Sano é um grande curta que envereda para o gênero filme de zumbi ao fazer uma crítica à estética da perfeição corporal; Pacific vai à classe média ascendente para discutir como esse grupo se enxerga na imagem; Febre do Rato, grande ganhador em Paulínia, apresenta um lugar de resistência que tem na poesia o principal combustível.

Creio que não deixamos de gostar mais de Superbarroco porque ele não lidou com a pobreza de Pernambuco da mesma maneira que Árido Movie. Ou de Recife Frio porque a violência não tem tanta importância como em Rap do Pequeno Príncipe Contra as Almas Sebosas.

A variedade de abordagens e a potência cinematográfica dos filmes pernambucanos recentes, longas ou curtas, já tiraram há muito a obrigação da referida cinematografia em se restringir a abordagens sociais.

Philip Seymour-Hoffman em filme-aprendizado

2011-08-08T22:26:00.000-03:00

Jack Goes Boating, que no circuito brasileiro estreou como Vejo Você no Próximo Verão, me passaria despercebido se não fosse pela insistência de dois amigos que sempre trazem coisas boas sobre cinema, Filippo Cecílio e Julio Delmanto. Depois de ambos me catequizarem, em momentos distintos e sem orquestrarem a iniciativa, para dar uma chance ao primeiro longa de Philip Seymour-Hoffman como diretor, peguei o filme pela rabeira, já quase saindo de cartaz.

Muito bom, por sinal. Se não uma grande direção, ao menos um fino tato para estender as cenas na intensidade certa, deixando escapar a volúpia, o descontrole e as imperfeições de seus personagens. Digo que Vejo Você no Próximo verão passaria despercebido por conta do meu cansaço com o que se entende por “cinema independente americano”, aqueles filmes de baixo orçamento que fogem do esquema massivo de produção, mas não de sua estética.

Nessa linha vão Once, os filmes do Jason Reitman (especialmente Juno), Pequena Miss Sunshine e outros filmes que, ao terminarem, deixam a sensação de “história fofinha”. Filmes que, com o tempo, aproximam-se da nulidade, “saem no xixi”, como diz um colega de crítica que, por discrição, não revelarei a identidade. Por sorte, o filme de Seymor Hofman é bem mais duro, verdadeiro, mesmo que isso não signifique menor ternura ou alegria.

Quando parece que vai assumir os cacoetes desse “cinema independente americano” (obviamente estou exagerando na generalização, mas quem disse que estereótipos não têm um pé na realidade?), o filme escapa, desenvolvendo algumas cenas com aquela verdade que nos deixa embasbacado.

Interessantes na mesma medida são os comentários sutis sobre os Estados Unidos que consomem fortunas em roupas de grife e os que observam. Marginais minimamente alinhados com o mundo do consumo, mas comendo produtos de terceira linha: enquanto os chefes se deliciam com lombo defumado, eles se contentam em comer pão com apresuntado. No caso do filme, motoristas de limusine, entre eles Jack e Clyde, e duas secretárias, Connie e Lucy.

Mas não se enganem, pois não se trata de personagens que não são só tipos para demonstrações sociais de filmes-tese, mas que amam também. Amam e não sabem muito bem o que fazer com esse amor, especialmente numa Nova York friorenta, sob neve. O jeito é “fumar um” e fazer alguma coisa até que o próximo verão chegue e novas portas se abram

Como é comum a filmes com atores/autores na direção, as interpretações são interessantes, comentário que não se restringe ao protagonista que vai passear de barco, mas aos três amigos que sustentam o filme: John Ortiz, Amy Ryan e Daphne Rubin Vega.

Sem estender o breve comentário, Vejo Você no Próximo Verão é, mas não é, cinema independente americano. Só vendo o filme para entender.

Dia do Orgulho Hétero: o fascismo nos ameaça

2011-08-03T15:12:00.000-03:00

O Urso de Lata é um blog de cinema, mas que não se furta de comentar os absurdos que aparentemente não têm nada a ver com filmes. O absurdo da vez é a aprovação na Câmara de Vereadores da Cidade de São Paulo de um projeto para instituir o Dia do Orgulho Heterossexual, aparente contraponto ao Orgulho Gay.

Vamos colocar uns pingos nos is que parecem ter se perdido no caminho: por que existe o Dia do Orgulho Gay? Por que os homossexuais, assim como outras “minorias”, são historicamente discriminados, não desfrutam de legislação que os coloque no mesmo patamar de cidadania que outros grupos sociais (só para lembrar que a união estável entre duas pessoas do mesmo sexo só foi aprovada há três meses – pelo Judiciário). A criação de um dia para celebrar o Orgulho Gay é apenas uma afirmação política de um grupo cujo grau de exclusão social tem diminuído ao longo dos anos, uma maneira de dizer: estamos aqui e temos de ser respeitados como qualquer outra pessoa.

Qual seria, então, o fundamento do Dia do Orgulho Heterossexual? Qual é a opressão que eles sofrem? Os héteros tiveram seu ingresso no Exército Proibido numa política semelhante ao “Don't ask, Don't Tell”? Não! Por conta de sua condição sexual, foram assassinados ou mandados para campos de concentração durante regimes ditatoriais? Não! Tem um romance proibido de ser abordado em uma novela de horário nobre justamente por sua sexualidade?

Ou seja, não há fundamento algum para a criação de um Dia do Orgulho Heterossexual, pois nunca lhe foram roubados direitos por sua sexualidade ou tratados como distorção. Em todas as frentes políticas, culturais, econômicas e sociais, sempre se reforçou a heterossexualidade como o padrão: héteros nunca precisaram incluir-se, ao passo que os homossexuais sim.

Uma lei como essa só representa o desejo dos conservadores que querem retomar o privilégio de oprimir minorias. É uma ilustração da frustração dos fascistas de não poderem mais apontar o dedo para um gay afetado na rua e gritar “viado” sem ter alguma consequência, moral ou legal. É uma frustração com o fim da barbárie e com a construção gradativa de respeito com todos os grupos sociais.

Autor do projeto, Carlos Apolinário (DEM, o ex-PFL, partido intrínseco à ditadura que agora se autodenomina “Democratas”), justifica-se da seguinte maneira: “a criação do Dia do Hétero não simboliza uma luta contra a figura humana dos gays, e sim contra aquilo que considero que são excessos e privilégios”.

Ele deve estar falando do privilégio de ser respeitado, né? Um privilégio pelo qual os héteros nunca tiveram de lutar em assuntos concernentes à sua sexualidade.

Para piorar, Apolinário solta a pérola “meu cabeleireiro é homossexual”. Olha como o vereador é democrata! Ser cabeleireiro, maquiador sidekick em novelas pode. Agora, esse papo de querer constituir uma família normal como as outras, tornar-se político, executivo de grandes empresas ou simplesmente exigir respeito, não.

Enfim, esse projeto é um sofisma, indicação clara do reino da mediocridade.

Voltemos a falar de cinema no próximo post.

A censura de A Serbian Film - Terror Sem Limites

2011-07-27T15:44:00.000-03:00

Na semana passada, já havia comentado a censura à produção A Serbian Film - Terror sem Limites que, após ter sua exibição vetada no Rio teve a única cópia em 35mm disponível no Brasil apreendida pela Justiça [entenda o caso aqui].

É um caso grave de censura calcada em argumentos falaciosos. Não se trata de defender esse ou aquele filme, mas sim o direito de escolha do espectador em assistir ou deixar de assistir o que lhe aprazir. Quando temos um filme que não comete filme algum, é o espectador o senhor da decisão.

Como esse episódio não pode passar em branco, teci um comentário um pouco mais aprofundado sobre a censura ao A Serbian Film - Terror Sem Limites. O texto está no Cineclick [leia aqui a íntegra].

Entre você também na discussão!

Associação Brasileira de Críticos de Cinema repudia veto a filme sérvio de terror

2011-07-22T12:17:00.000-03:00

Criada há uma semana, após um ano e meio de discussões e reuniões com profissionais de todo o Brasil, a Associação Brasileira de Críticos de Cinema (Abraccine) tem como primeiro gesto a divulgação de uma nota de repúdio ao veto à exibição de A Serbian Film – Terror Sem Limites, que tinha uma sessão marcada para o próximo sábado (23/7) no Centro Cultural da Caixa Econômica Federal no Rio de Janeiro.

“A Abraccine defende a liberdade de expressão cinematográfica e o direito de os espectadores interessados assistirem aos filmes que lhes convêm, acreditando não caber a instituições públicas ou privadas a definição sobre o que deve ou não ser visto.

A responsabilidade sobre programação e observação à classificação etária de filmes apresentados num festival de cinema é da organização do evento, devendo a ela serem dirigidas eventuais questões controversas, sem, para isso, ser utilizado o ato de censura prévia (inexistente no país) a um determinado trabalho artístico”, diz um trecho do texto da Abraccine.

A Serbian Film – Terror Sem Limites foi exibido no sábado passado aqui no I Festival Internacional Lume de Cinema, em São Luís do Maranhão. Antes disso, passou também nos Estados Unidos (South by Southwest), Canadá (Fantasia), Espanha (Festival de Sitges) e Portugal (Fantasporto).

Saiba mais sobre o veto ao filme neste link e leia abaixo a íntegra da nota da Abraccine:

A Abraccine – Associação Brasileira de Críticos de Cinema repudia o veto à projeção do longa-metragem A Serbian Film – Terror sem Limites, do diretor sérvio Srdjan Spasojevic, presente na programação do RioFan – Festival de Cinema Fantástico do Rio de Janeiro.

O filme seria exibido pelo RioFan na sala Caixa Cultural. Porém, os organizadores do festival foram obrigados a retirá-lo da programação por decisão da diretoria da Caixa Econômica Federal, conforme nota divulgada pela assessoria de imprensa do banco, sob alegação de que a instituição “entende que a arte deve ter o limite da imaginação do artista, porém nem todo produto criativo cabe de forma irrestrita em qualquer suporte ou lugar”.

Em resposta, a organização do RioFan se disse “contra qualquer forma de censura” e informou que todos os filmes selecionados para o festival foram avaliados por órgãos oficiais competentes e têm classificação etária de 18 anos.

A Abraccine defende a liberdade de expressão cinematográfica e o direito de os espectadores interessados assistirem aos filmes que lhes convêm, acreditando não caber a instituições públicas ou privadas a definição sobre o que deve ou não ser visto.

A responsabilidade sobre programação e observação à classificação etária de filmes apresentados num festival de cinema é da organização do evento, devendo a ela serem dirigidas eventuais questões controversas, sem, para isso, ser utilizado o ato de censura prévia (inexistente no país) a um determinado trabalho artístico.

Registramos ainda que A Serbian Film já teve pelo menos outras duas exibições anteriores ao RioFan: no I Festival Internacional Lume de Cinema (São Luís, no Maranhão) e no VII Fantaspoa - Festival Internacional de Cinema Fantástico (Porto Alegre, no Rio Grande do Sul).

Por esta nota, deixamos ainda claro que a Abraccine não está defendendo um trabalho ou um festival em específico, mas um princípio: o de um filme poder ser assistido e avaliado pelo espectador com liberdade.

