A censura de A Serbian Film - Terror Sem Limites

Na semana passada, já havia comentado a censura à produção A Serbian Film - Terror sem Limites que, após ter sua exibição vetada no Rio teve a única cópia em 35mm disponível no Brasil apreendida pela Justiça [entenda o caso aqui].

É um caso grave de censura calcada em argumentos falaciosos. Não se trata de defender esse ou aquele filme, mas sim o direito de escolha do espectador em assistir ou deixar de assistir o que lhe aprazir. Quando temos um filme que não comete filme algum, é o espectador o senhor da decisão.

Como esse episódio não pode passar em branco, teci um comentário um pouco mais aprofundado sobre a censura ao A Serbian Film - Terror Sem Limites. O texto está no Cineclick [leia aqui a íntegra].

Entre você também na discussão!

Associação Brasileira de Críticos de Cinema repudia veto a filme sérvio de terror

Criada há uma semana, após um ano e meio de discussões e reuniões com profissionais de todo o Brasil, a Associação Brasileira de Críticos de Cinema (Abraccine) tem como primeiro gesto a divulgação de uma nota de repúdio ao veto à exibição de A Serbian Film – Terror Sem Limites, que tinha uma sessão marcada para o próximo sábado (23/7) no Centro Cultural da Caixa Econômica Federal no Rio de Janeiro.

“A Abraccine defende a liberdade de expressão cinematográfica e o direito de os espectadores interessados assistirem aos filmes que lhes convêm, acreditando não caber a instituições públicas ou privadas a definição sobre o que deve ou não ser visto.

A responsabilidade sobre programação e observação à classificação etária de filmes apresentados num festival de cinema é da organização do evento, devendo a ela serem dirigidas eventuais questões controversas, sem, para isso, ser utilizado o ato de censura prévia (inexistente no país) a um determinado trabalho artístico”, diz um trecho do texto da Abraccine.

A Serbian Film – Terror Sem Limites foi exibido no sábado passado aqui no I Festival Internacional Lume de Cinema, em São Luís do Maranhão. Antes disso, passou também nos Estados Unidos (South by Southwest), Canadá (Fantasia), Espanha (Festival de Sitges) e Portugal (Fantasporto).

Saiba mais sobre o veto ao filme neste link e leia abaixo a íntegra da nota da Abraccine:

A Abraccine – Associação Brasileira de Críticos de Cinema repudia o veto à projeção do longa-metragem A Serbian Film – Terror sem Limites, do diretor sérvio Srdjan Spasojevic, presente na programação do RioFan – Festival de Cinema Fantástico do Rio de Janeiro.

O filme seria exibido pelo RioFan na sala Caixa Cultural. Porém, os organizadores do festival foram obrigados a retirá-lo da programação por decisão da diretoria da Caixa Econômica Federal, conforme nota divulgada pela assessoria de imprensa do banco, sob alegação de que a instituição “entende que a arte deve ter o limite da imaginação do artista, porém nem todo produto criativo cabe de forma irrestrita em qualquer suporte ou lugar”.

Em resposta, a organização do RioFan se disse “contra qualquer forma de censura” e informou que todos os filmes selecionados para o festival foram avaliados por órgãos oficiais competentes e têm classificação etária de 18 anos.

A Abraccine defende a liberdade de expressão cinematográfica e o direito de os espectadores interessados assistirem aos filmes que lhes convêm, acreditando não caber a instituições públicas ou privadas a definição sobre o que deve ou não ser visto.

A responsabilidade sobre programação e observação à classificação etária de filmes apresentados num festival de cinema é da organização do evento, devendo a ela serem dirigidas eventuais questões controversas, sem, para isso, ser utilizado o ato de censura prévia (inexistente no país) a um determinado trabalho artístico.

Registramos ainda que A Serbian Film já teve pelo menos outras duas exibições anteriores ao RioFan: no I Festival Internacional Lume de Cinema (São Luís, no Maranhão) e no VII Fantaspoa - Festival Internacional de Cinema Fantástico (Porto Alegre, no Rio Grande do Sul).

Por esta nota, deixamos ainda claro que a Abraccine não está defendendo um trabalho ou um festival em específico, mas um princípio: o de um filme poder ser assistido e avaliado pelo espectador com liberdade.

ABRACCINE
Associação Brasileira de Críticos de Cinema

Febre do Rato vence Paulínia; O Palhaço come pelas bordas

-- de Paulínia

Podemos não concordar que Febre do Rato é o Melhor Filme do Festival de Paulínia. É meu preferido, mas concordo que tanto O Palhaço quanto Trabalhar Cansa também mereciam o prêmio de R$ 250 mil.

Mas certamente o filme de Claudio Assis foi o grande acontecimento de Paulínia. No final, levou oito estatuetas Menina de Ouro. Já a produção de Selton Mello venceu quatro, sendo em duas categorias vitais (Direção e Roteiro).