ABRACCINE
Associação Brasileira de Críticos de Cinema

Febre do Rato vence Paulínia; O Palhaço come pelas bordas

2011-07-15T00:33:00.000-03:00

-- de Paulínia

Podemos não concordar que Febre do Rato é o Melhor Filme do Festival de Paulínia. É meu preferido, mas concordo que tanto O Palhaço quanto Trabalhar Cansa também mereciam o prêmio de R$ 250 mil.

Mas certamente o filme de Claudio Assis foi o grande acontecimento de Paulínia. No final, levou oito estatuetas Menina de Ouro. Já a produção de Selton Mello venceu quatro, sendo em duas categorias vitais (Direção e Roteiro).

No geral, a premiação surpreendeu. Não imaginava que a produção de Recife levaria quase tudo. Mas os comentários ficam para amanhã, com mais serenidade. Por enquanto, vale o registro com a lista de todos os vencedores, disponível neste link.

Os curtas publicitários de Paulínia

2011-07-11T16:20:00.001-03:00

-- de Paulínia

Três dias de competição e uma das mais mal sucedidas seleções de curtas-metragens entre os grandes festivais de cinema nos últimos anos. Após a exibição de seis produções, digo que temos apenas um Filme em letra maiúscula: Tela, de Carlos Nader, interessante ponto de interrogação no próprio formato e em como colocá-lo para o público na sala de cinema, não só em festivais.

Fora esse, restam boas intenções (A Grande Viagem e O Cão) que não escapam de um discurso moralista, ou conteúdo audiovisual regado de toques menos (Trocam-se Bolinhos por Histórias de Vida) ou mais (Café Turco e Polaroid Circus) publicitários. Vendem-se ideias simpáticas, no caso do primeiro filme, ou superficialmente políticas, no caso do segundo.

À exceção do filme de Nader, todos contam histórias com começo, meio e fim, sem percalços, terminando com uma lição de moral. Todos com tique da publicidade, enquadramentos simétricos, montagem esperta, iluminação horrivelmente asséptica (que em Trocam-se Bolinhos é berrante). O mais estranho é certamente Polaroid Circus [foto] em que uma belíssima mulher passeia pelas ruas de Paris tirando fotos e se relacionando com a cidade.

No papel, parece até interessante, mas na telona torna-se um longo comercial de vários produtos: lingerie, cartão postal de uma cidade, fotografia de moda, maquiagem, da modelo e por aí vai. É realmente estranho um filme como esse num festival de cinema como o de Paulínia, que atrai tantas atenções.

Se até a quinta-feira a seleção de curtas-metragens continuar tão inferior à de longas, algo precisará ser repensado em 2012 em relação à curadoria. No ano passado, Paulínia exibiu grandes curtas (Tempestade e Eu Não quero Voltar Sozinho são alguns deles). Não pode ser problema de safra: desde Tiradentes, que inaugura o calendário de festivais, temos assistido a bons filmes.

Não dá para exibir longas do nível de O Palhaço ou Uma Longa Viagem, que possibilitam várias possibilidades de leitura, ao lado de curtas pífios Polaroid Circus, uma sub-versão marqueteira de A Bela Junie.

*Heitor Augusto viajou à Paulínia a convite do festival e também realiza a cobertura para o Cineclick.

Público delira em O Palhaço Selton Mello

2011-07-09T11:03:00.000-03:00

-- de Paulínia

Selton Mello apresentou ontem, sexta (8/7), seu segundo longa-metragem como diretor. O Palhaço superou expectativas de público, testou a organização do festival de cinema, já que cerca de duas mil pessoas foram ao Theatro Municipal para assistir ao filme. Por volta de 1.100 entraram e o restante aguardou para uma segunda sessão à meia-noite.

Como diretor, Selton Mello evoluiu e, acredito, superou a expectativa quanto à principal ressalva a Feliz Natal, seu primeiro filme: um punhado de referências cinematográficas não agrupadas organicamente a serviço de uma produção com alma própria. O Palhaço tem lá suas inspirações cinematográficas – eu enxerguei um Kaurismaki mais caliente, um pouco de Kusturica e até um outro tanto de Felini. Mas essas referências são mais do olhar de quem assiste do que um esforço do filme em citar escolas cinematográficas ou realizadores.

O Palhaço encontra sua verve, que é simpática. O humor sem piadas, o riso em cima do insólito. Piadas ou gags se fazem no picadeiro, pois, fora dele, o filme é sério, apresentando o cômico em associações inesperadas ou comentários deslocados de um contexto (daí enxergar Kaurismaki, exemplificado numa maravilhosa cena de Selton, o protagonista, com o ventilador).

O público delirou. Sem exageros. Riram demais da conta, como diriam os mineiros. O filme tem muito carisma e é solar, diferente de Feliz Natal – sem juízo de valor nessa colocação. Quando O Palhaço estrear no final de agosto, voltarei com mais calma ao filme, sem essa tradicional correria de festival e comentários apressados.

En passant, gosto muito da metáfora a que o filme recorre para existir: o desejo de um ventilador para amenizar o calor martirizante da estrada. Outro breve comentário: a trilha de Plínio Profeta, que já havia escrito as músicas de Feliz Natal, é bem interessante. Quando ouço as composições dele em ambos os filmes, penso na mesma pungência e lastro de trabalhar com amplos registros musicais que vejo em Alexandre Desplat. As elipses na parte do final do filme também são um ótimo recurso para falar muito e dizer pouco.

Em suma, O Palhaço tem alma.

*O repórter viajou a convite do Festival de Paulínia.

Serge Gainsbourg, heroica trajetória

2011-07-04T18:00:00.001-03:00

Estreia na próxima sexta-feira (8/7) a cinebiografia de Serge Gainsbourg. "Cinebiografia" não é uma classificação condizente com este filme, sejamos sinceros. Trata-se de um filme que, em vez de privilegiar os fatos, prefere a fantasia, a transposição de um universo mítico e imaginário para o cinema.

Prevejo que o público que gostou de filmes como Piaf - Um Hino ao Amor ou Ray não deverá simpatizar com Gainsbourg - O Homem que Amava as Mulheres. Os dois primeiros flertam com o registro trágico: a francesa viveu uma torrente de desgraças, enquanto o norte-americano se encaixou, no cinema, como uma história de superação.

Gainsbourg é um devasso, boêmio. Joann Sfar, o diretor que sobrevive como quadrinista e estreou na direção de cinema, fez um filme sobre projeções, especialmente a do medo de um menino judeu na França ocupada pelos nazistas e um fantasioso alter-ego que o atira em direção às mulheres. Procurar por uma referência ao legado de Gainsbourg para a cultura pop no filme de Sfar é um erro.

Já tem até leitor do IMDB reclamando disso. Desculpe-me, mas Gainsbourg - O Homem que Amava as Mulheres não é matéria jornalística, mas cinema. E felizmente temos um filme que não tenta enquadrar o artista, mas deixá-lo escapar pelas bordas, transbordar a caretice.

Como au revoir, deixo Serge Gainsbourg cantando Aux Armes et caetera, sua versão em reggae para A Marselhesa, o hino francês.

Operação Dragão Negro e o blaxploitation

2011-06-27T01:00:00.000-03:00

Carlão Reichenbach é quem costuma dizer que não se pode ter preconceito para filmes. Um cinéfilo tem de estar aberto para ser surpreendido até mesmo por produções que aparentemente seriam um mar de obviedade. Uma delas é Operação Dragão Negro, típico exemplar de blaxploitation.

Lançado em 1975, o filme surfa no sucesso de Operação Dragão, que marca a última aparição de Bruce Lee nos cinemas. Trata-se de um filme de ação B com momentos cinematográficos ora pavorosos, ora interessantes.

Provavelmente, o mais instigante em Black Fist (título original) é o cenário: o lendário bairro de Bronx nos anos 70. O Partido dos Panteras Negras Para Defesa Pessoal estava em declínio e denunciava a distribuição de drogas, especialmente heroína, para conter a organização política dos negros – informação extra-fílmica, mas já presente no imaginário por causa de O Gângster e The Black Power Mixtape. O tráfico torna-se paisagem da cidade. Neste cenário, Leroy Fisk (Richard Lawson), um Zé Ninguém, encontra seu lugar ao sol ao participar de lutas ilegais para um empresário branco e ganhar algum dinheiro.

Muito curioso que, mesmo num filme de ação de pouco orçamento e sem muita criatividade cinematográfica, a segregação racial seja tão latente e tão bem desenvolvida a ponto de Leroy, o anti-herói, confrontar-se a todo momento com um negro capataz que faz a segurança do patrão. Preconceito entre os próprios negros: não faltam diálogos com yo nigga, move your black ass e outras colocações raciais. Trechos que, se pensarmos na literatura, remontam levam diretamente ao período da escravidão, quando os negros da casa grande tinham um tratamento diferente dos da senzala.

No filme, temos interessantes ponderações sobre a organização mafiosa e um lutador que, assim como Madame Satã, só tem o corpo como ferramenta de luta. Não há otimismo: quem vence é o detentor do poder, ou seja, o branco. Até mesmo Leroy, um cara consciente que sabe com quem está se metendo ao aceitar tornar-se lutador de rua, sucumbe à sua inocência, leitura indicada por uma cópia descarada da sequência final de Operação Dragão.

Operação Dragão Negro recorre a uma vigorosa trilha repleta de soul, criando uma ambientação. Entre os bons momentos, lembro de uma sequência que, talvez seja loucura de cinéfilo, me levou diretamente ao método de assassinato em Confissões de um Comissário de Polícia ao Procurador da República, clássico do cinema político italiano de Damiano Damiani – nome que Carlão me apresentou numa conversa. Outra interessante cena de morte é omitida numa elipse muito similar ao que Scorsese faria em Os Infiltrados.

Por outro lado, o filme de Timothy Galfas – que divide a direção de “cenas adicionais” com Richard Kaye, seja lá o que isso significou nesta produção – tem vilões caricatos, roteiro cheio de brechas, interpretações irregulares (Dabney Coleman muito bem, Robert Burr horrível), direção primitiva etc.

Mesmo cheio de erros, defeitos e precariedade, Operação Dragão Negro permite leituras mais sofisticadas, especialmente nas relações sócio-raciais dos Estados Unidos.

Em tempo: no Brasil, o filme não está disponível em DVD. Sem problemas: a versão integral do filme está disponível no YouTube [clique neste link].

Recife Frio, uma obra-prima

2011-06-22T18:46:00.000-03:00

Desde que passou no Festival de Brasília em 2009, o curta-metragem Recife Frio, de Kleber Mendonça Filho, faturou quase duas dezenas de prêmios importantes. Exemplo raro no circuito de exibição, um curta vai estrear nos cinemas, acompanhando, a partir desta sexta (24/6), o longa Um Lugar ao Sol dentro da Sessão Vitrine [entenda mais neste link].

Mais do que um filme imperdível, Recife Frio é um marco. Faço minha as palavras do crítico Zé Geraldo Couto: Talvez não seja exagero dizer que Recife frio está para o cinema brasileiro atual como Ilha das Flores (1989), de Jorge Furtado, está para o cinema brasileiro do final do século passado. Ambos são falsos documentários que transcendem os limites do curta, abrem caminhos, iluminam toda uma cinematografia.

Pena que o público de São Paulo não poderá acompanhar o filme nos cinemas. A assessoria da Sessão Vitrine acaba de encaminhar uma mensagem dizendo que "o fato é que tivemos um problema com a programação do cinema". Uma pena, sim, mas não de todo irremediável ao espectador. Recife Frio está disponível no YouTube [assista a íntegra aqui]. Quem adorar o filme, basta comprar o DVD que tem alguns extras interessantes.

O que um espectador antenado não pode deixar de fazer é assistir a essa obra-prima de Kleber Mendonça Filho. Para encerrar este post-convencimento, reproduzo a crítica do filme publicada no Cineclick:

Ficção científica? Comédia? Cinema político? Documentário? Recife Frio, o maravilhoso filme de Kleber Mendonça Filho que acumula 40 prêmios em festivais desde 2009 e estreia dentro da Sessão Vitrine ao lado de Morro do Céu, é tudo isso. Não, é mais que isso.

Já nos créditos inicias, sobe uma cadavérica música que lembra um tema de algum filme de horror dos anos 50 – no final da projeção, descobriremos que se trata de The Web, de Abe Baker e Tony Restaino, tema de O Cérebro que Não Queria Morrer, de 1962. No canto da tela aparece o letreiro “daqui alguns anos...”. E começa o filme em cima de uma estranha premissa: Recife, uma das cidades mais quentes do Brasil, está fria. Caiu um estranho meteorito na urbe que afetou vertiginosamente a temperatura. Em vez dos tradicionais 30º, chegou-se a 10º. O que acontece? De que ordem é esse frio?

Todo o filme é construído por meio de imagens de um programa documental de televisão, Mundo en Movimiento, cujo apresentador tem um sotaque argentino. Os turistas foram embora, os símbolos populares viraram do avesso. Bonecos artesanais que antes mostravam pessoas de biquíni e sunga agora são confeccionados com luvas e calças. Até o administrador de uma pousada que vendia o sol como principal atrativo perdeu todos os clientes. O que acontece com Recife?

Como se relacionar com uma cidade?

Mostrar “o outro lado de Recife” é uma preocupação constante do riquíssimo cinema produzido em Pernambuco. Mais claramente, essa proposta chegou a um público maior em 2003 por meio de Amarelo Manga, um anti-cartão-postal. Nos últimos três anos, o cinema que se produz lá tem refletido sobre o aumento da desigualdade por meio da arquitetura. Alguns exemplos são Um Lugar ao Sol, Eiffel, Praça Walt Disney (este num apuradíssimo registro irônico).

Mas por que Recife Frio é uma obra-prima? Entre uma dezena de razões, porque subverte as convenções dos gêneros cinematográficos para utilizá-los em outro contexto, dando às imagens uma potência incomensurável. Este efeito poderoso fica claro em duas sequências – uma de força social, outra de agressividade poética.

Na primeira, uma família que mora em uma cobertura faz uma inversão na ordem das coisas. A empregada, costumeiramente confinada ao cubículo sem janelas e superaquecido, vai morar na friorenta e ventilada suíte. O filho do patrão, por sua vez, domina o quarto da empregada. Trata-se de um engraçado e violento comentário político sobre a reprodução da arquitetura da senzala em pleno Século 21.

Já a segunda é para entrar nos anais de como fazer cinema. Após constatar que as ruas da cidade estão vazias, o narrador argentino de Mundo en Movimiento questiona: “Onde estão as pessoas?”. E responde: “No shopping”. Em câmera lenta, pessoas numa imensa bolha dentro de uma piscina em um dos pisos do local. A música é o segundo movimento da Sétima Sinfonia de Beethoven - a mesma usada na última sequência de Discurso do Rei. Um dos grandes momentos do cinema brasileiro recente.

Em suma, Recife Frio é comédia, ficção científica, documentário e cinema político. Uma mistura de gêneros que o coloca como um dos filmes mais especiais que circulou por festivais e, felizmente, chega ao circuito comercial dentro da Sessão Vitrine.

Resumindo: um filme porreta!

Dirty Dancing e Se Beber, Não Case: os filmes irmãos

2011-06-21T23:00:00.000-03:00

Já se vão 24 anos que Dirty Dancing – Ritmo Quente, o irregular musical com Patrick Swayze que termina com a longa sequência embalada por Time of My Life, surfou na onda que reascendeu os musicais. O filme tem personagens carismáticos, conservadorismo que faz tudo terminar em festa e uma direção bem ruim, do nível daquele Emanuele em que a protagonista vem para o Brasil para esquecer uma grande paixão e, no caminho, faz uma cirurgia plástica de corpo inteiro!

Mas o que justifica este comentário 24 anos depois do lançamento e quatro anos da edição dupla comemorativa ter saído em DVD é um detalhe no filme: a insinuação sexual do ménage à trois e a repressão do desejo.

Num verão qualquer, famílias ricas vão para um resort. Entre os Houseman, Baby é uma adolescente que tem o pai como modelo de homem. A estadia e a tal da dança proibida do título vão mudar o rumo da família, especialmente de Baby.

Dirty Dancing – Ritmo Quente é ambientado em 1963, quando, diz um personagem, “os jovens já não querem vir pra cá para aprender fox strot, mas visitar a Europa!”. Um olhar inocente sobre um tempo de mudança. Como demonstra a sequência final, em que pais caretas, esposas fiéis e infiéis, meninos medrosos e meninas que desejam caem na dança.

No fim das contas, são todos reprimidos comportamental e sexualmente. Talvez aquela dança frenética de corpos colados, erótica e lasciva será a única chance em suas vidas de libertar as fantasias e usufruir o desejo. Patrick Swayze, dançarino esguio de movimentos leves e sensual movimento de cinturas, é quase um Eros que joga uma sementinha devassa naquela caretice reinante.

Curioso é que o tratamento do sexo no filme é tão puritano quanto a cabeça dos personagens. Filmar a transa? Jamais! No máximo, beijos ardentes à meia-luz e... corta! Tudo neste filme é insinuação, não exposição. A mais interessante é, em uma cena bucólica em que Baby está dando os primeiros passos como dançarina improvisada e é auxiliada ao mesmo tempo por Johnny (Swayze) e Penny (Cynthia Rhodes). Em outro take, Johnny está sentado do piso observando as duas garotas dançando juntas, de maiô e meia-calça sensual. Nada é dito, fica só nas entrelinhas.

Essa libertação como ato isolado na vida da maioria dos personagens desse musical tem muito a ver com a dos três bêbados em Se Beber, Não Case! e na sequência lançada neste ano. Especialmente o personagem de Stu, o dentista, que, após casar-se com uma prostituta no primeiro filme, passa a noite na esbórnia se divertindo com uma travesti.

No dia seguinte, dá-lhe lamentação. O jeito é esquecer, fingir que não aconteceu. Afinal, foi só uma noite. “O que acontece em Vegas, fica em Vegas” é o lema deles. Assim como o que se passa em Bangcoc deve ficar por lá mesmo. De preferência, enterrado.

Neste sentido, Dirty Dancing – Dança Proibida e Se Beber, Não Case são dois filmes inteiramente diferente que aparentam falar de uma série de coisas. A mais interessante delas é a do homem médio que se reprime diariamente. O sexo é componente primordial. No musical, a dança é o escape. Na comédia, a bebida.

Em tempo: como este texto acabou ficando sério demais, para descontrair em torno de Dirty Dancing coloco o link indicado por Francis Vogner dos Reis na volta para São Paulo após a cobertura da CineOP - Mostra de Cinema de Ouro Preto. Trata-se uma brincadeira de como seria o trailer do filme se a direção fosse de... David Lynch!

Em Ouro Preto

2011-06-16T19:19:00.000-03:00

Acabo de sair do frio de São Paulo para me aventurar ao frio mais intenso aqui de Ouro Preto. Razão: o início do CineOP - Mostra de Cinema de Ouro Preto, que começa nesta quinta-feira (16/6) com homenagem a Carlos Manga e exibição de O Homem dos Sputinik logo mais.

A cobertura completa e diária estará no Cineclick (leia aqui o texto de abertura). Aqui no Urso de Lata, apenas alguns comentários pontuais durante os cinco dias de festival. A expectativa é que as mesas de debate produzam um interessante olhar sobre a chanchada, principal tema deste ano, contextualizada dentro da produção nacional da década de 1950.

Serão exibidos outros filmes do Manga como Nem Sansão Nem Dalila e Matar ou Correr, ambas ótimas sátiras do cinema americano, em especial do épico Sansão e Dalila e do sublime faroeste Matar ou Morrer.

O CineOP também vai exibir outra chanchada menor, Aviso Aos Navegantes, sobre a qual escrevi para a Revista Zingu há duas edições (leia aqui). A outra será Carnaval Atlântida.

Durante os próximos dias vem mais. Aguardem.

Jacques Demy na Cinemateca

2011-06-05T22:10:00.000-03:00

Começou no sábado (4/6) - porque do aniversário do homenageado - uma mostra maravilhosa de Jacques Demy, diretor francês que atuou entre os anos 1960 e 80 e 70, conhecido pela liberdade que se apropriava da música e construia o ritmo fílmico a partir dos diálogos.

Até 26 de junho, na Cinemateca Brasileira, em São Paulo, serão onze longas, uma porção deles inéditos em circuito [veja a programação completa aqui] e projetados em 35mm. Na correria, deixo para tecer um comentário mais elaborado depois, optando agora apenas pelo registro da retrospectiva e uma sugestão: assistam a Lola - A Flor Proibida, de 1960, e o contraponham a Pele de Asno, de 1970. Sai-se de uma organização dos personagens em torno da música e chega-se num uso radical da canção, mantendo um diálogo distante com o musical hollywoodiano.

Durante a semana sai do Urso de Lata um texto mais elaborado sobre Demy, um Ovni no guarda-chuva redutor da Nouvelle Vague.

Se Beber, Não Case! Parte II

2011-05-27T16:36:00.000-03:00

Ainda acho que a sequência (inteligentemente chamada por Ricardo Calil em texto para a Folha de “remake”) poderia render mais pano para a manga nas críticas do que tem rendido. Basicamente, existem os que adoram como Todd Phillips tornou seu filme ainda mais grosseiro. Do outro lado, os que se incomodam profundamente justamente pela grosseria do filme.

Dar risada ou não em Se Beber, Não Case! Parte II é pura questão de gosto. Imagino que fãs do tipo de humor dos irmãos Farrelly, por exemplo, vão adorar a sequência/refilmagem de Phillips. Por estar na fronteira do gosto, penso que poderia haver outras leituras para a existência desses três homens – Stu, Phil e Alan – que não passam de adolescentes que projetam uma Tailândia como fuga da mediocridade diária.

Que tipo de homem é esse que só aceita viver (eu disse “viver”, não “sobreviver”) quando está a milhares de quilômetros de casa, num país estranho e profundamente bêbado? Como o humor que surge das constrangedoras situações que eles atravessam (aliás, nem considero que haja mesmo humor nelas) leva espectadores ao delírio?