No geral, a premiação surpreendeu. Não imaginava que a produção de Recife levaria quase tudo. Mas os comentários ficam para amanhã, com mais serenidade. Por enquanto, vale o registro com a lista de todos os vencedores, disponível neste link.

Os curtas publicitários de Paulínia

-- de Paulínia

Três dias de competição e uma das mais mal sucedidas seleções de curtas-metragens entre os grandes festivais de cinema nos últimos anos. Após a exibição de seis produções, digo que temos apenas um Filme em letra maiúscula: Tela, de Carlos Nader, interessante ponto de interrogação no próprio formato e em como colocá-lo para o público na sala de cinema, não só em festivais.

Fora esse, restam boas intenções (A Grande Viagem e O Cão) que não escapam de um discurso moralista, ou conteúdo audiovisual regado de toques menos (Trocam-se Bolinhos por Histórias de Vida) ou mais (Café Turco e Polaroid Circus) publicitários. Vendem-se ideias simpáticas, no caso do primeiro filme, ou superficialmente políticas, no caso do segundo.

À exceção do filme de Nader, todos contam histórias com começo, meio e fim, sem percalços, terminando com uma lição de moral. Todos com tique da publicidade, enquadramentos simétricos, montagem esperta, iluminação horrivelmente asséptica (que em Trocam-se Bolinhos é berrante). O mais estranho é certamente Polaroid Circus [foto] em que uma belíssima mulher passeia pelas ruas de Paris tirando fotos e se relacionando com a cidade.

No papel, parece até interessante, mas na telona torna-se um longo comercial de vários produtos: lingerie, cartão postal de uma cidade, fotografia de moda, maquiagem, da modelo e por aí vai. É realmente estranho um filme como esse num festival de cinema como o de Paulínia, que atrai tantas atenções.

Se até a quinta-feira a seleção de curtas-metragens continuar tão inferior à de longas, algo precisará ser repensado em 2012 em relação à curadoria. No ano passado, Paulínia exibiu grandes curtas (Tempestade e Eu Não quero Voltar Sozinho são alguns deles). Não pode ser problema de safra: desde Tiradentes, que inaugura o calendário de festivais, temos assistido a bons filmes.

Não dá para exibir longas do nível de O Palhaço ou Uma Longa Viagem, que possibilitam várias possibilidades de leitura, ao lado de curtas pífios Polaroid Circus, uma sub-versão marqueteira de A Bela Junie.

*Heitor Augusto viajou à Paulínia a convite do festival e também realiza a cobertura para o Cineclick.

Público delira em O Palhaço Selton Mello

-- de Paulínia

Selton Mello apresentou ontem, sexta (8/7), seu segundo longa-metragem como diretor. O Palhaço superou expectativas de público, testou a organização do festival de cinema, já que cerca de duas mil pessoas foram ao Theatro Municipal para assistir ao filme. Por volta de 1.100 entraram e o restante aguardou para uma segunda sessão à meia-noite.

Como diretor, Selton Mello evoluiu e, acredito, superou a expectativa quanto à principal ressalva a Feliz Natal, seu primeiro filme: um punhado de referências cinematográficas não agrupadas organicamente a serviço de uma produção com alma própria. O Palhaço tem lá suas inspirações cinematográficas – eu enxerguei um Kaurismaki mais caliente, um pouco de Kusturica e até um outro tanto de Felini. Mas essas referências são mais do olhar de quem assiste do que um esforço do filme em citar escolas cinematográficas ou realizadores.

O Palhaço encontra sua verve, que é simpática. O humor sem piadas, o riso em cima do insólito. Piadas ou gags se fazem no picadeiro, pois, fora dele, o filme é sério, apresentando o cômico em associações inesperadas ou comentários deslocados de um contexto (daí enxergar Kaurismaki, exemplificado numa maravilhosa cena de Selton, o protagonista, com o ventilador).

O público delirou. Sem exageros. Riram demais da conta, como diriam os mineiros. O filme tem muito carisma e é solar, diferente de Feliz Natal – sem juízo de valor nessa colocação. Quando O Palhaço estrear no final de agosto, voltarei com mais calma ao filme, sem essa tradicional correria de festival e comentários apressados.

En passant, gosto muito da metáfora a que o filme recorre para existir: o desejo de um ventilador para amenizar o calor martirizante da estrada. Outro breve comentário: a trilha de Plínio Profeta, que já havia escrito as músicas de Feliz Natal, é bem interessante. Quando ouço as composições dele em ambos os filmes, penso na mesma pungência e lastro de trabalhar com amplos registros musicais que vejo em Alexandre Desplat. As elipses na parte do final do filme também são um ótimo recurso para falar muito e dizer pouco.

Em suma, O Palhaço tem alma.

*O repórter viajou a convite do Festival de Paulínia.