Seria por que quem vai assistir a Se Beber, Não Case! Parte II se identifica tacitamente com o “bando de lobos” que embarca na esbórnia na Tailândia? Então somos todos reprimidos a fingir uma felicidade diária e permitir o gozo apenas num momento de exceção?

Da dezena de críticas que li até agora – adoraria compreender mais línguas para perceber a reação da crítica croata, dinamarquesa, alemã –, os textos batem na mesma tecla: perdeu-se a originalidade do primeiro, aumentaram as grosserias das piadas e repetiu-se todas as situações do enredo, sintoma de que a sequência justifica-se apenas pelo dinheiro a ser faturado. Cria-se uma falsa dicotomia entre politicamente correto e incorreto ou textos de críticos órfãos da catarse causada pelo primeiro.

Ainda acho que é o caminho mais fácil de leitura, talvez porque a crítica tenha gasto muita energia com Se Beber, Não Case! e agora, como o filme é um repeteco do primeiro, mudando apenas a cor local, resolveu engatar marcha lenta.

Entre discutir se Se Beber, Não Case! Parte II provoca risos ou não, ainda acho mais produtivo tentar entender como a humanidade se reflete, ou não, em Stu, Phil e Alan. Por isso, a crítica de Manohla Dargis é precisa ao dizer: “Nos dois filmes, adultos abandonam a existência diária, deixando para trás namoradas, esposas, pais e trabalho de forma a curtir, sentir, viver, e é por isso que esse tipo de comédia são melhores se encaradas como tragédias”.

Manoel de Oliveira e a rapariga loura

2011-05-17T17:27:00.001-03:00

Que Portugal é essa que tem a tecnologia (ilustrada por um moderníssimo monitor de computador) e a tradição (homem tem de pedir a mão da amada à sua mãe) lado a lado? Questão levantada indiretamente por Singularidades de uma Rapariga Loura, do centenário Manoel de Oliveira.

Macário é um contador que no escritório praticamente não tem papeis. Tudo é feito no ambiente virtual, no computador, com barulhinhos de teclado. Estamos diante de uma Portugal moderna, certo? Nem tanto: o rapaz vive uma numa prisão invisível na casa de seu tio e parece não ter espaço para exercer seu desejo, sair das amarras.

Os carros que vemos nas ruas de Lisboa são modernos, mas os costumes de seus donos não. Como vemos na cena do recital: parece que presenciamos uma reunião de elite do Século 19! Uma mulher (Ana Miranda) toca Debussy numa harpa (!)

Na atmosfera, Singularidades de uma Rapariga Loura (e só lá no final vamos saber porque a tal moça tem certas “singularidades”) vive entre o presente e o passado. Em O Estranho Caso de Angélica a genialidade de Oliveira vinha do desvario apaixonado do fotógrafo, o que há de mais encantador vem da construção da paixão de Macário (Ricardo Trêpa) e Luísa Villaça (Catarina Wallenstein, que me lembrou muito Lea Seydoux em A Bela Junie).

Como esse português filma bem o jogo da conquista! Ele olha atravessado, ela dá duas voltas no leque. Ele pega o papel e se aproxima da janela, tímido ao dirigir um olhar à musa; ela olha para baixo, mexe novamente o leque chinês.

Cada plano tem a duração certa, milimetricamente calculada. Oliveira faz pinturas que se movem. É verdade que Singularidades de uma Rapariga Loura tem uma estrutura mais simples, baseada no flashback que faz de Macário um narrador de seu próprio amor e desventura. Mas, mesmo que não se saia estatelado da sala de cinema

Em tempo, um elogio: Leon Cakoff, da Mostra Internacional de Cinema, é um dos responsáveis por possibilitar ao espectador brasileiro o acesso, na sala de cinema, à obra de Manoel de Oliveira. Ano passado, O Estranho Caso de Angélica abriu a Mostra e, se não tivesse adoecido, o cineasta centenário teria vindo ao Brasil.

Singularidades de Uma Rapariga Loura está em cartaz distribuído pelo selo da Mostra e numa linda cópia em 35mm!

O Cine PE 2011 não acabou

2011-05-12T16:31:00.000-03:00

Apesar de as exibições do 15º Cine PE terem acabado na sexta-feira, dia 6, parece que o festival ainda não terminou. Ou melhor: que a edição de 2012 já começou. Motivo: a aproximação (ou falta dela) do festival com a evolução do cinema feito em Pernambuco nos últimos 15 anos.

Na cerimônia de encerramento, um grupo de realizadores subiu ao palco do Teatro Guararapes para pedir “Menos Glamour, mais Cinema!”, conforme dizia uma faixa. No texto de balanço escrito para o Cineclick, comentei, na figura de um admirador estrangeiro dos vários cinemas que vêm de lá, a sensação de distância entre a produção e a janela de exibição dentro do Cine PE.

O sentimento é esse: a gente vê Um Lugar ao Sol despertar reações raivosas ou apaixonadas na Mostra de Tiradentes, Recife Frio conquistar os espectadores de Brasília, e muitos outros curtas e longas criarem possibilidades de diálogo com outros festivais. Mas não se vê a mesma reverberação desses filmes feitos em Pernambuco no festival local.

O protesto do encerramento do Cine PE teve mais um capítulo na noite de quarta-feira (11/5). Ressaltando que se trata de uma tentativa de diálogo, postura que talvez os realizadores hoje quarentões que se envolveram na feitura do renascimento da produção local em 1996, com Baile Perfumado, já não tenham mais paciência para bancar. Cabe aos mais jovens que ainda buscam se estabelecer como realizadores abrir essa porta.

O crítico Luiz Joaquim, do Cinema Escrito e da Folha de Pernambuco, nos conta que aconteceu uma reunião entre o grupo que pediu menos flashes, mais filmes. Segundo Joaquim, cerca de 30 realizadores discutiram oito temas que sugerem mudanças no formato do festival. A carta de reivindicações só será tornada pública quando chegar ao conhecimento de Alfredo e Sandra Bertini, organizadores do Cine PE, e do governo do Estado.

O 15º Cine PE não terminou. Ou o 16º já começou.

Em tempo: André Dib, crítico do Diário de Pernambuco, relatou, até com mais propriedade, essa sensação de distanciamento festival-realizadores e conversou com o diretor do Cine PE a respeito. Ah, Dib é autor da foto que ilustra este post.

Família Vende Tudo e a comédia arrogante

2011-05-02T17:40:00.000-03:00

-- de Recife*

Será mesmo que o público disposto a pagar os preços salgados dos ingressos de cinema, acrescido de algum combo de pipoca com refrigerante, rejeita qualquer comédia que não seja estrambótica? A questão do “gosto do público”, cuja tentativa de compreensão é sustentada tanto por dados de pesquisa quanto pela chutologia, é pertinente a Família Vende Tudo, exibido no domingo (1º de maio) aqui no Cine PE.

Pornochanchada, Zorra Total e comédia italiana se encontram nesse filme. Uma família pobre que rebola para sobrevier decide vender a filha para um cantor famoso e sair da miséria. Espera aí: rebobine, por favor: decide vender a filha para um cantor. É isso mesmo: como pacote de Trakinas no supermercado, Lindinha é oferecida para o primeiro endinheirado pronto a cair nas armadilhas de uma Maria Chuteira – no caso, uma Maria Violão, já que a vítima é o cantor Ivan Carlos. Sai o ser humano, entra a mercadoria. E está tudo bem, tudo ótimo.

Família Vende Tudo pisa sem dó em todos os seus personagens. Vai até o cotidiano do pobre, trata com arrogância a família do título, faz troça e oferece isso em forma de filme. O evangélico é um babaca com seus cultos risíveis cheio de música; a lésbica é uma dike que quer trepar com a gostosona (e burra) do filme, Luana Piovani; o cantor popular é um brega que precisa ser castigado pela Direção de Arte, disposta a dizer “olha como ele tem mau gosto”; o negro é um potencial bandido, como ilustra a sequência final.

O filme não está disposto a entender seus personagens, mas em utilizá-los como matéria-prima do riso em cima do pré-conceito – e dele não escapa ninguém. A sensação é de que o propósito é tirar sarro de todos eles. E a comédia já provou que não precisa ser arrogante para se dar muito bem com a atmosfera da classe média baixa: basta assistir a dois episódios do longa coletivo 5x Favela – Agora Por Nós Mesmos: Arroz com Feijão e Acende a Luz.

O brega

Durante a sessão aqui no Cine PE, lembrei da minha referência mais recente de cinema que vai a elementos populares (especialmente a música, chamada de brega ou romântica) e conta a história de uma família pobre: Falsa Loura.

Por que não surge a sensação de estranhamento com o filme de Carlos Reichenbach? Por que o correspondente do Ivan Carlos não é risível? Por que a ideia de príncipe encantado de Silmara (Rosane Mulholland) não provoca gargalhadas? Porque Falsa Loura não olha seus personagens de cima para baixo, estão todos no mesmo nível. Porque o filme respeita seus personagens.

Outro exemplo: o documentário Faço de Mim o Que Quero, de Sérgio Oliveira e Petrônio Lorena, que se infiltra na cena brega recifense. As músicas de melodia simples e refrões-chiclete estão lá, assim como as roupas coloridas e coladas dos dançarinos. E por que esse filme não causa estranhamento? Porque também está no mesmo nível do que retrata (tanto que, já na primeira cena, a câmera é encaixada dentro do carrinho do camelô de CDs, ou seja, conotando que estamos todos nesse barco e o filme não vem sacanear um universo com seus códigos próprios. Enquanto Faço de Mim o que Quero nos leva junto na toada, Família Vende Tudo faz troça do mesmo universo.

*O repórter viajou a convite da organização do festival e cobre o Cine PE também para o Cineclick

Contracorrente e os filmes gays

2011-04-25T14:00:00.000-03:00

Já quase saindo de cartaz em São Paulo, Contracorrente, o filme gay que andou impressionando plateias do Mix Brasil, Sundance e San Sebastián, é mais um filme com o enredo do amor proibido. Passaram-se mais de quatro séculos de Romeu e Julieta, o texto de Shakespeare que automaticamente nos associamos ao lembrar desse arquétipo, e ainda presenciamos filmes com esse mote. Sinal de que a instância do proibido é algo muito sério para a humanidade.

Mudam-se as cores, é verdade. Nesse filme peruano, um pescador casado e prestes a se tornar pai tem um romance às escondidas com um pintor que costuma passar férias na vila. Miguel e Santiago são os sujeitos desse amor que sucumbe porque a sociedade aponta o dedo e diz “não pode! Isso é feio!”.

É difícil resumir o tom do filme. Não é nem um conto de fadas, nem um retrato duro da impossibilidade do amor naquele contexto. Afinal, as lindíssimas paisagens naturais e os enquadramentos que valorizam a calmaria da praia suavizam os conflitos latentes. Daí resulta o que talvez haja de mais diferente no filme (sendo o que se segue apenas uma constatação, não um elogio): trazer um personagem que passou muito perto da felicidade, enquanto que na maioria dos filmes gays ou a ela é algo impensável (daí já saíram bons filmes) ou o momento social permite hiatos de respeito (desse tema saíram menos filmes bons).