Serge Gainsbourg, heroica trajetória

Estreia na próxima sexta-feira (8/7) a cinebiografia de Serge Gainsbourg. "Cinebiografia" não é uma classificação condizente com este filme, sejamos sinceros. Trata-se de um filme que, em vez de privilegiar os fatos, prefere a fantasia, a transposição de um universo mítico e imaginário para o cinema.

Prevejo que o público que gostou de filmes como Piaf - Um Hino ao Amor ou Ray não deverá simpatizar com Gainsbourg - O Homem que Amava as Mulheres. Os dois primeiros flertam com o registro trágico: a francesa viveu uma torrente de desgraças, enquanto o norte-americano se encaixou, no cinema, como uma história de superação.

Gainsbourg é um devasso, boêmio. Joann Sfar, o diretor que sobrevive como quadrinista e estreou na direção de cinema, fez um filme sobre projeções, especialmente a do medo de um menino judeu na França ocupada pelos nazistas e um fantasioso alter-ego que o atira em direção às mulheres. Procurar por uma referência ao legado de Gainsbourg para a cultura pop no filme de Sfar é um erro.

Já tem até leitor do IMDB reclamando disso. Desculpe-me, mas Gainsbourg - O Homem que Amava as Mulheres não é matéria jornalística, mas cinema. E felizmente temos um filme que não tenta enquadrar o artista, mas deixá-lo escapar pelas bordas, transbordar a caretice.

Como au revoir, deixo Serge Gainsbourg cantando Aux Armes et caetera, sua versão em reggae para A Marselhesa, o hino francês.

Operação Dragão Negro e o blaxploitation

Carlão Reichenbach é quem costuma dizer que não se pode ter preconceito para filmes. Um cinéfilo tem de estar aberto para ser surpreendido até mesmo por produções que aparentemente seriam um mar de obviedade. Uma delas é Operação Dragão Negro, típico exemplar de blaxploitation.

Lançado em 1975, o filme surfa no sucesso de Operação Dragão, que marca a última aparição de Bruce Lee nos cinemas. Trata-se de um filme de ação B com momentos cinematográficos ora pavorosos, ora interessantes.

Provavelmente, o mais instigante em Black Fist (título original) é o cenário: o lendário bairro de Bronx nos anos 70. O Partido dos Panteras Negras Para Defesa Pessoal estava em declínio e denunciava a distribuição de drogas, especialmente heroína, para conter a organização política dos negros – informação extra-fílmica, mas já presente no imaginário por causa de O Gângster e The Black Power Mixtape. O tráfico torna-se paisagem da cidade. Neste cenário, Leroy Fisk (Richard Lawson), um Zé Ninguém, encontra seu lugar ao sol ao participar de lutas ilegais para um empresário branco e ganhar algum dinheiro.

Muito curioso que, mesmo num filme de ação de pouco orçamento e sem muita criatividade cinematográfica, a segregação racial seja tão latente e tão bem desenvolvida a ponto de Leroy, o anti-herói, confrontar-se a todo momento com um negro capataz que faz a segurança do patrão. Preconceito entre os próprios negros: não faltam diálogos com yo nigga, move your black ass e outras colocações raciais. Trechos que, se pensarmos na literatura, remontam levam diretamente ao período da escravidão, quando os negros da casa grande tinham um tratamento diferente dos da senzala.

No filme, temos interessantes ponderações sobre a organização mafiosa e um lutador que, assim como Madame Satã, só tem o corpo como ferramenta de luta. Não há otimismo: quem vence é o detentor do poder, ou seja, o branco. Até mesmo Leroy, um cara consciente que sabe com quem está se metendo ao aceitar tornar-se lutador de rua, sucumbe à sua inocência, leitura indicada por uma cópia descarada da sequência final de Operação Dragão.

Operação Dragão Negro recorre a uma vigorosa trilha repleta de soul, criando uma ambientação. Entre os bons momentos, lembro de uma sequência que, talvez seja loucura de cinéfilo, me levou diretamente ao método de assassinato em Confissões de um Comissário de Polícia ao Procurador da República, clássico do cinema político italiano de Damiano Damiani – nome que Carlão me apresentou numa conversa. Outra interessante cena de morte é omitida numa elipse muito similar ao que Scorsese faria em Os Infiltrados.

Por outro lado, o filme de Timothy Galfas – que divide a direção de “cenas adicionais” com Richard Kaye, seja lá o que isso significou nesta produção – tem vilões caricatos, roteiro cheio de brechas, interpretações irregulares (Dabney Coleman muito bem, Robert Burr horrível), direção primitiva etc.

Mesmo cheio de erros, defeitos e precariedade, Operação Dragão Negro permite leituras mais sofisticadas, especialmente nas relações sócio-raciais dos Estados Unidos.

Em tempo: no Brasil, o filme não está disponível em DVD. Sem problemas: a versão integral do filme está disponível no YouTube [clique neste link].