Não podemos dizer que é um filme inocente, já que a postura de cada personagem é condizente com sua realidade. Santiago, o pintor, está mais disposto (assim como o Jack Twist de O Segredo de Brokeback Mountain) a bancar uma relação. Hipoteticamente justo, já que é um tipo urbano, classe média alta, artista – Javier Fuentes-León, o diretor, também é honesto ao lembrar que este mesmo personagem mais liberado tem uma mãe que, quando descobriu a homossexualidade do filho, se fingiu de morta.

Do outro lado, Miguel, o pescador não se acha gay e até esbraveja “eu não sou viado, caralho!”. Também idealmente justo, já que ele vive numa vila pequena, na qual o homem tem um papel a cumprir que não inclui, obviamente, gostar de outro homem. Ou seja, com uma representação fidedigna tanto de um lugar como dos personagens, Contracorrente não é mentiroso.

Então, por que é morno?

Porque falta cinema a Contracorrente. Fuentes-León comete uma série de equívocos comuns a realizadores vindos de países que não conseguem manter uma produção cinematográfica regular. A cor local é diferente, mas o determinismo do enredo e os escorregões narrativos são muito parecidos com o venezuelano Hermano.

Não falta posição política a Fuentes-León, já que a mensagem mais forte é que a covardia de Miguel decidiu o insucesso da relação e, quando ele tomou uma atitude, a Inês já era morta. Mas faltou a ele regularidade como diretor: ao filmar a transa de Miguel e Santiago, o peruano recorreu ao clichê da sombra que revela apenas pedaços de corpos e apostou numa fajuta poética de comercial de sabonete. Ao dirigir os atores, deixou que eles passassem do tom e indo para o melodramático. Ao mostrar insegurança, aceitou que a música tentasse dar conta do que faltou durante a filmagem.

Tristeza e felicidade

Chamo de pé-na-jaca um estilo de cinema gay que é anterior a Contracorrente. São filmes nos quais a essência resulta em: ser gay é uma merda ou porque o mundo é reacionário ou porque o respeito humano chegou muito tarde para alguns. Para mim, o exemplo mais forte dessa linha é Romance, o segundo longa-metragem de Sérgio Bianchi feito em 88.

A crítica costuma apontar (com razão, e nela me incluo) a falta de apuro da dramaturgia dos filmes de Bianchi – por isso a recepção, em geral, positiva a Os Inquilinos, seu filme mais recente. Porém, considero muito bem-vinda a aridez de Romance, a apresentação da falta de perspectiva dos personagens. Acima de tudo, a dificuldade do homossexual num momento em que a paranoia da Aids corria solta. Bianchi conseguiu captar uma era com sua câmera, assim como Cazuza fizera, na música, com Ideologia.

Mas esse estilo pé-na-jaca que denota que a vida é uma merda não é exclusivo dos anos 80. Ao defender para meu amigo Sérgio Alpendre o poder que eu vejo em Romance, ao mesmo tempo que torcia o nariz, Serjão me indicou um filme que talvez eu gostaria: Avant que J'oublie (Antes que eu Esqueça, nunca lançado comercialmente no Brasil), de Jacques Nolot, mais conhecido como ator.

Ele tinha razão: o filme é sensacional! Nolot fez um filme sobre o que eu chamo de segunda vertente do estilo pé-na-jaca em filmes gays: a liberação chegou muito tarde. No caso de Avant que j'oublie, Pierre Pruez sobreviveu como michê e só tem amigos que ou venderam serviços sexuais ou compraram. Num plano final melancolicamente degradante, o filme é um nocaute – mas que, de tão bom, dá vontade de rever diversas vezes.

Os mais jovens

Noulot, 67, e Bianchi, 65, são realizadores mais velhos. Já Daniel Ribeiro, que ainda não chegou aos 30, faz um cinema que se contrapõe ao pé-na-jaca: o mundo não é cor-de-rosa, mas nem por isso precisamos viver na escuridão. Nessa linha pertenceu seu premiado curta-metragem Eu Não Quero Voltar Sozinho.

O conflito, nesse filme, praticamente inexiste. É mais sutil e surge indiretamente mais por inveja e frustração de uma personagem do que por preconceito. Três vidas sustentam o filme: Leonardo, cego; Giovana, sua melhor amiga; Gabriel, o garoto novo no colégio. Ela tem uma queda pelo amigo, que está se engraçando pro lado do novato, enquanto este ninguém sabe o que ele sente.

Mas a atmosfera de Eu Não Quero Voltar Sozinho prioriza os conflitos do amor em detrimento dos da sexualidade. Estes existem, mas são menos importantes do que se o objeto do afeto irá corresponder ou não. Ou seja, o filme denota que, para os gays, a vida já não é uma merda e a era da escuridão diminuiu.

Romance, Avant que J'oublie e Eu Não Quero Voltar Sozinho (os dois primeiros com pontos de diálogo mais claros) representam dois tipos de postura política que resultam em filmes mais instigantes do que Contracorrente.

Em tempo: como não foi lançado nem em DVD no Brasil, baixe aqui o filme Avant que j'oublie e aqui as legendas do filme.
Em tempo 2: Daniel Ribeiro colocou no YouTube Eu Não Quero Voltar Sozinho. O link é este.
Em tempo 3: A Versátil lançou Romance em uma linda cópia que integra a caixa Os Filmes de Sergio Bianchi.
Em tempo 4: Contracorrente ainda está em cartaz.

Cópia Fiel nº3

2011-04-10T13:34:00.000-03:00

Simplesmente impossível parar de falar em Cópia Fiel que, me contaram os amigos de crítica, fez um tremendo sucesso na primeira semana em cartaz – 10 mil espectadores – provavelmente por causa do fator Juliette Binoche.

No filme, James (William Shimell), um escritor que vai à Itália para falar sobre seu premiado livro Copia Conforme, defende que pouco importa o que é original ou o que é reprodução na arte. O ponto nevrálgico e a construção de sentidos se dá pelo olhar do observador.

James e Elle são casados, como o filme nos induz a pensar, apesar dos desvios? Não interessa! Afinal, a dinâmica que se estabelece na (recém?) relação deles é tão verdadeiro, sincero e verosímel quanto qualquer outra relação duradoura. O nosso olhar de espectador é quem vai responder a pergunta.

Para ilustrar a questão, reproduzo um pedaço do texto de João Bénard da Costa, que me acaba de ser apresentado por Sérgio Alpendre por causa do curso de cinema japonês, sobre Os Amantes Crucificados, de Kenji Mizoguchi – Alpendre reproduz a integra do texto na apostila do curso.

Não sei quem é que inventou a história do “sorriso do eterno feminino” a propósito da Gioconda. Sei é que há quase cem anos ninguém pára no Louvre diante do quadro, sem observar primeiro o sorriso, depois o eterno e por fim o feminino. E, só depois de os ter inventariado todos, é que balbucia um lugar-comum qualquer sobre a impressão geral que a chamada Mona Lisa, vista ao natural, lhe provocou (hoje, com aqueles enormes vidros à prova de bala que para lá puseram, é cada vez mais difícil ter qualquer impressão).

Visitantes mais sofisticados já não vão nessa do “eterno feminino”. Mas param mais ao lado, em frente de A Virgem, o Menino Jesus e Santa Ana, para descortinar, nas três figuras, o abutre “sobreimpresso” que Freud lá viu e deu origem a um dos seus mais célebres ensaios sobre conteúdos manifestos e conteúdos latentes.

Depois da “leitura” de Foucault de Las Meninas (quanto a mim, completamente despropositada, mas essa é outra história) quantos visitantes foram ao Prado, não apenas para ver o quadro de Velázquez, mas para o comparar com a interpretação feita em Les mots et les choses? Eu próprio já levei Os Cadernos de Malte Laurids Brigge para o Museu de Cluny a fim de reler as páginas de Rilke sobre as tapeçarias de La Dame à la Licorne enquanto as revia com os olhos dele.

Proust foi talvez quem melhor escreveu sobre estas duplas visões: a do autor de uma obra e a do voyeur dessa obra. E, ele próprio, acrescentou à visão de Delft de Vermeer o “petit pan de mur jaune”, hoje quase tão célebre e quase tão citado como o próprio quadro, embora durante cerca de 250 anos ninguém o tivesse visto.

É completamente irrelevante perguntarmo-nos, como fazem alguns, mais cépticos ou mais cegos, se o que Freud viu, o que Rilke viu, o que Proust viu, está ou não está na obra em que o viram. Toda a visão é ideal (como toda obra de arte) e só por simpatia (no sentido etimológico da palavra) nos aproximamos dela. Se bastasse ter olhos para ver, os cegos seriam bem mais desgraçados e bem mais minoritários.

Também nada adianta perguntar - como muitas vezes se pergunta quando a evidência das duas visões é irrecusável - se tal pormenor ou tal sentido teriam sido “premeditados” pelo autor. A Gioconda pode continuar a ser o “eterno feminino”, mesmo que se venha a provar (como alguns sustentam) que o retrato não é de uma mulher mas de um rapaizinho; o quadro de Vermeer continua a dar-nos Delft em 1665, mesmo que em Delft nunca tenha havido tais cor-de-tijolo e tais cor-de-rosa e que Vermeer ficasse imensamente estupefato se lhe falassem de um “petit pan de mur jaune”. Sempre outras mãos pintaram ou escreveram pelas nossas mãos e sempre o amador se transformou na coisa amada.

Vai muito longo o preâmbulo. A coisa amada que hoje vos queria dar a ver chama-se Chikamatsu Monogatari. Batizaram-na no Ocidente como Os Amantes Crucificados (em Portugal nunca foi distribuída comercialmente) e realizou-a o japonês Kenji Mizoguchi ou Mizoguchi Kenji. Em 1954.

A íntegra do texto pode ser encontrado no site da Foco.

Em tempo: no post anterior sobre Cópia Fiel, o leitor Enaldo fez um comentário jocoso que, apesar do tom de brincadeira, é pertinente. Sim, Enaldo, quem disse que ela não estaria jogando todas as suas frustrações sobre o pobre coitado do escritor?

Amor e Revolução, a novela

2011-04-06T15:52:00.001-03:00

Este blog falando de novela? Sim, porque o tema pede. Contrario o senso comum e acho que ainda falamos muito pouco da Ditadura Militar (1964-85). Pior: estamos longe de abrir integralmente os arquivos das forças armadas e, pior ainda, a quilômetros de distância de punir torturadores e apoiadores das violações dos direitos humanos.

Por isso, este blog decidiu falar de Amor e Revolução, a novela que estreou na noite de terça-feira no SBT. Numa entrevista, o autor Tiago Santiago comentou decisões, especialmente a de não abarcar integralmente o principal período de repressão (governo Médici, 1969-74) – o enredo cobre de 64 a 71 e, segundo o autor, há possibilidades de estender até a guerrilha de Caparaó.

Minha esperança – claramente naïf, eu sei – é que o tema Ditadura Militar deixe de ser tão distante da população, encarado apenas como assunto de livros chatos. Quem sabe o telespectador que acompanhar Amor e Revolução não descobrirá, no meio do caminho, um Cidadão Boilesen?

Em se tratando do discurso nas entrelinhas, o primeiro capítulo não é um desastre. Não se esconde que os militares torturaram (o episódio de ontem terminou com o início de uma sessão de tortura e um depoimento real – nos moldes das novelas de Gloria Perez – de uma militante violentada na frente dos filhos). Santiago parece que irá guiar o enredo entre o Bem e o Mal. À priori, os militares que deram o golpe são os vilões (justo) e os estudantes são os mocinhos que defendem a legalidade de um governo eleito democraticamente (justo). Não sei se a banda vai tocar dessa maneira durante os 180 capítulos e se tudo será tão preto no branco.

Também ficou claro que, apesar de os acontecimentos da época da repressão serem o colchão dramático, o enredo vai investir no arquétipo shakespeariano do amor impossível. José Guerra (Cláudio Lins), o militar, e Maria Paixão (Graziella Schmitt), a estudante.

Minha fração esperançosa torce para que o que aconteceu na última Ditadura do Brasil caia na boca do povo e, por algum milagre, avance a média do conhecimento daquele período. Já a fração mais desesperançosa morre de medo que palavras sejam pronunciadas ao vento sem maior esforço em significá-las (“comunismo”, “ditadura”, “democracia”, “estudantes”, “repressão”) – seguindo aquela capacidade espantosa das novelas de tornar tudo vazio.

No primeiro capítulo, a falta de contextualização já deu as caras. O que significaram os três anos do governo democrático de João Goulart? Como a elite reagiu às suas tentativas de reformas, especialmente a agrária? Qual classe econômica que deu suporte financeiro aos militares para darem o golpe? Questões pré-golpe de Estado que ficaram longe deste início de Amor e Revolução.

O telespectador que não sabe que dois mais dois são quatro já se tornou vítima de parte do discurso simplista: os estudantes queriam implementar o comunismo (conceito que cada vez mais tem sido usado de maneira vaga, assim como “mise-en-scène” no cinema) e os militares decidiram impedir – nas entrelinhas, deu para sentir um clima de “eles foram levados a dar um golpe”.

A esperança me diz para enxergar em Amor e Revolução um caminho para popularizar um tema ainda discutido em nichos – a questão da abertura dos arquivos é chave nisso. A falta de esperança me diz que raramente novelas se dispõem a aprofundar algo e repetem falsos lugares-comuns.

Torço para que a esperança vença e, quem sabe, filmes como Cabra-Cega, Quase Dois Irmãos Batismo de Sangue, Que Bom te Ver Viva, Hércules 56, Pra Frente Brasil O Ano em que Meus Pais Saíram de Férias sejam resgatados, revistos e discutidos.

Naïf, mas qual o problema? Qualquer crítico de cinema disposto, nos dias de hoje, a ir além dos filmes do circuito comercial ou não resumir seus textos a indicadores de consumo já é um sonhador.

Em tempo: para os leitores que se interessam pelo tema, neste link tem uma entrevista que fiz com o Chaim Litewski, diretor de Cidadão Boilesen, quando o filme estreou nos cinemas -- hoje está disponível para locação em DVD.

Em tempo 2: Rodrigo Siqueira, diretor de Terra Deu, Terra Come, que votei como Melhor Documentário na eleição do Festival Sesc Melhores Filmes, me disse que está iniciando a preparação de um filme sobre a manipulação do processo de Anistia, outro tema espinhoso. Mas o projeto ainda está em fase embrionária.

Elizabeth Taylor (1932-2011)

2011-03-23T13:55:00.000-03:00

Cresci ouvindo quem era Liz Taylor. Meu pai, um apaixonado por cinema, foi o primeiro a me influenciar. Cinéfilo que acompanhou quase tudo que Hollywood fez entre 1940 e 1960, seu Nelson costumava me contar os filmes, o enredo, cenas marcantes, músicas épicas, antes mesmo de eu poder assisti-los.

Assim conheci Liz, de ouvido. Quando assisti, no início da adolescência, a Cleópatra, uma coisa me encantou: aqueles olhos violetas! O tempo passou, passei a assistir seus filmes com outro olhar. Descobri uma linda estrela e uma atriz mediana, muitas vezes subaproveitada.

Para o Cineclick, escrevi um perfil um pouco mais aprofundado da carreira de Liz Taylor. Aqui no blog quero deixar registrado o sentimento de encarar a foto da atriz. Cleópatra não está na lista de seus melhores filmes, mas esta imagem, assim como o retrato de Marilyn Monroe feito por Andy Warhol, permanece na memória. Para sempre.

Chico Xavier, mães ou cartas

2011-03-18T15:59:00.000-03:00

Tudo é questão de olhar, como diria Kiarostami em Cópia Fiel, ou de expectativa. Num festival de cinema, espero ver filmes instigantes, já que a programação de circuito, com poucas exceções, está cheia de filmes medíocres. Em Paulínia no ano passado tivemos a projeção do documentário As Cartas Psicografadas por Chico Xavier.

Um trecho do texto publicado à época: Exibido no domingo (18/7) aqui em Paulínia, o documentário evidencia as opções da diretora. Primeiro: profundo respeito pelas histórias dessas mulheres; segundo: um debate em torno da representação cinematográfica da ausência; terceiro: receio de que suas intervenções desrespeitassem a forte dor da perda.

Preocupações fundamentais para quem decide fazer um filme sobre esse tipo de emoção. A decepção com As Cartas Psicografadas por Chico Xavier está em como essas mesmas preocupações transformaram a forma do filme numa prisão.

Daí pra frente, enumero alguns porquês, na minha visão, de o filme tornar-se enfadonho. Por conhecer a coerência do trabalho de Cristiana Grumbach, provavelmente fui com muita sede ao pote e não me satisfiz com o filme dela – que depois foi remontado para estrear em circuito.

É tudo questão de olhar provocado pela expectativa. Esperava muito de As Cartas Psicografadas por Chico Xavier e saí insatisfeito. Então, há dois dias assisti à ficção As Mães de Chico Xavier. O filme de Cristiana praticamente se tornou uma obra-prima aqui na minha cabeça.

A despeito das minhas críticas às opções formais, seu documentário preferiu um olhar humano para a religiosidade do espiritismo. Como as mães que perderam os filhos sobrevivem à dor? As cartas, como ilustra o filme, são o principal mecanismo de escape. O resultado é um documentário que interessa pela perspectiva humanista, apesar da premissa religiosa (não do filme, mas das personagens).

Do outro lado da trincheira está As Mães de Chico Xavier, filme com propósitos distintos, os quais destrincho na crítica para o Cineclick. Enquanto o primeiro é de interesse humano, o segundo é estritamente religioso, escolha que resulta numa produção que trabalha pelo convencimento, mesmo que discreto. Recorrendo a uma metáfora barata, em vez de empurrar para o precipício, As Mães de Chico Xavier põe a mão no ombro e diz: “vamos?”.

Saldo: entre a secura ou o derrame de lágrimas da estética da dor de ambos os filmes, fico com o primeiro. Mesmo que As Cartas Psicografadas por Chico Xavier tenha me feito revirar na confortável cadeira do Theatro (com “th”) Municipal de Paulínia muitas vezes.

Cópia Fiel, de Abbas Kiarostami

2011-03-16T15:59:00.001-03:00

Cópia Fiel é uma equação que inexplicavelmente que dá muito certo. Um filme de rigor e precisão formal que, em vez de frigidez, exala em seus poros um âmago vultoso e amigável. Abbas Kiarostami nos apresenta uma obra de tremendo apuro estético e sentimental, filmado de maneira sublime com olhar cheio de frescor sobre uma relação amorosa. É belo pela forma e pela emoção, razão e coração.

Um filme aparentemente simples. Afinal, trata-se apenas de uma discussão na relação d’Ela (Juliette Binoche) com James (William Shimell). Ele, britânico, chega à Itália para lançar seu novo livro, Copia Conforme. É assim que Cópia Fiel começa: uma mesa com uma garrafa de água, dois microfones e um exemplar do livro. Não há ninguém para falar, apenas o zunzunzum do público que aguarda. Após atraso, James entra em quadro.

Enquanto versa opiniões sobre a essência do livro – onde está a originalidade ou a cópia na obra de arte? – Ela atravessa o quadro e se senta na primeira fileira. Quem é esta mulher? Eles se conhecem ou são estranhos? Com que direito acomodou-se num assento reservado? Por que, na presença do olhar curioso d’Ela, James não se abala e continua a desenvolver suas ideias sobre o novo ou a reprodução deste.

Durante a palestra, James diz que gosta da palavra “original” por conta de sua etimologia, que remonta a nascimento. Porém, “original” também é arquétipo e, mesmo a relação do casal do filme sendo, talvez, de mentira, ela é inteiramente verdadeira. Tudo depende do olhar. Uma relação, ao mesmo tempo, igual e particular, porque o cinema lhe deu esse status. Só o cinema para nos fazer compartilhar de uma história que, de tão comum no cotidiano, passa despercebida ao nosso redor.

As belas paisagens da Toscana tiram Cópia Fiel da ambientação sonora muçulmana para levá-lo a um registro praticamente novo na obra de Kiarostami, o cristão. Sinos badalam, o sotaque italiano afaga os ouvidos, o barulho dos pássaros nos exige uma outra colocação do tempo. A câmera passeia por construções históricas, cafés charmosos e espaços tradicionais de arte. “A Itália é um museu a céu aberto”, diz uma personagem.

Mas não se trata da câmera-cartão-postal, e sim de ambientação. Esta história de amor autenticamente imitada só faz sentido na Itália? Indiretamente, Cópia Fiel defende que sim, ao colocar que na Toscana, repletas de esculturas e pinturas, é pertinente esse questionamento formal, que responde não só ao enredo, mas ao próprio filme: como encontrar originalidade na linguagem cinematográfica se ela já alcançou desenvolvimento pleno há mais de cinquenta anos?

Assim, pouco importa que a relação de Ela com James ou o próprio filme não sejam os primeiros a existirem, mas que guardem um olhar vivo capaz de refrescar a percepção humana e cinematográfica. Como a maioria dos grandes filmes, Cópia Fiel fala da vida e do cinema. Fica até difícil dar conta de um filme com tantas portas apenas nesta crítica.

É a melhor obra lançada nesses primeiros meses de 2011 ao lado de Tio Boonmee, que Pode Recordar Suas Vidas Passadas. É filme para se assistir mais de uma vez: na primeira, surge o gosto; na segunda, o êxtase. Cópia Fiel me deixou extasiado.

A seleção da Holanda (ou Cidadão Kane)

2011-03-14T14:55:00.001-03:00

O Brasil era favorito, acabara de se sagrar tri-campeão mundial na Copa de 70. O melhor jogador da história já se aposentara, mas Rivelino e Jairzinho ainda estavam em grande forma. Começamos mal, mas nos achamos no hexagonal graças aos camisas 10 e 7. Só que, no caminho do tetra em 1974, tinha uma laranja. Ou melhor, várias, um carrossel.

Numa partida pra lá de violenta, caímos. Jogo equilibrado no primeiro tempo. Leão com duas defesas maravilhosas e Jairzinho quase achando um gol. O segundo tempo começa e, aos 9 minutos, numa bobeada da zaga, Neeskens dá um carrinho para alcançar o passe de Cruyff e encobre Leão. 1 a 0.

Assim como nas suas partidas anteriores da Copa da Alemanha Ocidental, cozinharam o jogo. Toca daqui, toca dali, uma infiltração aqui, uma ultrapassagem acolá e, pimba, segundo gol, desta vez de Cruyff. Ficamos em segundo no hexagonal (não havia semifinal, os finalistas eram definidos pelos primeiros colocados do Grupo A e B) e fomos disputar o terceiro lugar.

A Holanda não ganhou o título, iniciando em 74 sua longa tradição de, a despeito do tom laranja, amarelar nas horas decisivas. Mas também se iniciava o reconhecimento mundial do estilo de futebol apelidado de “carrossel holandês”.

Movimentação constante, jogadores sem posição fixa (Cruyff ora buscava o jogo na intermediária defensiva, ora cabeceava como centroavante), ultrapassagem dos laterais, chegada dos homens de trás, exímia linha de impedimento. Um conjunto de fatores que mudou o futebol nos anos 70, mas que hoje fazem parte do bê-á-bá futebolístico.

Qual lateral que em 2011 não faz uma ultrapassagem? E os volantes, os tais jogadores modernos, com a função de marcar e chegar ao ataque? E a linha ofensiva que precisa se movimentar para confundir a marcação dos defensores? No Século 21, estas são posturas obrigatórias, mas que já foram inovações um dia. Se observadas por um olhar anacrônico, fica até difícil enxergar a revolução.

Aí entra Cidadão Kane. Qual jovem cinéfilo não ouviu que a obra-prima de Orson Welles era fenomenal e decidiu assistir, mas pouco enxergou de diferente no filme? Quantos foram com sede ao pote, mas pouco conseguiram beber?

Aí está o tendão de Aquiles quando visitamos clássicos, seja no futebol ou no cinema, de épocas que não vivemos: o anacronismo. Um cinéfilo não pode se permitir este tipo de equívoco, sob o preço de perder o sabor de apreciar um filme revolucionário. Muito da narrativa cinematográfica que Welles preconizou tornou-se arroz com feijão de um diretor contemporâneo. Por isso, é preciso perspectiva histórica e conhecimento do contexto.

São dois detalhes que ajudam passar longe de outros dois deslizes: não enxergar os porquês de um clássico (clássico mesmo, não no uso borra-botas e arroz de festa da definição) ter chegado a esse status e afirmar que certos filmes são revolucionários ou originais, sem reconhecer seus avós.

Mas... se formos adiante entraremos na discussão da originalidade, o papo é longo e previro deixar nas mãos de quem é gênio, Abbas Kiarostami, e o lindo Cópia Fiel.

O mundo está muito errado (mas dá-se um jeito)

2011-03-11T17:27:00.001-03:00

Para ilustrar o post reclamão abaixo -- na parte cinematográfica, não futebolística --, tomo a liberdade de pegar um trecho publicado no blog do Sérgio Alpendre e reproduzido da revista espanhola Dirigido Por...:

"Cuando Tom Cruise me vino a ver y me propuso que hicieramos Misión Imposible 2, le pregunté si estaba loco. A quien se le ocurriria hacer dos veces la misma pelicula? Le pregunté si se le ocurría alguna otra razón que no fuera el dinero que ibamos a ganar y es lo que yo siempre me pregunto. Es que estamos en esto sólo para ganar dinero?"

Será que vivemos só para ganhar dinheiro?

Bruna Surfistinha

José Geraldo Couto, em seu novo espaço de discussão cinematográfica, faz uma análise precisa de Bruna Surfistinha, o filme. Sem perder muito tempo com as cascas, Zé vai no sabor da fruta:

"Se, entre todos os gêneros que se entrecruzam em Bruna Surfistinha, fosse necessário definir um, eu diria que é um filme de auto-ajuda, com uma vaga mensagem de “acredite nos seus sonhos” ou “faça as coisas ao seu modo” e “você vencerá”. Se precisar abrir as pernas para isso, tudo bem. Se puder publicar um best seller, melhor. O importante é que depois, com o dinheiro ganho não importa como, você se “legalize” e se integre à sociedade “bem”, com marido, filhos, carro na garagem, flores na janela e cartão de crédito no bolso."

Como é lindo ler um texto que não gasta linhas à toa.

Cinefilia

Marcelo Miranda, mineiro de O Tempo, e Luiz Zanin Oricchio, paulistano de O Estado de São Paulo, fizeram boas entrevistas com o pesquisador Antoine de Baecque a respeito do livro Cinefilia, lançado pela Cosac Naify. Vale a pena ler tanto o Marcelo quando Zanin.

O mundo está muito errado

2011-03-09T17:35:00.000-03:00

- Depois de ler a crônica do Xico Sá sobre o que ele denomina "homem-tuppaware", Roberto Guerra, editor do Cineclick, me diz que existe um negócio chamado "complexo de panda". Trata-se de homens que têm preguiça de fazer sexo. Repito: preguiça. Roberto conta mais sobre o que é o tal complexo.

- Paulo Gadioli escreveu uma notícia hoje aqui no Cineclick dizendo que Guillermo Del Torno não conseguiu viabilizar um filme porque a Universal achou arriscado investir e que não daria retorno. Vou repetir: Del Toro, mesmo tendo Tom Cruise comprometido para protagonizar e James Cameron como produtor, não conseguiu viabilizar um filme seu. Não dá para esperar mais nada de Hollywood mesmo! Aquele intervalo no final dos anos 60 e meados dos anos 70 estão mais que sepultados. A ditadura da mediocridade, sem dúvidas.

- Enquanto jogadores do futebol brasileiro dão toquinho de lado, o armador turco Mehmet Topal, do Valência, deu um drible à Garrincha na partida contra o Schalke 04 pela Liga dos Campeões. Depois do malabarismo, um cruzamento que resultou no primeiro gol do jogo. E o Barcelona, que eliminou o valente Arsenal, joga como atuava a seleção brasileira de 82 ou como qualquer time que tivesse Afonsinho como camisa 8: tocando, tocando... até progredir.

- O Discurso do Rei, filme que considero uma sequência interminável de sexo papai e mamãe, ganhou quatro Oscars (Filme, Direção, Ator, Roteiro Adaptado). "Grande filme, um dos melhores dos últimos tempos", "Delicado, retrata bem uma época", "Tem um humor tipicamente britânico", "Sua sutileza não é compreendida" foram alguns dos comentários que já ouvi em defesa do filme.

- O Peter Crouch, grandalhão atacante do Tottenham, faz mais faltas do que qualquer volante carniceiro! Cocito é um doce perto dele. Até a metade do segundo tempo, já havia feito oito faltas.

- A Folha deu uma matéria no Cotidiano contabilizando as promessas cumpridas ou não do Kassab no segundo mandato. Cada vez que o repórter ia citar o que o prefeito já havia feito, não deixava de colocar "medida importante" antes da frase. Precisa de tanto medinho para traçar uma crítica?

- O Ibrahimovic é o único jogador que eu conheço que, na hora de xingar ou reclamar consigo mesmo, fala na língua estrangeira do clube pelo qual atua, em vez de sua língua nativa. Assou-Ekotto errou um chute e bradou merde. Ibrahimovic, per favore.

- O Milan não está jogando nada e empata em zero a zero o confronto com o Tottenham. Precisando ganhar, Maximiliano Alegri, o técnico, troca um lateral esquerdo por... outro lateral esquerdo!

O mundo está torto, é isso.

Cala a boca, Glauber!

2011-03-04T15:08:00.000-03:00

André Setaro postou em seu blog um texto que coloca em questão o significado de se montar um cineclube hoje em dia e em que medida a banalização da imagem contribui para reduzir o alumbramento que temos em relação ao cinema.

Registro sério feito, vamos ao cômico: em uma parte do texto, Setaro lembra, fraternalmente, da importância de Walter da Silveira para a cinefilia dos baianos. Mas, lá pelas tantas, faz um parêntesis que me fez rachar de rir. A ele:

"Walter da Silveira fez ver, aos baianos de província (mas uma província muito agradável bem diferente da cidade engarrafada de hoje), que o cinema, além de um bom divertimento, era, também, a expressão de uma arte. O próprio Glauber Rocha, quando de sua morte, em novembro de 1970, em artigo para o Jornal da Bahia, confessou que o ensaísta fora seu grande mestre, que aprendeu a ver cinema através das palavras de Walter da Silveira. E conta, num artigo, o esporo que este lhe deu, quando, numa exibição de O encouraçado Potemkin, numa sessão matutina no cinema Liceu, conversava, durante a exibição, com um amigo. Walter, percebendo o arruído, deu-lhe tremendo esporo, segundo palavras do próprio Glauber que, conta, nunca mais falou durante a projeção de um filme, tal a indignação do mestre diante do jovem tagarela."

OK, Walter da Silveira é mais do que uma anedota. Mas este causo...

Qual o rumo dos festivais?

2011-03-04T12:55:00.001-03:00

Na terça-feira, a Pró-Cultura, que faz a assessoria tanto do pólo de cinema de Paulínia quanto do festival, anunciou que o evento da cidade irmã de Campinas aumentou consideravelmente os prêmios aos vencedores.

Em vez dos R$ 150 mil do ano passado para Melhor Filme, em 2011 teremos R$ 250 mil. Vou repetir: R$ 250 mil! Brasília deu R$ 80 mil, Cine Ceará R$ 16 mil e É Tudo Verdade, festival de documentários, dará R$ 100 mil, o mesmo prêmio que Paulínia reserva neste ano para docs.

Pergunto: o que acontecerá com os festivais de cinema brasileiro que costumam selecionar as produções em 35mm, geralmente orçadas entre R$ 1 e R$ 4 milhões? Como Gramado, Festival do Rio, Cine PE, Brasília e Cine Ceará vão manter sua capacidade de atração a esse tipo de cinema incentivado?

No ano passado, com a mudança de curadoria, que passou para as mãos de Sérgio Sanz e José Carlos Avellar, Gramado mudou um pouco de cara, se afastou dos flashes e se dividiu entre filmes como Bróder e O Último Romance de Balzac. Em 2010, Brasília mudou seu perfil, tentando se aproximar de um fazer cinematográfico um pouco diferente.

No ano passado, tanto o festival em Recife quanto o de Fortaleza tiveram um leque menor de opções na hora de selecionar longas-metragens. Acho que, quando Paulínia entrou no calendário de Festivais em 2008, o Cine PE foi afetado de imediato.

Como vai ficar a Première Brasil do Festival do Rio deste ano? Esta mostra do evento carioca tem conseguido, nos últimos anos, atrair os melhores filmes deste modelo de produção – o cinema incentivado e feito em 35mm –, mas como será 2011 frente à possibilidade de Paulínia trazer Selton Mello (O Palhaço), Vicente Amorim (Corações Sujos), Marco Dutra e Juliana Rojas (Trabalhar Cansa), Toni Venturi (Estamos Juntos) na competição e, talvez em exibição especial, Cao Hamburger (Xingu) e Cláudio Torres (O Homem do Futuro)?

Estou com a sensação de que haverá uma polarização entre dois festivais. De um lado, Paulínia, com seu prêmio vultoso e uma geração de mídia muito maior do que em outros eventos. Do outro, a Mostra de Tiradentes, com sua habilidade em acompanhar um cinema cujo modelo de produção é uma alternativa ao incentivado e fomentar a reflexão sobre o cinema brasileiro.

Em que posição ficarão os outros festivais de cinema? Coadjuvantes?

Zé Geraldo Couto voltou!

2011-03-02T17:59:00.000-03:00

Breaking News! José Geraldo Couto, cujos textos costumam ser colírio a clarear o olhar sobre um filme, inaugurou um novo blog após a saída da Folha. Para chegar até lá, é só clicar neste link.

O primeiro texto fala de Um Amor Tão Frágil, filme que a Lume lançou em DVD em fevereiro. Boa leitura e vida longa ao blogdozegeraldo.

Passagem para a Índia (ou a paixão por David Lean)

2011-02-23T18:18:00.000-03:00

Em Gramado, ano passado, tinha um jornalista uruguaio no grupo da imprensa estrangeira que cobria o festival de cinema. Na ocasião, Marcus Mello, crítico da gaúcha Teorema, comentou comigo sobre um certo culto da crítica uruguaia em torno dos pequenos dramas do inglês David Lean.

Pronto, vou me mudar para o Uruguai, porque sou um apaixonado por David Lean. É até difícil reconhecer os erros quando se louva a um cineasta, mesmo quando ele faz um filme médio como Grandes Expectativas (1946).

Mas existe alguma coisa no cinema dele, seja nos dramas pré-Hollywood, seja nos projetos milionários filmados em Panavision, que me encanta. Talvez o uso preciso, dentro de sua narrativa clássica, das metáforas e símbolos. Talvez seu trabalho como montador, que denota nos planos de seus longas uma precisão do que filmar (será viagem minha?).

O fato é que David Lean é uma descoberta relativamente recente para mim. Liderando a minha lista de preferidos está Desencanto (1945), um pequeno filme grande. Como comove acompanhar a castração à qual Laura (Celia Johnson) se submete para esquecer o acidental (será?) romance com o dr. Alec (Trevor Howard)? Como não se encantar pelo uso do som dos trens para representar a confusão da personagem? Como não se imbuir dos close-up que perfuram a alma de Laura?

Mas este post não é para fazer um balanço da carreira de David Lean, mas quer falar especificamente de Passagem para Índia. Quando o assisti achei que fosse da safra de A Ponte do Rio Kwai, ou seja, meado dos anos 50. Qual minha surpresa quando acabam os créditos e, tcharam, é de 1984! Não só, trata-se do último longa dirigido, montado e adaptado para os cinemas de Lean, que morreria sete anos depois.

Um filme como esse durante os anos 80 parece um óvni. Tem dois aspectos que gostaria de comentar. O primeiro diz respeito a uma abordagem psicológica e outro é sexual.

Passagem para Índia, um multindicado ao Oscar que foi derrotado frente a Amadeus e Um Lugar no Coração, é ambientado nos anos 20, quando a Inglaterra ainda era a metrópole, enquanto os indianos vivam subjugados como colônia. Nesse cenário de clubes restritos aos brancos e ricos, Adela (Judy Davis) vai para a Índia conhecer onde seu futuro marido trabalho como juiz.

Perdida, ela acha um cúmulo a discriminação e, ao lado da futura sogra senhora Moore (Peggy Aschcroft), quebra barreiras e inicia amizade com o médico indiano Aziz (Victor Banerjee), a contragosto do noivo Ronny (Nigel Havers).

Muita coisa acontece em 164 minutos de filmes. Uma ponta interessante que Lean deixa aberta no roteiro que adaptou do livro de E.M. Foster é o desejo. Adela fantasia ser possuída por Aziz, mas jamais iria assumir este fato. Então, numa operação de proteção, ela deixa de ser sujeito do desejo e se torna objeto, jogando o suposto interesse nas atitudes de Aziz. Ou seja, na interpretação da moça, é ele quem a deseja. Assim, ela está mais que resguardada para dizer “esse indiano atentou contra mim”.

Insinuação homossexual

O cinema mainstream clássico está abarrotado de exemplos de enredos que insinuam afeto homoerótico – quem não se lembra de Festim Diabólico, de Hitchcock? No filme de Lean, é muito tênue a linha que separa a atmosfera camarada da homossexual entre Aziz e seu protetor branco, Fielding (James Fox).

Numa sequência marcante, Fielding vai ao bangalô do amigo contar que Adela irá à falência se o médico indiano mantiver o pedido de indenização. Aziz mostra-se irredutível. Chega o cortejo que vai saudar sua libertação.

- Você não vem comigo, Fielding?
- Acho que não.

A câmera mantém-se concentrada no rosto de Fielding. Começa a chover (água a representar o choro que não pode ser demonstrado?). A câmera abandona o britânico e vai de encontro a Aziz que, no meio da multidão a festejar, derrama muitas lágrimas sob uma maquiagem carregada.

Sequência que deixa abertas todas as pontas homossexuais que quisermos puxar.

O Discurso do Rei, um burocrata

2011-02-09T15:47:00.000-02:00

Muitos filmes crescem dias depois de serem assistidos. No caso do drama histórico de Tom Hopper, tem acontecido o oposto. A cada dia que passa, o filme tem caído mais e mais. Resumindo o incômodo que ele traz: O Discurso do Rei é como fazer sexo “papai e mamãe” por dois anos interruptos. Sem gosto, novidade, aventura ou surpresa.

Dá para falar que é ruim? Claro que não, já que é tecnicamente irrepreensível, certinho. Mas todos os elementos do filme são irritantemente quadrados e previsíveis. Especialmente direção e roteiro, que deixam claro que se trata de uma história de superação com final feliz.

Apontar a caretice desse filme é uma birra com a narrativa cinematográfica clássica? Não. Pensemos no maior expoente desse estilo de cinema vivo, Clint Eastwood – do qual, infelizmente, ainda não vi Além da Vida. Mas pego dois filmes bons da safra recente, Gran Torino e A Troca.

Nestes filmes, os enquadramentos de Clint são soberbos, enquanto os de Tom Hooper são de um burocrata. Os roteiros com os quais o veteraníssimo trabalha permite idas e vindas dos personagens, subidas e descidas, felicidades e tristezas. No caso do trabalho de David Seidler, o espaço para escorregões da vida são mínimos: George VI, o gago, conhece Lionel Longue, o professor, e inicia uma jornada sempre para cima, tendo como cume a superação do protagonista.

Pensemos também na abordagem psicológica dos porquês da gagueira do futuro rei George VI. O Discurso do Rei entrega ao espectador, sem pedir muito esforço dele, as razões: criação opressora, o medo de se tornar a sombra do irmão mais velho e de admitir seu desejo de assumir o trono. É só juntar “lé” com “cré” que fica bem simples de entender a composição do gago mais famoso da Inglaterra.

Quando quer entrar na mente de um personagem e em seu espírito de superação, Clint não tem medinho de causar dor – por exemplo, Sobre Meninos e Lobos ou Menina de Ouro.

Resumindo, acho um equívoco subentender que quem aponta em O Discurso do Rei uma caretice exagerada é movido por uma premissa anti-narrativa clássica. Está aí Clint Eastwood, por exemplo, para me socorrer.

Em tempo: uma crítica mais elaborada sobre o filme de Tom Hooper, que deve,a propósito, papar o Oscar deste ano, foi escrita para o Cineclick [clique aqui].

Em tempo 2: Para o The New York Times, Manohla Dargis abre assim sua crítica: “Filmes britânicos que chegam às telas americanas nos dias de hoje geralmente se encaixam em dois estilos: a vida é miserável e a vida é doce (pegando emprestado um título do diretor Mike Leigh, que costuma oscilar entre ambos). Dada a qualidade dos protagonistas e o alto perfil comercial (ding-dong, é o Oscar chamando), não é surpresa que O Discurso do Rei, uma história camarada sobre dois personagens charmosos e agressivamente opostos – Colin Firth como o gago que se tornaria rei e Geoffrey Rush como o terapeuta do discurso –, vem com um montão de colheres de açúcar”.

Luc Moullet, o provocador

2011-02-06T23:30:00.000-02:00

“Eu não gosto de westerns. É por isso que gosto de Rio Bravo”. O autor da frase é o crítico e cineasta Luc Moullet, que eu não conhecia (nem a ele, nem a frase) até ser devidamente apresentado pelo meu amigo Sérgio Alpendre.

Felizmente, existe a mostra “Luc Moullet – O Cinema de Contrabando”, acontecendo até dia 20 no CCBB de São Paulo, organizada por Xiquinho, Rafael Sampaio, Maria Clara Escobar, Remier Lion e Anne Fryszman. Retrospectiva integral de uma pessoa provocadora.

Provocações fora do parâmetro, do esperado. Diz-se que Moullet é um dos filhos da Nouvelle Vague. Porém, realiza filmes que funcionam como resposta a quem aprisiona os cineastas de hoje aos cânones do passado. Diz-se também que Godard está na lista de fãs do cineasta, mas aí Moullet faz filmes que ironizam ou contestam o peso de Godard para o cinema de hoje.

O fato é que Moullet é um provocador, não um polemista. Suas piadas e filmes que sinceramente assumem sua precariedade criam um desconforto no espectador. É difícil ser a mesma pessoa depois de assistir a um filme dele.

Por exemplo, em O Prestígio da Morte (2007). Nele, Moullet interpreta um cineasta que bola um super plano para conseguir financiamento para seu próximo filme: forjar a própria morte, por que não? Assim, a televisão que sumariamente o ignora daria visibilidade à sua obra e o colocaria no panteão dos imortais. Os produtores que tantas vezes lhe bateram a porta na cara enalteceriam sua obra. Moullet voltaria depois do golpe, e voilá, show time!

Uma piada muito séria sobre o sistema de produção, o conceito de cineasta irretocável que só interessa como integrante de um passado ao qual acessamos como se estivéssemos abrindo uma gaveta de um museu. Sobre os mitos, as obras-primas, os deuses do cinema. Moullet cutuca aos outros e não se leva a sério jamais: qual é o prestígio trazido pela morte?

Ainda não li os escritos de Luc Moullet como crítico de cinema. Mas, em relação aos seus filmes, após ter assistido a quatro deles, fico com a sensação de que, além da ótima verve cômica, são imprescindíveis para qualquer espectador que queira tirar a bunda de sua confortável cadeira intelectual.

Em tempo: falando em ironizar Godard – cineasta, vejam bem, pela qual tenho apreço –, me lembro de um outro curta divertidíssimo, brasileiro, de Paulo Gregori, o JLG/PG. Não me esqueço de uma sequência com uns dizeres na tela: “Um filme sobre o desprezo do homem que fez um filme sobre o desprezo... GODARD... GOD?”. Aos curiosos, o curta-metragem de Gregori está aí embaixo:

JLG\PG from Marluco on Vimeo.